サックス四重奏 ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ 楽譜

サックス四重奏 ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ Favorito, Tango エルネスト・ナザレ Ernesto Julio Nazareth 編成はソプラノ、アルト、テナー、バリトンです。 木管四重奏、クラリネット四重奏版、金管四重奏版、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/8NkmnrtEpxs Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Favorito, Tango　ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ 　この作品は娘のMaria de Lourdesに捧げられた曲で1895年に作曲されました。1912年にナザレはこの曲の演奏をCasa Edisonに録音しています。 また後に作詞者不明の歌詞がつけられました。原曲はイ長調、A-B-A-C-A-B-A形式です。同じ旋律が一音ずつ上昇していく単純な仕掛けの曲ですが、 それがわくわくして気分が高揚していくような雰囲気を醸し出しています。Bメロは嬰ヘ短調、Cメロはニ長調に転調します。 2拍子の1拍目最後の16分音符にアクセントをつけて演奏するとタンゴらしく良い演奏になります。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を知らずしてブラジル音楽は語れません。 南国ののどかな風光と、アフリカの野性的なエネルギーと、ロマンティシズムが渾然と混じり、甘美で、ちょっぴり切ない独特の音楽が聞こえてきます。 ミニョーネはこう述べています。「私は1917年頃にEduardo Soutoの楽譜店でナザレに会ったことがある。ナザレは自作曲を決して急がず、 カンタービレで弾いていた。彼はこう言っていたよ、『私の作品はあちこちでメチャメチャに弾かれている。みんな速く弾きすぎだ。 特に "Apanhei-te, Cavaquinho" は酷いことになっている。あの曲はゆっくりと、左手はカヴァキーニョを思い浮かべてアルペジオで弾くもんだ』と。」 エルネスト・ジュリオ・ナザレー （Ernesto Julio Nazareth （またはNazare とも）, 1863年3月20日 - 1934年2月4日）は、ブラジルのピアニスト・作曲家です。 一生をリオ・デ・ジャネイロで過ごしました。「ブラジル風タンゴ」やショーロなど、国内の民族音楽に影響されたピアノ曲を量産しました。 そのような作曲姿勢から、しばしば「ブラジルのショパン」と呼ばれています。ピアノ以外の音楽教育は学ばなかったため、 残された作品はサロン小品と声楽曲ばかりであり、管弦楽曲や室内楽・カンタータやオラトリオのような分野の大作はなく、作曲技法も必ずしも洗練されていません。 しかしながら、民衆音楽の影響のもとに切り開いた独自の素朴な詩境は、のちにヴィラ＝ロボスから、「ブラジルの魂」と称賛されました。 中産階級ながらもあまり豊かでない下級官吏の家庭に生まれ、ショパンを愛する母親からピアノの手ほどきを受けました。 早い年齢でたぐい稀な音楽的才能が認められ、家族ぐるみで付き合いのあったアフロ＝アメリカンの作曲家、 リュシアン・ランベールにも音楽の手ほどきを受けました。 1873年に母親が亡くなってからもピアノを学び、間もなく作曲も手がけるようになりました。 最初の出版作品のポルカ『ボセ・ベン・サービ"Voce Bem Sabe"』 （あなたはよく御存知）は、14歳になるまでに作曲・出版されました。 その後は、ショーロの楽士たちとたむろして、敏感で独特なリズム感を身につけました。マシシェ maxixe やルンドゥ lundu 、ショーロ choro 、 アフリカ系住民のダンスなど、さまざまな民族舞曲に影響されました。 長年ナザレーは、映画館オデオン座の待合室でピアニストとして働き、ここで最も有名な作品の一つ『オデオン』を作曲しました。 外国から数少ない音楽家がブラジルを訪問した際、オデオン座のナザレーの演奏を見学したといわれています。 1920年代初頭には、音楽ショップにピアニストとして雇われました。顧客が購入する際に持ち寄ってきた楽譜を見ながら、演奏し、 客の要望に沿うかどうかを確認して見せるのが任務でした。客の中に、ナザレー作品の楽譜を手ずから弾こうとする者がいると、止めさせて、 解釈が誤っていると苦情を言うのが常だったそうです。 ナザレーは、心底からのブラジル人音楽家であり、音楽は楽しまれるべきであるとして、それ以上を望みはしませんでした。 ほとんど独学であり、音楽活動のほとんどは、劇場や映画館の伴奏ピアニストとして、あるいは小劇場のアンサンブルでのピアニストとして、 演奏するのに振り当てられました。 そのような劇場アンサンブルの楽団員の知り合いには、後の大作曲家ヴィラ＝ロボスがいて、当時はチェリストとして活動していました。 ナザレーはショーロの発展のおおもとであり、ヴィラ＝ロボスは、これに基づき、後に自らの創作活動を繰り広げていったのです。 ナザレーは、ブラジルの民族音楽以外にも明らかに影響されていて、子供時代にむさぼるようにして学んだショパンの影響が中でも顕著です。 また、1869年にきら星のようにリオ・デ・ジャネイロにデビューして、瞬く間にブラジル楽壇を席巻したゴットシャルクの作風もナザレーにはお馴染みでした。 作品には、19世紀ヨーロッパのクラシック音楽の豊かな和声法がこだましながら、ナザレーの生地ブラジルの、シンコペーションをともなう 民族舞曲のリズム法に織り込まれてゆくのが認められます。そのうえ、アメリカ合衆国のラグタイムや初期のジャズの、小気味よいリズム感も健在である。これらの要素を統合して一つの有機体へとまとめ上げたことがナザレー独自の能力で、結果的には、ピアノ曲のレパートリーだけでなく、20世紀の音楽にも重要な貢献を果たしている。 ナザレーはショパンやその他のヨーロッパの作曲家から霊感を受けたように、逆に自らも、間接的とはいえ、ヨーロッパの作曲家に何かしらの影響を与えています。 フランス人作曲家のダリユス・ミヨーは、自伝の中で、ブラジル滞在中にリオ・デ・ジャネイロの映画館でナザレーがピアノを演奏する風景を回想しています。 ミヨーはその音楽のリズムにたちどころに虜となって、ブラジル音楽をきわめてやろうと決心したというのです。 その最終的な成果こそが、ミヨーのピアノ曲『ブラジルの想い出 Saudades do Brasil』でした。 ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ばれていますが、作品に副題を好んでつけた点で、ショパンとは違っています。 ショパンやフォーレよりもヨーロッパのサロン音楽の伝統に忠実だったといえます。 しかしながら19世紀から20世紀初頭まで、ヨーロッパではサロン小品にフランス語の題名をつける慣習がまだ根強く残っていたのに対して、 ナザレーは母語のポルトガル語に固執しました。 また題名によって、ドビュッシーやラヴェルのように、美術や文学からのインスピレーションをほのめかしたり、 リストのように詩的な連想を暗示することもありませんでした。 ナザレーの曲名には、しばしば第三者にとって謎めいた響きをもつものもありますが、それらは実在するスポーツチームやダンスクラブ、雑誌名など、 ナザレーの日常生活の周辺から切り取られたものばかりです。このような意味で、ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ぶよりは、むしろ 「ブラジルのクープラン」と呼んでこそふさわしいかも知れません。 およそ300曲のピアノ小品において、ナザレーはみごとに、大衆的なブラジル舞曲のエッセンスを捕まえています。 ナザレーは、厳密には都会の聴衆のために作曲したのですが、その作品には、（ブラジルで奴隷制が廃止された1888年以降の作品でも、） アフリカ系民族音楽の豊かな影響が息づいています。ほとんどの曲に、スコット・ジョプリンが発想したようなシンコペーションが使われています。 ナザレーのピアノ曲には、ブラジルのありとあらゆるダンスが盛り込まれています。マシシ（英語版）、バトゥーキ（英語版）、 サンバ、 そして中でも重要なのがタンゴです。後に世界中を熱狂させ、席巻したタンゴが、ブラジル生まれだったというだけでなく、 実際にはナザレー自身の創り出したジャンルだったという証拠になるからです。 もしそれが間違いだったとしても、「ブラジル風タンゴ」の発展のほとんどにナザレーがかかわっていて、このジャンルに優に100曲を残しています。 最も有名な作品に、『ブレジェイロ（ろくでなし）"Brejeiro"』『アメノ・ヘゼダ"Ameno Reseda"』『バンビーノ（赤ん坊）"Bambino"』 『トラベッス（腕白坊主）"Travesso"』『フォン・フォン"Fon-Fon"』『テネブローズ（暗闇）"Tenebroso"』があります。 ナザレーが初めて「ショーロ」と呼んだ作品のうち、『アパニェイチ・カヴァキーニョ（頑張れカバキーニョ）"Apanhei-te Cavaquinho"』は、 さまざまな楽器アンサンブルによって演奏できる、古典的名作です。 晩年になって完全に聴覚を失うと、創作活動にも支障をきたしましたが、それでもブラジル国内ではなかなかナザレー人気は衰えませんでした。 ゴットシャルクやジョプリンを評価する人たちなら、ナザレーの残した魅力的な宝石たちをきっとたちまち気に入るに違いありません。 作曲者の死後から半世紀を経た近年になって、ナザレー作品を集めたアルバム制作が世界的にも相次いでいて、最近では伝記や、 作曲者に関するCD-ROMも発表されています。ナザレーは、クラシックとポピュラー音楽にまたがって活動したことから、ナザレーのピアノ曲は、 クラシックの学び手にも、ポピュラー音楽の学び手にも、有用な教材とされつつあります。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

Solo+クラリネット五重奏　交響的断章 作品88／アレクサンドル・ギルマン 楽譜

Solo+クラリネット五重奏　交響的断章 作品88／アレクサンドル・ギルマン Morceau Symphonique Op.88 Alexandre Guilmant 編成はSoloおよびCl.4本、Bs,Cl.です。 金管五重奏、サックス五重奏、木管五重奏版は発売中です。 SoloはTbn.、Eup.またはBsn.に対応しています。 低音楽器による独奏のためのフランス.ロマン派音楽を、お楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/v8UKHv-zz0Y Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html この作品はトロンボーンとオルガンのために書かれた彼の作品の中では珍しい編成の曲です。 この曲は序奏の重々しい響きに導かれ、独奏が優しく叙情的な旋律を奏でて始まります。 一転してアンサンブルが軽快な旋律を奏でると、独奏も力強く旋律を奏で、穏やかな部分と力強い部分を交互に見せていきます。 独奏のカデンツァがしばらく続いたあと、アンサンブルの軽快な響きに続き独奏が絡んでいきます。 お互い掛け合いながら曲は進行していき、独奏がコラール的な旋律を奏でたあと、最後は華麗さをみせつつ盛り上がって力強く終わります。 ソロはトロンボーンまたはユーフォニアムのほかファゴット（バスーン）でも演奏できます。 アレクサンドル・ギルマン - Alexandre Guilmant (1837-1911)は、フランスのオルガニスト・作曲家です。 彼は、コンサート・オルガン奏者として国際的な名声を博していました。30年間パリのトリニテ寺院のオルガニストを務め、 ウィドールの後任としてパリ・コンセルヴァトワールのオルガン科教授に就任しました。弟子にはマルセル・デュプレがいます。 ギルマンの名は、ウィドールと並んで、フランスのオルガン交響曲の発展に大きく寄与しました。 彼は同世代のオルガン音楽の第一人者であり、多くのオリジナル曲や初期のオルガン曲の編曲を提供しました。 彼は父親の手ほどきを受けた後、ベルギー人のジャック＝ニコラ・レメンスに師事し、郷里でオルガン奏者と音楽教師を務めました。 1871年にパリの聖トリニテ教会(後のオリヴィエ・メシアンがオルガニストを務めたことでも知られる)のオルガニストに任命されました。 1878年以降は旧トロカデロ宮でコンサートを開くなど、ヴィルトゥオーソとしての道を歩み、ヨーロッパの各地で演奏旅行を行い、 オルガン音楽のレパートリー拡大と普及に尽力しました。 また、後にアメリカでも演奏旅行を実現させ、フランス人で初めてアメリカで演奏会を行った 作曲家として認められる様になりました。 1894年にシャルル・ボルド（フランス語版）やヴァンサン・ダンディと共同でパリ・スコラ・カントルムを設立。 1897年にはシャルル＝マリー・ヴィドールの後任として、パリ音楽院オルガン科教授に就任。門下にはマルセル・デュプレなどがいます。 1909年に最愛の妻が亡くなると、自身も病に冒され、1911年に亡くなりました。 アンドレ・ピロと共同で『オルガンの巨匠の書庫Archives des Maitres de l'Orgue 』を刊行、フランスの古典的なオルガン音楽が、 1894年から1914年にかけて10巻にわたって出版された。外国の古典的なオルガン音楽については、同じような曲集 『オルガン楽派の古典 l'Ecole classique de l'Orgue 』を出版しました。 主な作品 自分の楽器であるオルガンのための作品が多く残っています。 その他のジャンルにおける作品は演奏機会が稀ですが、2曲のオルガン付き交響曲をはじめ、 作品は充実した和声語法、堅固で保守的な形式を備えています。この曲「交響的断章」は、トロンボーンの主要レパートリーとして今では定着しています。 バイオグラフィー ギルマンはムードンで生まれました。最初は父親、後にベルギーの巨匠ジャック・ニコラ・レメンスの学生であり、彼は生まれ故郷でオルガニストと教師になりました。 1871年に彼はパリのラトリニテ教会で定期的にオルガンを演奏するように任命され、この役職を30年間務めました。 ギルマンは、コンサートと教会の両方での即興演奏で知られていました。彼のインスピレーションはグレゴリオ聖歌から来ました、そして 彼はメロディーの彼の習得のために彼の同僚の間で大いに注目されました。それ以来、ギルマンは名人としてのキャリアをたどりました。 彼はアメリカ（その国をツアーした最初の主要なフランスのオルガニスト）、カナダ、そしてヨーロッパでコンサートを行い、特にイギリスを頻繁に訪れました。 彼のアメリカでの業績には、現在フィラデルフィアのワナメーカーオルガンの中核として保存されている世界最大のオルガンであるセントルイス万国博覧会での 40回以上のリサイタルの1904シリーズが含まれていました。 ギルマンは、彼の若い同僚であるアンドレピロとともに、1750年以前のフランスの多数の作曲家の作曲をまとめたスコアのコレクション、 ArchivesdesMaitresdel'Orgue（オルガンの巨匠のアーカイブ）を出版しました。コレクションは10巻で印刷され、最初は1898年、最後は1914年に印刷されました。 ギルマンは外国の作曲家によるオルガン作品のかなり類似した調査を提供し、l'EcoleClassiquedel'Orgue（オルガンの古典派）。 これらのアンソロジーは、ギルマン自身の時代から起こったすべての音楽学的発展にもかかわらず、古楽の非常に貴重な情報源であり続けています。 1894年、ギルマンはシャルル・ボルドとヴァンサン・ダンディとともにスコラ・カントルムを設立しました。 彼は1911年にパリ近郊のムードンにある自宅で死ぬまでそこで教えました。 さらに、1896年にシャルル・マリー・ウィドールをオルガン教師として引き継いだパリ国立高等音楽院で教えました。 教師として、ギルマント彼の優しさと細部へのこだわりで有名でした。彼の生徒たちの回想は、攻撃、解放、性格など、 メモのすべての側面に特に焦点を当てた説明を特徴としています。マルセル・デュプレは彼の多くの学生の中で最も有名でした。 その他にはオギュスタン・バリエ、ジョセフ・アーサー・ベルニエ、ジョゼフ・ボンネット、アレクサンドル・ウジェーヌ・セリエ、アベル・ドゥコー、 ガブリエル・デュポン、チャールズ・ヘンリー・ギャロウェイ、フィリップ・ヘイル、エドガーHenrichsen、エドゥーアード・ミナン、 およびエイミール・ポイロットがいます。 マルセル・デュプレに対するギルマンの関心は、マルセル・デュプレが子供の頃に始まりました。有名なマルセルの父であるアルバート・デュプレは、 息子が生まれる前の7年間、ギルマンにオルガンを学びました。デュプレの回想録には、ギルマンが生まれたときに母親を訪ね、 子供がオルガン奏者になることを宣言するという逸話が含まれています。幼少期を通して頻繁に訪れた後、マルセルデュプレは、 11歳で正式にギルマンに師事し始めました。この時から彼の死まで、ギルマンは若い巨匠を擁護し、彼のキャリアを前進させるために多くのことをしました。 クラレンス・エディとアレクサンドル・ギルマン、1898年 ギルマンは、熟練した非常に多作な作曲家でした。すべての主要なジャンルで大量の音楽を制作したウィドールとは異なり、 ギルマンはほぼ完全に自分の楽器であるオルガンの作品に専念していました。彼のオルガンの作品には次のものが含まれます。 「実用的なオルガニスト」、12冊の本で出版されました。18の「新しい部品」; と「L'Organisteliturgique」、10冊の本で出版されました。 ギルマンの8つのソナタは、ラトリニテのカヴァイレコルオルガンを念頭に置いて考案されたため、スタイルと形式がシンフォニックであり、 セザールフランクのシンフォニックオルガン作品やシャルルマリーウィドールのオルガン交響曲と並んでいます。 オルガンとオーケストラのためのソナタ第1番/交響曲第1番、作品42は、1930年代にセルゲイ・クーセビツキーによってプログラムされましたが、 イゴール・ブケトフがバトラー大学オーケストラとの1977年のライブ録音のためにそれを復活させるまで再び聞こえませんでした。 数は少ないですが、オルガン以外の楽器の作品も完全に無視されていません。この曲、シンフォニックピース(交響的断章 作品88)は、 最も頻繁に演奏されるトロンボーンソロのひとつであり、プロと上級生の両方のトロンボーン奏者の間で長年の人気を誇っています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管四重奏 10の小品 から第8曲「スロバキア民謡」楽譜

木管四重奏 10の小品 から第8曲「スロバキア民謡」 ベーラ・バルトーク作 曲 Sz. 39 BB 51 Easy Piano Pieces, BB39 8.Slovakian folksong. Poco andante Bela Bartok 編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。 金管四重奏、クラリネット四重奏、サックス四重奏版は発売中です。 このアレンジは基本七重奏で、第5.6.8.10曲のセレクションです。第6.8曲は降版ありの四重奏です。 4曲の通し演奏時間は約7分です。 バルトークによる民俗色豊かな名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/Ci3031N7dn0 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 10の小品 Sz.39, BB.51 （Ten Easy Pieces, Sz. 39, BB 51』は、ハンガリーの作曲家ベーラ・バルトークのピアノのための小品集で、 1908年にブダペストにて作曲されました。 当初は『11のピアノリサイタル小品集』として構想されていましたが、1曲が脱落し、バルトークの『14のバガテル』のバガテルとして使用されました。 しかし、出版社との契約上、11曲を書く必要があったため、番号は付されていないものの、セットを補完する役割を果たしました。 このため、このセットと彼のバガテル群は、和声やリズムのスタイルにおいても、教育的な使命においても、関連性があります。 これらの作品は、バルトークの民族音楽への憧れや、その頃名を馳せていたドビュッシーへの憧れから大きな影響を受けています。 14のバガテルが若いピアニストにとって明らかに難解であるのに対し、このセットは学生にとって簡単な現代音楽の準備として計画されたものです。 このセットは、1年後の1909年にロズナイ・カーロイ社から出版されました。全体の演奏時間はおよそ17分です。 このセットは全部で11曲で構成されていますが、最初の献呈曲には番号が付けられていません。楽章リストは以下の通り。 0.Dedication 献呈 1.Peasant song. Allegro moderato 農民の歌 2.Frustration. Lento フラストレーション 3.Slovakian boys' dance. Allegro スロバキア少年の踊り 4.Sostenuto. ソステヌート 5.Evening in Transylvania. Lento, rubato トランシルヴァニアの夕べ 6.Hungarian folksong. Allegretto ハンガリー民謡 7.Dawn. Molto andante 夜明け 8.Slovakian folksong. Poco andante スロバキア民謡 9.Five-finger exercise. Moderato 五本指の運動 10.Bear dance. Allegro vivace 熊の踊り 第8曲「スロバキア民謡」は素朴で哀愁を帯びた民謡が高音部で歌われます。 Poco andanteの指示があり、後半は低音部で再び民謡の旋律が歌われ、静かに曲を閉じます。 バルトークは、五音音階、モード、新しいハーモニー、オスティナートを多用し、すべての曲の演奏時間は1-2分程度です。 全11曲中、民謡を題材にしたのは3曲（3番、6番、8番）だけです。 残りの曲は、民謡風の構成と旋律を用いたピアノのための小品を数多く作っていたバルトークが、全曲を創作したものです。 献呈曲は、彼が最初のヴァイオリン協奏曲を献呈した友人であるヴァイオリニスト、ステフィ・ガイヤーにちなんだ素材を用いている。 この献呈のモチーフは、協奏曲と《2つの肖像》、そして1906年から1908年にかけて書かれた《14のバガテル》の最後にも徹底的に使われました。 このセットは、献呈の、たった4つの音からなるゆっくりとしたモチーフで始まります。 献呈に続いて始まる第1曲は、ユニゾンで奏される非常にシンプルな旋律で、アレグロ・モデラートと記されています。 第2曲は「苦痛のレスリング」と訳され、右手でメロディーを弾きながらオスティナートのベースラインを奏でます。 第3曲は民謡を編曲したものですが、ユニゾンと伴奏の両面で、これまでの作品に見られた要素がすでに出ています。 第4曲は、メロディーを左手と右手の両方で演奏するスローテヌートの曲となっていますが、ユニゾンは行われません。 第5曲は、このセットの中で最も長い曲です。構成は厳密にABABAで、メロディーは右手だけで演奏されます。 第6曲は民謡を編曲したもので、両手でリズムを取ります。 第7番は、あらかじめ設定された民謡を中心にメロディが展開される第6番とは対照的に、ハーモニーが絶えずぶつかり合う3分の1のメロディが展開されます。 第8曲は、やはり民謡の旋律を用いたテヌート的な作品です。 そして、9曲目は5本の指で音階を練習するための習作です。 最後に第10曲は、よく知られたメロディにベースラインの跳躍音を添えたものです。 バルトークは1929年11月20日に第5番と第10番を演奏して録音したことが知られていますが、残りの曲を自分で演奏して録音したことがあるかどうかは不明です。 教育的な目的で使用される楽曲を丸ごと録音することは、長時間の録音には費用がかかるため、当時は珍しいことでした。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管五重奏+ 行進曲「アンバサダー」楽譜

金管五重奏+ 行進曲「アンバサダー」 エドウィン・ユージーン・バグレイ The Ambassador March Edwin Eugene Bagley 編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaおよびドラムセットです。 クラリネット五重奏、サックス五重奏、木管五重奏も発売中です。 「国民の象徴」で有名なバグレイのマーチをお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/epy9OTUk4cY Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 作曲者のエドウィン・ユージーン・バグレイ（1857年5月29日-1922年1月29日）は、バーモント州のCraftsbury（クラフツベリー）で生まれました。 アメリカの作曲家であり、行進曲「国民の象徴」の作曲で最も有名でした。 9歳の時に、アメリカの多くの大都市をツアーしたエンターテイナーの会社Leavitt's Bellringers（レビットのベルリンガー）で ボーカリスト兼コメディアンとして音楽キャリアを始めました。また後にコルネットを演奏し始め、スイスのベルリンガーで6年間旅をしました。 ツアーの後、彼はニューハンプシャー州コンコードのブライスデルのオーケストラに加わりました。 その後、彼は旅行オペラ会社であるボストニアンズを含むさまざまなオーケストラのミュージシャン（トロンボーン奏者）であり、 ボストン交響楽団のメンバーでもありました。彼はまた、ユーフォニアムを楽器として追加し、婚約中にトロンボーンと交互に演奏しました。 1893年にエドウィンは、ジャネット S. ホイト (1855?1927) と結婚しました。結婚した後、彼はニューハンプシャー州キーンに引っ越しました。 彼の新しい家で、彼は1915年から1917年までキーン シティ バンドを含むさまざまな地元のバンドを指揮しました。 いくつかの市民バンドのメンバーや、ニューハンプシャーの学校のバンドディレクターを務めたことがあります。 作品も数曲あるだけですが、中で「国民の象徴」だけが最も有名で、この曲によりバーグレイはバンド界に、永遠にその名をとどめています。 彼の兄弟エズラ M. バグリー (1853年-1886年) は、1880年から1884年にかけて ボストン交響楽団の最初のトランペット奏者であり、バンドの行進曲も作曲しました。エドウィンはニューハンプシャー州キーンのエリオット コミュニティ病院で 1922年に亡くなり、キーンのグリーンローン墓地に埋葬されました。キーンにあるビクトリアン バンドスタンドは、彼にちなんで名付けられました。 バグレイは行進曲の作曲家として有名で、この行進曲「アンバサダー」は"大使"という意味です。1907年に作曲され、ウィレムスミュージックから出版されました。 演奏時間：2分46秒程度で、第1マーチでは旋律が対話するように進みます。勇壮な「国民の象徴」とは一味違った楽しい雰囲気の軽快なマーチです。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

Solo+サックス三重奏+ カタリ・カタリ（つれない心）楽譜

Solo+サックス三重奏+ カタリ・カタリ（つれない心） サルバトーレ・カルディッロ Core 'ngrato (Catari, Catari) Salvatore Cardillo 編成はSoloパートおよびソプラノ、アルト、バリトン、Marim.です。 同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、 in C版（Ob.、Mallet Perc.など）、 in C-Fl.版（Fl.、Pic.）、 in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,、St.Bs.など）、 Tubaは1オクターブ下げて演奏可能です。 in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、 in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。 多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は次の編成も含め4種類から選ぶことができます。 木管三重奏、クラリネット三重奏、金管三重奏版は発売中です。 参考音源ではSoloパートをテナーサックスが担当しています。 悲しくも美しい失恋のメロディーを、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/5F-CJuqD920 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 「Core 'ngrato」は、イタリアの作曲家サルバトーレ・カルディッロによって作曲された歌曲で、 リカルド・コルダラによって歌詞が書かれています。この歌は、ナポリ方言で「愛すべき心」という意味があります。 「Core 'ngrato」は、感情豊かなナポリ民謡の一つであり、その情熱的なメロディと深い歌詞で知られています。 この歌の歌詞は、失恋や愛の痛みをテーマにしており、歌手が自分を傷つけた恋人に対する怒りや悲しみを歌い上げます。 歌手は、かつて愛した人が自分を裏切ったことに対しての憎しみや悲しみを表現し、その痛みを歌声に乗せて聴衆に伝えます。 また、「Core 'ngrato」は、愛を貫き通す決意や、恋人の姿を心に刻み続ける情熱を歌っています。 歌手は、自分の愛を貫く決意を持ち続け、恋人の記憶を自分の中に生かし続けるという強い思いを歌に込めています。 そのため、この歌は、愛の複雑な感情や深い情熱を描写した作品として、多くの人々の心を打つのです。 「Core 'ngrato」は、その美しいメロディが特徴的であり、情感溢れる旋律が聴衆を引き付けます。 特に、繰り返し歌われるメロディのフレーズは、印象的で耳に残ります。歌手の情感に合わせて、旋律は抒情的に歌われ、聴衆を感動させます。 この歌は、オペラ歌手やテノール歌手によっても歌われることが多く、彼らの情感豊かな歌声によって、 より深い感情を伝えることができます。また、イタリアを代表する歌の一つとして、世界中の人々に親しまれています。 「Core 'ngrato」は、愛と失恋、情熱と悲しみという普遍的なテーマを描写しており、その歌詞とメロディが一体となった作品として、 多くの人々の心を打ち、感情に共鳴することができます。 カルディッロの作曲による「Core 'ngrato」は、イタリアの音楽文化に深く根付いた作品として、多くの人々に愛されています。 また、「Core 'ngrato」は、その歌詞によっても注目される作品です。歌詞はナポリ方言で書かれており、 ナポリの民謡独特の表現力豊かな言葉が使われています。歌手が自分の恋人に対しての感情を歌い上げる歌詞は、 直情的でありながらも深い情感を持っています。 「Core 'ngrato」は、1901年に初めて発表されて以来、多くの歌手によってカバーされ、幅広いアーティストによって演奏されています。 また、映画やテレビ番組、舞台などでも使用され、その美しい旋律と情感あふれる歌詞が物語を盛り上げる役割を果たしています。 最後に、カルディッロの「Core 'ngrato」は、イタリアの音楽文化の一部として、その美しいメロディと深い歌詞によって、 多くの人々に愛され続けています。愛と失恋、情熱と悲しみという普遍的なテーマを歌い上げるこの歌は、 多くの人々の心を打ち、感動を与える名曲の一つとして、今日まで高い評価を受け続けています。 サルバトーレ・カルディッロ（ Salvatore Cardillo 1874 - 1947 ）はイタリアはナポリ生まれの作曲家です。 『カタリ・カタリ（つれない心）』は、サルバトーレ・カルディッロによって、1911年に作曲され、イタリアのオペラ歌手 エンリコ・カルーソー（Enrico Caruso）のために書き上げられたナポリ歌曲です。 カルソーの後も、ドミンゴ、カレーラス、パバロッティなど多くの著名なテノール歌手らの重要なレパートリーとなりました。 歌詞の内容は、女性に捨てられた男性の深い悲しみを切々と歌い込むという、女々しさの極致を行く情けない悲恋の歌です。 日本男児にも気持ちだけは通じるが、決して真似は出来ない。さすがはイタリア男という感じで、この切々とした男心を 切々と歌っています。 Core 'ngrato 　 　 つめたい心（カタリ　カタリ） 　 詩： コルディフェッロ (Riccardo Cordiferro，1875-1940)　イタリア→アメリカ 曲： カルディッロ (Salvatore Cardillo，1874-1947)　イタリア→アメリカ 　　歌詞言語： イタリア語 Catari，Catari， pecche' me dice sti parole amare? pecche' me parle，e 'o core me turmiente， Catari? Nun te scurda' ca t'aggio dato 'o core， Catari，nun te scurda'! Catari，Catari， che vene a dicere stu parla' ca me da spaseme? Tu nun ce pienze a stu dulore mio tu nun ce pienze，tu nun te ne cure. Core，core 'ngrato， t'haie pigliato 'a vita mia， tutt'e' passato e nun ce pienze cchiu'! Catari，Catari tu nun o saie ca 'nfino int''a na chiesa io so' trasuto e aggio priato a Dio， Catari e ll'aggio ditto pure a 'o cunfessore I' sto' a suffri pe chella lla'! Sto a suffri，sto a suffri nun se po credere sto' a suffri tutte li strazie e 'o cunfessore ch'e' persona santa m'ha ditto: figlio mio，lassala sta'，lassala sta'! Core，core 'ngrato， t'haie pigliato 'a vita mia， tutt'e' passato e nun ce pienze cchiu'! カタリー、ねえカタリー どうして君はボクに言うの　そんなヒドイこと？ どうしてボクの心を苦しませる言い方をするの、 カタリー？ 忘れちゃいやだよ、ボクがかつて心のすべてを捧げたことを、 カタリー　忘れないで！ カタリー　ねえカタリー、 なんでそんなことを言うの ボクをキズ付けるようなことを？ きみはボクのこの苦しみなんて考えてない 気遣いも思いやりもないじゃないか 心よ、つめたい心よ きみはボクの人生を奪い去ったんだ もうオシマイなのかなあ きみはもう気にかけてもくれない！ カタリー、ねえカタリー 君は何も知らないんだ、ボクが教会に行ってきたことも 神様にお祈りしたことも、 カタリー それからボクが神父様にこう告白したことを、 「ボクは死にそうです　あの人のために！ ボクは苦しいんです　ボクは苦しいんです　 信じられないくらい ボクは苦しいんです　このひどい痛みで」って でもその告白に、偉い神父様は こう答えられたんだ「彼女に任せなさい　彼女に任せなさい」って 心よ、つめたい心よ きみはボクの人生を奪い去ったんだ もうオシマイなのかなあ きみはもう気にかけてもくれない！ アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

Solo+クラリネット四重奏+「ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー）」 楽譜

Solo+クラリネット四重奏+「ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー）」 Doce de coco(coconut candy) Jacob do Bandolim 編成はソロ楽器、Cl.3本、Bs,Cl.、ドラムス、マリンバ、エレキベースに加えて パーカッション（Trigl.、Wood Block or Cowbell、Timbalesの3名）で総勢11名です。 Bs,Cl.はCl.に変更可能でパート譜は同梱しています。 エレキベースはBs,Cl.に変更可能でパート譜は同梱しています。 同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、 in C版（Ob.、Mallet Perc.など）、 in C-Fl.版（Fl.、Pic.）、 in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,、St.Bs.など）、 　Tubaは1オクターブ下げて演奏可能です。 in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、 in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。 多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め5種類から選ぶことができます。 金管四重奏版、サックス四重奏版、木管四重奏版、鍵盤打楽器二重奏版は発売中です。 陽気なブラジルの名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/u1_gdkXo6X0 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Doce de cocoは「ココナッツの実で作った甘いお菓子」「ココナッツキャンディー」のほか「御しやすい人」という 意味もあります。 ジャコー・ド・バンドリンは、このスタイルと深い関わりを持ったショーロ・ミュージシャンです。そのこだわりは、このスタイルにしかない 録音や作品を数多く含む個人的なアーカイブを大切にしたことにも表れています。伝記作家のErmelinda Paz（1997）は、 その著書「Jacob do Bandolim」の中でこのことに言及しています。 ジャコーは、ブラジルの文化的ルーツを守ることに強い関心を持つ本格的な音楽家として、音楽界にその地位を確立しました。 この関心から、忘れがたい作曲者が生まれ、結晶化したのです。 著者の言葉からは、ジャコーのこだわりだけでなく、彼の作品に繰り返し登場するブラジル文化への関心にも気づくことができます。 ジャコーは、MIS（Museu da Imagem e do Som）で記録されたインタビューの中で、ショーロを感情表現として定義しています。 ショーロには刷り込まれた感覚があり、そこには正確なオマージュがある。ヨーロッパで生まれたポルカから、ダンサブルで転調の多い、ショーロが生まれました。 ショーロはポルカとして知られ続け、最古の印刷物や記録の中にchoroという言葉を見つける人はいません、それらはすべてポルカでした。 演奏は聞いた人を感動させ、人々を泣かせるためにショーロ・ソングと呼ばれていました。 このスピーチの中で、ジャコーは、ショーロが密接に関係しているテーマ、つまりブラジル文化や、それが植民地・帝国ブラジルの歴史と直接的に 関係していることへの関心も示しています。ここでいう3つの悲しい人種とは、ポルトガルの植民地支配者、インド人、黒人奴隷の人種を指します。 ジルベルト・フレイレは、その名著『カサ・グランデ・エ・センザラ』の中で、そのような議論を展開しています。 おそらく、ジャコーの言葉から、彼はブラジルのポピュラー音楽の保存だけでなく、ブラジル文化全体の保存に関心を持ち、ブラジルの過去がどんなに良くても 悪くても、彼の音楽が聴く人をどこか別の瞬間に運んでくれるのではないかと考えたのです。 ショーロ・ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー） ジャコー・ド・バンドリンとショーロというジャンルとの関係や、この作曲家がブラジル文化に与えた重要性がよくわかったので、 ドーセ・デ・ココという作曲も理解できると思います。聴いてみると、作曲者自身が昔のショーロについて述べているように、このショーロは悲壮感を持って 演奏されているのではないことがすぐにわかります。それとはまったく逆に、楽しい感覚をもたらすのが音楽です。 この矛盾を理解するために、MIS（Museu da Imagem e do Som）にあるジャコーのインタビューに再び戻ってみると、ジャコーがショーロの偉大な人物だと考える ピシンギーニャの重要性について語っている箇所があります。 ショーロは本当に、ピシンギーニャと素晴らしい功績をあげました。ピシンギーニャは、ショーロにリズムを与えました。それまでのショーロは、泣くための歌、 人を泣かせるための歌の集まりとされてました。 この曲のもう一つの特徴は、両パートがト長調の2部形式で構成されていることです。ショーロは伝統的に3部形式で作曲され、そのパートは通常、 最初のパートがある調で、2番目のパートが最初のパートと相対する調に行き、最後のパートが最初のパートと同じ調で逆のモード （つまり、最初のパートがト長調ならト短調に、その逆）になるように構成されれています。ジャコーが選んだ2部形式について、彼がピシンギーニャに言及した、 同じく2部形式の曲『Ingenuo』について、ジャコーも熟知しています。 メロディの美しさ，ハーモニーの美しさ、リズム感、たった2つのパートしかないのに転調がうまくつながっていること、それが一般的なショーロから抜け出ている 唯一の点です。 このインタビューの中で、ジャコーは伝統を守ることにこだわりながらも、ピシンギーニャが2つのパートしかない曲を作曲したことについては、何の不安も感じていないのです。 さらに、メロディとハーモニーの美しさ、転調のうまさなどを評価しています。ドーセ・デ・ココでも、そのような性質、特に予期せぬ転調を作曲者は探求し、 それは彼が大切にし、バックヤードのショーロ文化の一部であると語っています。 今回取り上げた曲では、18小節目のト長調からト短調への変化、46小節目のト長調からロ長調への変化、51小節目のト長調そのものへの回帰など、 ショーロの伝統的な転調のなかにも意外なものが見受けられます。このような転調は、パート間の和声経路を考慮すると、 ショーロでは珍しいことです。また、AパートからBパートへの変化に転調がないのも意外で、このような特徴を持つ珍しいショーロです。 ドーセ・デ・ココでは、意外な転調もありますが、旋律のシンコペーション、7分音符を含むドミナント・コードを除いた3和音の多用、2/4拍子など、 伝統的な特徴が維持されていることも特筆すべき点です。 また、特に注目すべき特徴は、作品のタイトルです。ジャコーが「ドーセ・デ・ココ（ココナッツ・キャンディー）」と名づけたとき、まず期待できるのは、 陽気で楽しいショーロであることです。この期待を裏切ることはありません。 しかし、作者が音楽に与えたい本当の意味を理解するためには、このお菓子の意味を深く掘り下げる必要があります。 ドーセ・デ・ココは、サボンゴまたはサンボンゴとも呼ばれ、その起源は植民地時代の奴隷制国家ブラジルで、白人のプランテーション所有者と所有者に代わって土地を耕す アフリカ系黒人奴隷が2大社会圏となっていたことにあります。 ここで、植民地時代のブラジルにおけるサトウキビの関連性について触れてみます。サトウキビは、徹底的に搾取され、ポルトガルへ大規模に輸出されました。 この製品は、ヨーロッパ列強の重商主義的搾取のために経済的利益と肥沃な土地という意味で、ブラジルを象徴しているのです。 また、新大陸の人々の不安定な食生活も象徴しています。 赤身肉や卵、牛乳などの動物性食品を食用に提供する工場はまれｄふぇした。ブラジル人の多くは栄養失調で暮らしていました。赤痢や栄養失調になるケースは、 不安定な食生活を送っていたかつてのこのブラジルでは珍しいことではありませんでした。この時代をよりよく理解するために、 『Acucar: Uma Sociologia do Doce』（砂糖：甘い社会学）（1987年）からの抜粋に目を向けてみます。 植民地時代から、マーマレード、カシューナッツ、グアバが大邸宅の大きなお菓子となりました。シナモン入りの焼きバナナや揚げバナナは、家長の家で最も尊敬されている デザートの一つで、マンジョク粉入り蜂蜜、カラ入り、マカシェイラ入り、サボンゴ（製粉所の蜂蜜入りココナッツ飴）、グリーンココナッツ飴、後にはチーズ入り飴に続く、 ブラジルらしい美味しい組み合わせです。 この記述の中で、フレイレはココナッツキャンディーなどのお菓子を用いて、植民地時代のブラジルのプランテーションハウスにおける過去の出来事を描写しています。 ここで興味深いのは、ジャコー・ド・バンドリンが、ブラジルの歴史を守るための作曲家であり、楽器奏者であったことです。ジャコーはこのキャンディーを 音楽のタイトルにすることで、リスナーに共感覚的に感じてほしい聴覚的な感覚（耳に運ばれるココナッツキャンディーの味）を描写しているだけでなく、 文字通りの体験が不可能な過去の歴史をリスナーの中で追体験してほしいからなのです。芸術の領域以外では決して再現されることのない歴史的な瞬間を、 音楽で蘇らせた例をここに見ることができるのです。 おそらく、ジャコーは知らず知らずのうちに、彼の音楽の中に、記憶に残るメロディーや独創的なコード配列、それ自体が美しいだけでなく、 過去のブラジルへの通路を提供することができたのでしょう。20世紀のジャコーが住んでいたブラジルと同じように、植民地時代のブラジルもまた、階級間の経済格差が大きく、 生産手段を支配できる者は少なかったのです。また、衛生、健康、教育、インフラの問題があり、貧しいブラジルでありました。 それでも作曲者は、砂糖をベースに作られた甘い食べ物、この過ぎ去った時代の象徴的な産物を見つけ、聴く者を過去のブラジルへといざなうのです。 例えば、3-6小節の最初のフレーズでは、旋律が繰り返され、その直後に1音高くなって聴こえます。そして、このフレーズは19-22小節目に短調で再び登場します。 Bでも同様だが、最初のフレーズが終わった直後、正確に繰り返されます。Bでは、61小節目にメロディーのクライマックスがあり、作曲の最高音が出てきます。 また、ハーモニックな面では、ジャコーはショーロでは珍しい転調のある作品や、パートチェンジで転調をしない作品など、これも珍しい特徴を持っています。 これらの重要な配慮とは別に、ジャコーはショーロによくあるコード進行、シンコペーションの効いたメロディ・フレーズを使い、ベースラインは一般に半音階的な方向、 または4分の1のサイクルに沿っています。 音楽的な分析という技術的な意味以外にも、ジャコーとショーロの関係には感情的な再現性が見いだされます。ブラジルの伝統的なお菓子の名前を曲名に使うのは 初めてではないし（チョロ「ペ・デ・モレケ」もある）、ブラジルの伝統と密接に結びついたもの（サッカー選手ガリンチャを描いた「ジンガ・ド・マネ」）でもありません。 彼のインタビューも、かつてのブラジルや昔のショーロのミュージシャンについてなど、常にノスタルジーを持っています。 この音楽家が、ブラジル音楽の美学的変化に貢献しながらも、常に伝統的なショーロに同調し、大規模な音楽シーンの変化に抵抗したのは当然といえば当然です。 ジャコーはショーロの中心人物であり、その影響は今日でもコンサートや演奏会で感じることができます。この世俗的な音楽を、ブラジルの伝統として、 過去のブラジルに私たちを連れて行くことができる楽器スタイルとして、しかし今日のブラジルに挿入されることを止めずに維持するために、 この人の重要性を今日私たちはよりよく理解することができるかもしれません。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管四重奏 「われ心よりこがれ望む」 BWV 727 楽譜

金管四重奏 「われ心よりこがれ望む」 BWV 727 J.S.Bach Herzlich thut mich verlangen 編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。 サックス四重奏版、木管四重奏版、クラリネット四重奏版は発売中です。 賛美と感謝の気持ちを表現した美しいバッハの魅力をぜひ味わってください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/Ghuq9WtGRy4 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html BWV 727「Herzlich thut mich verlangen」は、ヨハン・ゼバスティアン・バッハ（Johann Sebastian Bach）によって作曲されたオルガン曲です。 この作品は、バッハのオルガン曲集である「シューブラーク・コラール集」（Schubler Chorales）の一部として知られています。 「Herzlich thut mich verlangen」は、バッハが当時の主要な宗教的な旋律や合唱に基づいて作曲したコラール前奏曲です。 この作品は、ヴォルフガングスホーフ・トゥンテ・シューライブル（Wolfgang Christoph Schubler）による出版依頼を受けて作曲され、1747年頃に出版されました。 バッハは、当時の合唱曲の普及を目指して、このコラール前奏曲集を作曲しました。『マタイ受難曲』でおなじみのコラールに基づいています。 「Herzlich thut mich verlangen」は、同名のドイツの詩人であるポール・フレーリヒ（Paul Gerhardt）の詩に基づいています。 この詩は、クラウディウス・ハルトリッヒ（Claudius Hartwig）によって書かれ、1630年に出版されました。 バッハは、この詩を美しい旋律として取り入れ、オルガンのために編曲しました。 この曲は、バッハのオルガン曲の中でも非常に感情的で美しい作品として知られています。バッハは、コラールの旋律を厳粛かつ繊細に提示し、 オルガンの特性を最大限に活かした独自の装飾を施しています。 バッハは、オルガンの多彩な音色を駆使し、旋律線を織りなすことで、聴衆に深い感銘を与える効果を生み出しています。 この曲は、バッハの作曲手法や音楽的な特徴を理解する上で重要です。バッハは、旋律線の複雑な対位法や和声の進行、装飾音符の使用など、 オルガン音楽の最高傑作とされる作品を生み出しました。また、彼の音楽は宗教的なテーマを探求し、信仰の深さや感情の表現に重点を置いています。 バッハは、この曲においてもその特徴を見ることができます。 「Herzlich thut mich verlangen」は、優れた対位法の例として注目されています。バッハは旋律線を巧みに組み合わせ、対位法的な関係を作り出しています。 音楽的な対話や対位法の技法によって、旋律が交錯し、複雑な和声の響きを生み出します。バッハの巧妙な対位法の技術は、この曲に深みと豊かさをもたらしています。 さらに、バッハは装飾音符を巧みに使用しています。彼の装飾音符は、旋律に細やかな彩りを与えるだけでなく、感情の表現にも貢献しています。 例えば、長い音価の装飾音符は、切なさや憂いを表現するために使用されます。また、音符の連続した飛び跳ねるような動きは、喜びや躍動感を伝えます。 バッハは、音符の配置や音価の変化によって、詩の表現力を最大限に引き出しています。 「Herzlich thut mich verlangen」は、バッハの宗教的な信仰心と彼の芸術的な才能を融合させた作品とも言えます。 バッハは、この曲を通じて、信仰の深さと内面の追求を表現し、聴衆に精神性の世界への洞察を与えようとしました。 この曲は、祈りや神への渇望をテーマにしており、バッハの音楽の中でも特に感情的で精神性に富んだ作品として評価されています。 最後に、BWV 727「Herzlich thut mich verlangen」は、バッハのオルガン曲の中でも重要な作品の一つです。その美しい旋律、複雑な対位法、感情的な表現は、 バッハの音楽の真髄を体現しています。この曲を演奏することは、オルガニストにとって一つの課題となりますが、同時に聴衆にとっても心を揺さぶられる音楽体験となるでしょう。 バッハの音楽は時を超えて愛され続けており、BWV 727「Herzlich thut mich verlangen」もその伝統を継承しています。 この曲は、バッハの音楽の優れた例証として、現代の音楽愛好家やオルガニストによって頻繁に演奏されています。 「Herzlich thut mich verlangen」は、バッハの創造性と音楽的な独自性を示す一方で、当時の宗教音楽の伝統にも敬意を払っています。 バッハは、合唱や教会音楽の作曲家としても高く評価されており、彼のオルガン曲はその豊かな経験と宗教的な背景を反映しています。 この曲は、オルガニストや音楽愛好家にとっても演奏の醍醐味を提供しています。オルガンの響きや豊かな音色を通じて、聴衆はバッハの音楽の魅力に浸ることができます。 バッハの音楽は、その奥深さや多面性によって、聴衆を感動させ、魅了します。そのため、BWV 727「Herzlich thut mich verlangen」は、 コンサートや教会のオルガン演奏会で頻繁にプログラムされることがあります。 BWV 727「Herzlich thut mich verlangen」は、バッハの音楽の中で重要な位置を占める作品です。その音楽的な複雑さ、感情的な表現、そして宗教的な深みは、 バッハの音楽の真髄を体現しています。この曲は、バッハの音楽への理解を深めるだけでなく、聴衆に感銘と魅了を与えることができるでしょう。 BWV 727「Herzlich thut mich verlangen」は、バッハの偉大な遺産の一部であり、音楽史上でも特筆すべき作品として評価されています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管四重奏「盲目的な愛は放たれた」楽譜

木管四重奏「盲目的な愛は放たれた」 ファーナビー Blind Love Was Shooting Giles Farnaby 編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。 サックス四重奏、クラリネット四重奏、金管四重奏版は発売中です。 他にもファーナビー作品をご提供しています。「ファーナビー」で検索してください。 ファーナビーによるルネッサンスの響きをコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/hx-CNeBniyg Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Giles Farnaby（ジャイルズ・ファーナビー）は、ルネサンス時代のイギリスの作曲家であり、キーボード楽器のための作品で知られています。 彼の作曲スタイルは、16世紀末から17世紀初頭にかけてのイングランドの音楽の特徴を反映しています。 「Blind Love Was Shooting」は、ジャイルズ・ファーナビーによって作曲された楽曲の一つです。 この曲は、おそらくキーボード楽器（主にクラヴィシンバルやヴァージナル）のために作曲されたと考えられます。 ファーナビーは、器楽曲や舞曲によって知られており、その中でも舞曲の中でもパヴァーヌやガリアードなどの形式を好んで使用していました。 「Blind Love Was Shooting」の曲名からは、恋愛や情熱のテーマがうかがえます。ファーナビーの作品は、しばしば愛や恋愛、 風刺的な要素を含んでおり、彼の時代の社会や文化に関連するテーマを取り上げることがありました。 曲の詳細な内容や歌詞については明確な情報はありませんが、この曲もおそらく愛の喜びや苦悩を表現しているのかもしれません。 ファーナビーの作品は、エレガントでリズミカルなメロディ、対位法的なテクスチャ、そして独特の和声進行が特徴です。 彼はまた、伝統的なダンス音楽の要素を取り入れることもありました。 彼の作品は、印象的で魅力的な旋律と、テクニカルな要素とのバランスを取ることに長けていました。 ファーナビーの作曲家としての功績は、彼の生前にはそれほど広く認識されていなかったようですが、彼の音楽は後世の作曲家や演奏家に影響を与えました。 特に、彼の舞曲の作品は、後のバロック時代の作曲家によって再解釈され、発展させられることとなりました。 「Blind Love Was Shooting」は、ジャイルズ・ファーナビーの作品の一部として、彼の時代の音楽の特徴やスタイルを反映します。 「Blind Love Was Shooting」は、ファーナビーの作品の中でも特に注目される曲ではありませんが、彼の作風や音楽的な特徴をよく表しています。 ファーナビーの作品は、彼自身の創造性と技巧を組み合わせ、魅力的な音楽を生み出しました。 ファーナビーの作品は、しばしば印象的な旋律とリズムの組み合わせによって特徴づけられます。 彼は、独自の和声進行や対位法的なテクニックを駆使し、聴衆に音楽の魅力を伝えることに成功しました。 彼の作品は、響きの豊かさや和声の美しさによって聴衆を魅了し、時代を超えて愛される音楽となりました。 また、ファーナビーの作品は、クラヴィシンバルやヴァージナルといったキーボード楽器のために書かれたものが多くあります。 これらの楽器は、ルネサンス期のイギリスで広く使われた楽器であり、ファーナビーはその音色や特性を生かした作品を数多く作曲しました。 ファーナビーの作品は、彼の時代の音楽の流れや文化的な背景を反映しています。ルネサンス時代のイギリスでは、音楽が宮廷や教会で盛んに演奏され、 高い評価を受けていました。ファーナビーの作品も、このような社会的な環境や需要に応えるために作曲されたものと考えられます。 最後に、「Blind Love Was Shooting」は、ジャイルズ・ファーナビーの作曲家としての貢献の一部として評価されるべき楽曲です。 彼の作品は、ルネサンス時代のイギリスの音楽の一環として、その魅力と独自性を持ち続けています。彼の作曲スタイルと音楽的なアプローチは、 後の時代の音楽にも影響を与え、音楽史において重要な位置を占める存在となっています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

小中編成吹奏楽のための「ハワイの涼風 Vol.6」（メドレー）楽譜

小中編成吹奏楽のための「ハワイの涼風 Vol.6」（メドレー） 編曲 瀬 浩明 Hawaiian Breeze - Vol.6 Arranged by Hiroaki Se 編成はPic.、Fl.、Cl.3本、Bs.Cl.、A.Sax.、T.Sax.、B.Sax.、Tp.3本、Hn.2本、 Tbn.2本、Eup.、Tuba、Glock.、Vib、Drums、Perc.(Cowbell、Claves、Maracas)です。 24名で演奏できます。すべてのパート譜は同梱しています。 ハワイアンソングの名曲をフラダンスとともに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/sYtvISgYAK8 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html この曲はハワイアンの定番曲をメドレーで綴ります。ププアオエヴァ、マカラプア、ハワイアロハの3曲が含まれます。 Vol.1から6まで発売しています。 ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の中で重要な位置を占める芸術形式です。 ハワイアンソングは、ハワイ語で歌われ、しばしばウクレレやスチールギターなどの伝統的な楽器によって演奏されます。 フラダンスは、ハワイアンソングに合わせて踊られる伝統的なダンスで、ハワイ文化の中で非常に重要な役割を果たしています。 ハワイアンソングには、ハワイの自然や文化について歌われた曲が多数あります。例えば、「Aloha Oe」は、 ハワイ王国の最後の女王であるリリウオカラニが書いた別れの歌であり、世界中で知られています。 また、「Waikiki」は、ハワイの有名なリゾート地であるワイキキビーチについて歌われた曲で、 多くのアーティストによってカバーされています。 フラダンスは、ハワイアンソングに合わせて踊られるダンスであり、古代ハワイの伝統的なダンスを継承しています。 フラダンスには、手の動きや足の動きを含む様々な要素があり、踊り手はその要素を使って物語を表現します。 フラダンスは、ハワイ文化の中で非常に重要な役割を果たしており、祭りや式典などの様々な場面で演じられます。 ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の中で重要な役割を果たしており、ハワイ文化を広く世界に知らしめる役割も 果たしています。これらの芸術形式は、世界中で愛されており、多くのアーティストやダンサーがハワイアンソングや フラダンスに影響を受けています。 今後も、ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の重要な要素として愛され続けることでしょう。 現在注目を集めているフラを吹奏楽で踊ってみませんか。 舞台と客席でフラがあふれ、 リラグゼーションの世界をお客様とともに味わえるステージになること間違いなし！ ●「フラ」の魅力 　 常夏の島、ハワイの伝統的な踊りであるフラダンスが今、中高年の女性を中心にさまざまな年代の人たちの間で全国的に人気を集めています。 フラダンスは老若男女問わず誰でも気軽にはじめられ、ほどよい運動になることはもちろんリラグゼーション効果 など心の健康にもよいのです。 最近では教室やイベントなども増えています。 　 ●文化としての「フラ」 　私たち日本人にとって、フラ（フラダンス）はショー等で見る華やかな観光イベントとして有名ですが、ハワイでの「フラ」は重要な 伝統文化のひとつと考えられています。70年代に起こった“ハワイアンルネッサンス”と呼ばれる「ハワイ独自の言葉や文化を見直し、 後世に伝えていこう」という運動によってフラは復活し、ハワイ語とともに大切に引き継がれてきました。ハワイの伝統的な フラ教室（ハワイ語で“ハラウ”）は踊りだけにとどまらずハワイ文化そのものを学ぶ場所です。 ●文字のない時代に話を伝える踊り「フラ」 　文字がまだない古代ハワイでのコミュニケーションや伝達の手段として独自の手話と踊りで表現していたものがフラダンスの原形です。 女性が踊るという印象が強いのですが、カメハメハ大王が統治する以前は、神聖なフラダンスを男性だけが踊っていました。 女性が踊りを認められたのは、島内の統一が行われ規制が緩くなった1778年頃です。 フラダンスのフラは「踊り」という意味です。 フラは文字がなかった時代に神々の伝説や先祖の話を伝えるコミュニケーション手段でしたから、火山の噴火があったとき、 神の怒りを静めるために踊るなど、神聖な意味を持っていました。こうした伝統的な踊りは今でもフラ・カヒコとして伝えられています。 　フラは神への畏敬の念をあらわす神聖な踊りです。ハワイの人々の心をあらわす表現手段として、常にハワイアンの身近にありました。 ●フラは愛・言葉・ 心にも体にもやさしい癒しのダンス 　シンプルな中に奥深さがある踊り、フラのよいところは、有酸素運動であるところです。激しい運動ではないので、お年寄りから妊婦、 子どもまで誰でも気軽にはじめられます。更年期障害が緩和されたという人もいれば、ストレス解消になったという人もおられ、 きれいな衣装を着ること自体にも自己啓発や癒し効果 として魅力たっぷりな要素です。 フラを一言で表現すると 「自分の中から湧き出る感情を体全てで表現すること」なのです。 ●「フラ」の基本 (1)フラの基本ステップ 1.“フラポジション”両足を肩幅に広げ、軽くひざを曲げて背筋を伸ばして立ちます。この立ち方がすべての基本になります。 ポイントは、ひざが伸びすぎないことです。 2.「カホロ」 基本のフラポジションを保ち、左右にステップする動きです。 右へ4歩、左へ4歩を交互に繰り返します。 フラポジションからスタートして、フラポジションに戻るのがベーシックです。 3.「カオ」とは体重移動のステップです。 フラポジションを保ち、左右に体重移動します。無理に腰を振るのではなく、体重移動で自然に腰が動くようにします。 (2)上半身の動きで物語（歌の歌詞）を表現 1.フラでは、下半身でリズムを、上半身で物語を伝える動きを作ります。 2.「花」のポーズ（プア）：咲いている花、つぼみなど、花全般 を表現するポーズです。 3.「風」のポーズ（マカニ）：花が風に揺れている様子を表します。 4.「香り」のポーズ：風にそよぐ花の香りを表します。 5.太陽のポーズ（ラー）：両腕を正面 高く上げて、大きな太陽のように円形を作ります。バスケットボールくらいの大きさです。 6.「アロハのこころをあなたに」のポーズ：深呼吸するように両手を広げて胸の前へ運びます。 最後は、前方に伸ばしていきます。上半身の動き「フリ」と下半身のステップを組み合わせて相手へ伝えたい思いを表現していきます。 7.踊りの最初と最後は左右に振付ける手の動き「フラの手」があります。 優雅に決めましょう。 ●健康と癒しの「フラ」 　裸足になって足を開放し、豊かな自然に囲まれてのびやかに踊る。観る人、踊る人もハッピーな気分にさせてくれるフラダンス。 自然界の一部に溶け込むような感覚に浸れる癒しがあります。フラダンスは音楽と手話のコラボレー ションでもあります。 音が鳴るものはすべて楽器だととらえ、ひょうたんに木や動物の皮を張った太鼓、鳥の羽や砂、ココナッツや貝、石、 葉など自然の中に存在するものを上手く使って音を奏でます。また、動きの ひとつひとつに意味が込められ、花、波、恋愛や感情、 神話などあらゆるものを表現するのです。 「心地よい音楽バックに自分が表現したいことを脳で理解しながら手を動かしステップを踏む。 脳も体も活性化してくるので若返り効果 もあります。また、花を飾り、南国風の美しい衣裳を身に付けることでも 年齢に捕われず生き生きと踊れるのもフラの魅力です。陽気で優雅な音楽が流れ、楽しく踊りながら健康になれるのが フラダンスの魅力です。エアロビクスより軽く、ゆっくり手足を動かし、じっくりと汗をかくので基礎代謝が徐々に上がり、 次第に痩せやすい体質になります。体力に自信がない方でも入門しやすいのです。 フラの基本姿勢は、足を軽く開き、ややひざを曲げて腰を落とし、両足で地面 をしっかり踏みしめる姿勢です。 腰は真正面に固定します。足は大地の底へと根を張るようなイメージ。この姿勢で太ももの前、ふくらはぎの筋肉が収縮して 締っているはず。 上半身は天空をめざしてのびやかに、そして腕は上下左右になびくように動かしているので運動不足の腕や肩にほどよい 筋肉がつきます。 　 また、腰を振る動きは脇腹を鍛え、ボディラインを引き締めます。フラダンスを1曲踊るのに数百歩のステップをしますから、 ウォーキングよりも、楽しんで健康づくりとダイエットができます。ダンス中は常に腰を落としているので太ももの前の筋肉、ふくらはぎが締り、 素足は足裏に高低差がなくリラックスするので足腰に負担がかからず自然に効くのです。 また、下半身を安定させて腰を左右に振るのでボディラインにくびれが生まれ、ウエストのシェイプアップにつながります。 自然の中に存在する楽器を多く使ったハワイアン音楽で心地よいリラクゼーションを受けながら踊るので、開放的な気分を味わえます。 これによってストレス発散につながり精神が落ち着くのです。ハワイ旅行の気分も味わえそうですね。 皆さんんの演奏で多くの聴衆に感動が与えられることをお祈りしています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

クラリネット五重奏 レメンス・セレクション 楽譜

クラリネット五重奏 レメンス・セレクション Lemmens Selection J-N.レメンス Jacques-Nicolas LEMMENS 編成はCl.4本、Bs,Cl.です。 金管五重奏、サックス五重奏、木管五重奏版は発売中です。 穏やかで平安に満ちたなベルギーの作品をお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/p3dTTXF6BjE Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Lemmens Selectionは、アトリエ・アニマートがセレクションしたオルガンのための4つの短い楽曲からなる組曲です。 Lemmensは、ベルギーのオルガニスト、作曲家、教育者であり、その時代においてはオルガン音楽の分野で最も重要な人物の1人でした。 Lemmens Selectionの曲は、彼のオルガン音楽の中でも最も有名な作品の1つであり、その美しく洗練されたメロディや劇的な展開により、多くの聴衆を魅了しています。 Lemmens Selectionの最初の曲は、Ecole d'Orgue（オルガンの学校）からModerato cantabile Nr.14です。 テナー声部が終始動きを持った穏やかな作品です。 2番目の曲は、Grande Fantasia in E-mollからAndantinoとして知られる曲です。 3番目の曲は、Ecole d'Orgue（オルガンの学校）からRisoluto Nr. 14bです。 最後の曲は、Ecole d'Orgue（オルガンの学校）からMagnificat anima mea Dominumで、静かななエンディングによって聴衆を魅了します。 全体的に見て、LemmensのLemmens Selectionは、美しい旋律と劇的な展開を特徴としたオルガンの組曲であり、オルガン音楽の代表的な作品として知られています。 Lemmensは、オルガンの教育者としても知られており、Lemmens Selectionの作品中には、彼の教育的影響が表れていると言われています。 また、Lemmens Selectionで採り上げた曲は、19世紀後半のオルガン音楽の傑作の一つとして、今日でも演奏され続けています。 Lemmens Selectionの楽曲は、オルガン音楽のレパートリーとして、多くのオルガニストたちに愛されています。彼らは、Lemmens Selectionの作品を演奏することで、 オルガンの音色と表現力を存分に引き出すことができます。Lemmens Selectionは、静かな礼拝や結婚式の場で演奏されることが多いため、 多くの聴衆に親しまれています。 また、Lemmens Selectionは、オルガン音楽を学ぶ学生たちにとっても、有用な教材となっています。Lemmens自身がオルガンの教育者であったことから、 Lemmens Selection、初級から中級までのレベルのオルガン演奏者たちにとって、技術的な挑戦とともに、音楽的な表現力を養うための良い教材として使用されています。 総じて、LemmensのLemmens Selectionは、オルガン音楽の代表的な作品の一つであり、美しい旋律や劇的な展開によって、多くの聴衆や演奏者たちに愛され続けています。 また、オルガン音楽の教育的な側面からも、有用な作品として位置づけられています。 ●Lemmens作曲のEcole d'Orgue（オルガンの学校）は、19世紀後半に作曲され、今日でもオルガン奏法の指導書として広く使用されています。 この作品は、オルガン奏者や学生に向けて作曲され、実際の演奏に必要な技術や知識を包括的に網羅しています。 この作品は、ベルギーのオフランスのオルガン奏者であるJacques-Nicolas Lemmensによって作曲されました。 彼は、当時ベルギーのブリュッセル王立音楽院のオルガン科の教授を務めており、多くの学生を指導していました。Lemmensは、自身の指導経験から、 学生たちが必要とする技術や知識を整理し、Ecole d'Orgueという作品としてまとめました。 Ecole d'Orgueは、2つの部分からなります。第1部は「前奏曲、フーガ、およびフーガの発展」と題されており、オルガン奏法における基本的な技術を扱っています。 この部分では、ピストンの使用、フットペダルの操作、フィンガリング、トリル、アルペジオ、およびアクセントなどの基本的な奏法に焦点が当てられています。 また、フーガの形式についても解説されており、複数の主題や対位法的な手法についても詳細に説明されています。 第2部は「小品、即興曲、および伴奏法」と題されており、より高度な技術を扱っています。この部分では、様々な音楽のジャンルにおけるオルガンの演奏法について 詳しく解説されており、例えば、讃美歌、パッサカリア、トッカータ、シンフォニー、およびフランスのオルガン音楽についても触れられています。 また、この部分では、即興演奏のためのテクニックや、他の楽器とのアンサンブルについても扱われています。 Ecole d'Orgueは、オルガン奏法についての包括的な指導書であると同時に、19世紀後半のオルガン音楽における重要な文書でもあります。 この作品は、当時のオルガン演奏において、新たな基準を提供し、オルガン演奏の技術的な発展に寄与しました。また、Ecole d'Orgueは、 音楽教育の分野においても重要な役割を果たしました。この作品は、音楽院でのオルガン教育において、教師が学生たちに指導するための基本的な教材として使用されてきました。 Ecole d'Orgueは、現代においても広く使用されています。オルガンの演奏技術を習得するために、多くのオルガニストがこの作品を参考にしています。 また、オルガン奏法に関する研究においても、Ecole d'Orgueは重要な文献として扱われています。 最後に、Ecole d'Orgueは、単なる指導書ではなく、美しい音楽作品でもあります。Lemmensは、オルガンの音色を最大限に引き出すために、様々なテクニックや奏法を使っています。 Ecole d'Orgueは、オルガン奏者にとっては必須の指導書であり、音楽愛好家にとっては素晴らしい音楽作品として楽しむことができる作品です。 ●Jacques-Nicolas Lemmensの代表作の一つである「Grande Fantasia in E-moll」は、オルガンのための作品であり、オルガン音楽の黄金時代に属する作品として知られています。 この作品は、複雑な音楽的構成や、豊かで美しい音色によって知られています。 「Grande Fantasia in E-moll」は、単一の楽章からなり、全体で約13分間の演奏時間を要します。この作品は、主題の提示から始まり、続いて変奏が繰り返され、 最終的に主題が再現されるという、典型的な変奏曲の構成を持っています。主題はエネルギッシュで力強く、非常に印象的な旋律です。変奏には、リズミカルなパッセージ、 装飾音、そしてオルガンの響きを最大限に引き出すための技巧的な奏法が含まれています。 「Grande Fantasia in E-moll」は、オルガンの音色を最大限に引き出すための様々なテクニックが使用されています。 たとえば、左手と右手がそれぞれ独立して演奏されるポリフォニーの技法が頻繁に使用されており、それによってオルガンの音色がより深みを増しています。 また、ピストンによるレジストレーションチェンジが頻繁に行われ、オルガンの音色を変化させることで、より豊かな音響空間が生み出されます。 「Grande Fantasia in E-moll」は、オルガン音楽の代表作の一つであり、オルガン奏者にとっては非常に重要な曲です。 また、音楽愛好家にとっても、美しい音色や豊かな表現力によって楽しむことができる作品です。この作品は、Lemmensがオルガン音楽の分野で果たした重要な役割を象徴しています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

サックス五重奏+ 行進曲「アンバサダー」楽譜

サックス五重奏+ 行進曲「アンバサダー」 エドウィン・ユージーン・バグレイ The Ambassador March Edwin Eugene Bagley 編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンおよびドラムセットです。 金管五重奏、クラリネット五重奏、木管五重奏も発売中です。 「国民の象徴」で有名なバグレイのマーチをお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/nTLfDIoE5oE Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 作曲者のエドウィン・ユージーン・バグレイ（1857年5月29日-1922年1月29日）は、バーモント州のCraftsbury（クラフツベリー）で生まれました。 アメリカの作曲家であり、行進曲「国民の象徴」の作曲で最も有名でした。 9歳の時に、アメリカの多くの大都市をツアーしたエンターテイナーの会社Leavitt's Bellringers（レビットのベルリンガー）で ボーカリスト兼コメディアンとして音楽キャリアを始めました。また後にコルネットを演奏し始め、スイスのベルリンガーで6年間旅をしました。 ツアーの後、彼はニューハンプシャー州コンコードのブライスデルのオーケストラに加わりました。 その後、彼は旅行オペラ会社であるボストニアンズを含むさまざまなオーケストラのミュージシャン（トロンボーン奏者）であり、 ボストン交響楽団のメンバーでもありました。彼はまた、ユーフォニアムを楽器として追加し、婚約中にトロンボーンと交互に演奏しました。 1893年にエドウィンは、ジャネット S. ホイト (1855?1927) と結婚しました。結婚した後、彼はニューハンプシャー州キーンに引っ越しました。 彼の新しい家で、彼は1915年から1917年までキーン シティ バンドを含むさまざまな地元のバンドを指揮しました。 いくつかの市民バンドのメンバーや、ニューハンプシャーの学校のバンドディレクターを務めたことがあります。 作品も数曲あるだけですが、中で「国民の象徴」だけが最も有名で、この曲によりバーグレイはバンド界に、永遠にその名をとどめています。 彼の兄弟エズラ M. バグリー (1853年-1886年) は、1880年から1884年にかけて ボストン交響楽団の最初のトランペット奏者であり、バンドの行進曲も作曲しました。エドウィンはニューハンプシャー州キーンのエリオット コミュニティ病院で 1922年に亡くなり、キーンのグリーンローン墓地に埋葬されました。キーンにあるビクトリアン バンドスタンドは、彼にちなんで名付けられました。 バグレイは行進曲の作曲家として有名で、この行進曲「アンバサダー」は"大使"という意味です。1907年に作曲され、ウィレムスミュージックから出版されました。 演奏時間：2分46秒程度で、第1マーチでは旋律が対話するように進みます。勇壮な「国民の象徴」とは一味違った楽しい雰囲気の軽快なマーチです。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管四重奏 ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ 楽譜

金管四重奏 ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ Favorito, Tango エルネスト・ナザレ Ernesto Julio Nazareth 編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。 木管四重奏、サックス四重奏版、クラリネット四重奏版、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/phLSlb73b_U Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Favorito, Tango　ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ 　この作品は娘のMaria de Lourdesに捧げられた曲で1895年に作曲されました。1912年にナザレはこの曲の演奏をCasa Edisonに録音しています。 また後に作詞者不明の歌詞がつけられました。原曲はイ長調、A-B-A-C-A-B-A形式です。同じ旋律が一音ずつ上昇していく単純な仕掛けの曲ですが、 それがわくわくして気分が高揚していくような雰囲気を醸し出しています。Bメロは嬰ヘ短調、Cメロはニ長調に転調します。 2拍子の1拍目最後の16分音符にアクセントをつけて演奏するとタンゴらしく良い演奏になります。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を知らずしてブラジル音楽は語れません。 南国ののどかな風光と、アフリカの野性的なエネルギーと、ロマンティシズムが渾然と混じり、甘美で、ちょっぴり切ない独特の音楽が聞こえてきます。 ミニョーネはこう述べています。「私は1917年頃にEduardo Soutoの楽譜店でナザレに会ったことがある。ナザレは自作曲を決して急がず、 カンタービレで弾いていた。彼はこう言っていたよ、『私の作品はあちこちでメチャメチャに弾かれている。みんな速く弾きすぎだ。 特に "Apanhei-te, Cavaquinho" は酷いことになっている。あの曲はゆっくりと、左手はカヴァキーニョを思い浮かべてアルペジオで弾くもんだ』と。」 エルネスト・ジュリオ・ナザレー （Ernesto Julio Nazareth （またはNazare とも）, 1863年3月20日 - 1934年2月4日）は、ブラジルのピアニスト・作曲家です。 一生をリオ・デ・ジャネイロで過ごしました。「ブラジル風タンゴ」やショーロなど、国内の民族音楽に影響されたピアノ曲を量産しました。 そのような作曲姿勢から、しばしば「ブラジルのショパン」と呼ばれています。ピアノ以外の音楽教育は学ばなかったため、 残された作品はサロン小品と声楽曲ばかりであり、管弦楽曲や室内楽・カンタータやオラトリオのような分野の大作はなく、作曲技法も必ずしも洗練されていません。 しかしながら、民衆音楽の影響のもとに切り開いた独自の素朴な詩境は、のちにヴィラ＝ロボスから、「ブラジルの魂」と称賛されました。 中産階級ながらもあまり豊かでない下級官吏の家庭に生まれ、ショパンを愛する母親からピアノの手ほどきを受けました。 早い年齢でたぐい稀な音楽的才能が認められ、家族ぐるみで付き合いのあったアフロ＝アメリカンの作曲家、 リュシアン・ランベールにも音楽の手ほどきを受けました。 1873年に母親が亡くなってからもピアノを学び、間もなく作曲も手がけるようになりました。 最初の出版作品のポルカ『ボセ・ベン・サービ"Voce Bem Sabe"』 （あなたはよく御存知）は、14歳になるまでに作曲・出版されました。 その後は、ショーロの楽士たちとたむろして、敏感で独特なリズム感を身につけました。マシシェ maxixe やルンドゥ lundu 、ショーロ choro 、 アフリカ系住民のダンスなど、さまざまな民族舞曲に影響されました。 長年ナザレーは、映画館オデオン座の待合室でピアニストとして働き、ここで最も有名な作品の一つ『オデオン』を作曲しました。 外国から数少ない音楽家がブラジルを訪問した際、オデオン座のナザレーの演奏を見学したといわれています。 1920年代初頭には、音楽ショップにピアニストとして雇われました。顧客が購入する際に持ち寄ってきた楽譜を見ながら、演奏し、 客の要望に沿うかどうかを確認して見せるのが任務でした。客の中に、ナザレー作品の楽譜を手ずから弾こうとする者がいると、止めさせて、 解釈が誤っていると苦情を言うのが常だったそうです。 ナザレーは、心底からのブラジル人音楽家であり、音楽は楽しまれるべきであるとして、それ以上を望みはしませんでした。 ほとんど独学であり、音楽活動のほとんどは、劇場や映画館の伴奏ピアニストとして、あるいは小劇場のアンサンブルでのピアニストとして、 演奏するのに振り当てられました。 そのような劇場アンサンブルの楽団員の知り合いには、後の大作曲家ヴィラ＝ロボスがいて、当時はチェリストとして活動していました。 ナザレーはショーロの発展のおおもとであり、ヴィラ＝ロボスは、これに基づき、後に自らの創作活動を繰り広げていったのです。 ナザレーは、ブラジルの民族音楽以外にも明らかに影響されていて、子供時代にむさぼるようにして学んだショパンの影響が中でも顕著です。 また、1869年にきら星のようにリオ・デ・ジャネイロにデビューして、瞬く間にブラジル楽壇を席巻したゴットシャルクの作風もナザレーにはお馴染みでした。 作品には、19世紀ヨーロッパのクラシック音楽の豊かな和声法がこだましながら、ナザレーの生地ブラジルの、シンコペーションをともなう 民族舞曲のリズム法に織り込まれてゆくのが認められます。そのうえ、アメリカ合衆国のラグタイムや初期のジャズの、小気味よいリズム感も健在である。これらの要素を統合して一つの有機体へとまとめ上げたことがナザレー独自の能力で、結果的には、ピアノ曲のレパートリーだけでなく、20世紀の音楽にも重要な貢献を果たしている。 ナザレーはショパンやその他のヨーロッパの作曲家から霊感を受けたように、逆に自らも、間接的とはいえ、ヨーロッパの作曲家に何かしらの影響を与えています。 フランス人作曲家のダリユス・ミヨーは、自伝の中で、ブラジル滞在中にリオ・デ・ジャネイロの映画館でナザレーがピアノを演奏する風景を回想しています。 ミヨーはその音楽のリズムにたちどころに虜となって、ブラジル音楽をきわめてやろうと決心したというのです。 その最終的な成果こそが、ミヨーのピアノ曲『ブラジルの想い出 Saudades do Brasil』でした。 ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ばれていますが、作品に副題を好んでつけた点で、ショパンとは違っています。 ショパンやフォーレよりもヨーロッパのサロン音楽の伝統に忠実だったといえます。 しかしながら19世紀から20世紀初頭まで、ヨーロッパではサロン小品にフランス語の題名をつける慣習がまだ根強く残っていたのに対して、 ナザレーは母語のポルトガル語に固執しました。 また題名によって、ドビュッシーやラヴェルのように、美術や文学からのインスピレーションをほのめかしたり、 リストのように詩的な連想を暗示することもありませんでした。 ナザレーの曲名には、しばしば第三者にとって謎めいた響きをもつものもありますが、それらは実在するスポーツチームやダンスクラブ、雑誌名など、 ナザレーの日常生活の周辺から切り取られたものばかりです。このような意味で、ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ぶよりは、むしろ 「ブラジルのクープラン」と呼んでこそふさわしいかも知れません。 およそ300曲のピアノ小品において、ナザレーはみごとに、大衆的なブラジル舞曲のエッセンスを捕まえています。 ナザレーは、厳密には都会の聴衆のために作曲したのですが、その作品には、（ブラジルで奴隷制が廃止された1888年以降の作品でも、） アフリカ系民族音楽の豊かな影響が息づいています。ほとんどの曲に、スコット・ジョプリンが発想したようなシンコペーションが使われています。 ナザレーのピアノ曲には、ブラジルのありとあらゆるダンスが盛り込まれています。マシシ（英語版）、バトゥーキ（英語版）、 サンバ、 そして中でも重要なのがタンゴです。後に世界中を熱狂させ、席巻したタンゴが、ブラジル生まれだったというだけでなく、 実際にはナザレー自身の創り出したジャンルだったという証拠になるからです。 もしそれが間違いだったとしても、「ブラジル風タンゴ」の発展のほとんどにナザレーがかかわっていて、このジャンルに優に100曲を残しています。 最も有名な作品に、『ブレジェイロ（ろくでなし）"Brejeiro"』『アメノ・ヘゼダ"Ameno Reseda"』『バンビーノ（赤ん坊）"Bambino"』 『トラベッス（腕白坊主）"Travesso"』『フォン・フォン"Fon-Fon"』『テネブローズ（暗闇）"Tenebroso"』があります。 ナザレーが初めて「ショーロ」と呼んだ作品のうち、『アパニェイチ・カヴァキーニョ（頑張れカバキーニョ）"Apanhei-te Cavaquinho"』は、 さまざまな楽器アンサンブルによって演奏できる、古典的名作です。 晩年になって完全に聴覚を失うと、創作活動にも支障をきたしましたが、それでもブラジル国内ではなかなかナザレー人気は衰えませんでした。 ゴットシャルクやジョプリンを評価する人たちなら、ナザレーの残した魅力的な宝石たちをきっとたちまち気に入るに違いありません。 作曲者の死後から半世紀を経た近年になって、ナザレー作品を集めたアルバム制作が世界的にも相次いでいて、最近では伝記や、 作曲者に関するCD-ROMも発表されています。ナザレーは、クラシックとポピュラー音楽にまたがって活動したことから、ナザレーのピアノ曲は、 クラシックの学び手にも、ポピュラー音楽の学び手にも、有用な教材とされつつあります。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第2巻 作品30-3「慰め」楽譜

木管五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第2巻 作品30-3「慰め」 Lied ohne Worte, Op.30-3 Consolation Mendelssohn, Felix 編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。 金管五重奏版、クラリネット五重奏版、サックス五重奏版は発売中です。 可愛らしくもロマンチックで優美なメロディーを、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/9yLxAKoX-CY Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 『無言歌集 Lieder ohne Worte』は、メンデルスゾーンが生涯にわたって作曲したピアノ独奏のための作品集です。 全8巻からなり、各巻6曲ずつで合計48曲が収められています。 メンデルスゾーンのピアノ作品として最も有名で、しかもロマン派の教材として取り上げられることの多いのが「無言歌集」です。 ワーグナーが「第一級の風景画家」と言ったように、メンデルスゾーンは情景描写や標題音楽の作曲において才能を発揮しています。 この“言葉のない歌曲”、「無言歌」、という形でメンデルスゾーンは心象風景や感情描写までも、表現しました。 歌曲風の旋律をもった器楽曲であるため、旋律線をはっきりと浮き立たせ、抒情的に演奏することが重要です。 メンデルスゾーンが活躍したこの時期、ブルジョアジーの家庭を中心に、ピアノが教養として普及しました。 そのため、家庭で気楽に弾ける作品が多く作られましたが、この《無言歌集》もその一つです。 《無言歌集》は各６曲ずつの計８集からなり、生前に出版されたのは、第6集までです。第７集は、1851年、第８集は1867年に出版されました。 1832年、第１集を出版したときには、メンデルスゾーンは、《ピアノのためのメロディー》と記していて、《無言歌集》の名称を もつようになったのは1835年に第２集を出版してからのことでした。 標題をもっているものが多いのですが、作曲者自身によってつけられたものはわずかです。 実際、メンデルスゾーンは標題をつけることによって、音楽的な想像力が限定されることを嫌っていたようです。 この第3曲《慰め》は滑らかなアルペッジョに始まって優美な旋律が終始流れます。 原調はホ長調ですが中間部では五度上に転調し、感情の高まりを表現します。 慰めを求める心の安らぎを表現できれば素晴らしい演奏になるでしょう。 第2巻 作品30 出版年代：1835年 1.変ホ長調、アンダンテ・エスプレッシーヴォ　《瞑想》　（作曲年代不明） 2.変ロ短調、アレグロ・ディ・モルト　《安らぎもなく》　（作曲年代不明） 《心配》と呼ばれることもあります。 3.ホ長調、アダージョ・ノン・トロッポ　《慰め》　（作曲年代不明） カトリック聖歌集第100番「しずかに神と」、讃美歌第30番および讃美歌21・第211番「朝風しずかに吹きて」として教会で歌われています。 4.ロ短調、アジタート・エ・コン・フォコ　《さすらい人》　（1834年1月30日作曲） 《道に迷って》とも呼ばれます。 5.ニ長調、アンダンテ・グラツィオーソ　《小川》　（1833年12月12日作曲） 6.嬰ヘ短調、アレグレット・トランクィロ　『ヴェネツィアの舟歌 第2』　（作曲年代不明） メンデルスゾーンが自分でつけた『ヴェネツィアの舟歌』の第2番。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

クラリネット四重奏 10の小品 から第8曲「スロバキア民謡」楽譜

クラリネット四重奏 10の小品 から第8曲「スロバキア民謡」 ベーラ・バルトーク作 曲 Sz. 39 BB 51 Easy Piano Pieces, BB39 8.Slovakian folksong. Poco andante Bela Bartok 編成はCl.3本、Bs,Cl.です。 金管四重奏、サックス四重奏、木管四重奏版は発売中です。 このアレンジは基本七重奏で、第5.6.8.10曲のセレクションです。第6.8曲は降版ありの四重奏です。 4曲の通し演奏時間は約7分です。 バルトークによる民俗色豊かな名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/iB-QeWuLtOM Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 10の小品 Sz.39, BB.51 （Ten Easy Pieces, Sz. 39, BB 51』は、ハンガリーの作曲家ベーラ・バルトークのピアノのための小品集で、 1908年にブダペストにて作曲されました。 当初は『11のピアノリサイタル小品集』として構想されていましたが、1曲が脱落し、バルトークの『14のバガテル』のバガテルとして使用されました。 しかし、出版社との契約上、11曲を書く必要があったため、番号は付されていないものの、セットを補完する役割を果たしました。 このため、このセットと彼のバガテル群は、和声やリズムのスタイルにおいても、教育的な使命においても、関連性があります。 これらの作品は、バルトークの民族音楽への憧れや、その頃名を馳せていたドビュッシーへの憧れから大きな影響を受けています。 14のバガテルが若いピアニストにとって明らかに難解であるのに対し、このセットは学生にとって簡単な現代音楽の準備として計画されたものです。 このセットは、1年後の1909年にロズナイ・カーロイ社から出版されました。全体の演奏時間はおよそ17分です。 このセットは全部で11曲で構成されていますが、最初の献呈曲には番号が付けられていません。楽章リストは以下の通り。 0.Dedication 献呈 1.Peasant song. Allegro moderato 農民の歌 2.Frustration. Lento フラストレーション 3.Slovakian boys' dance. Allegro スロバキア少年の踊り 4.Sostenuto. ソステヌート 5.Evening in Transylvania. Lento, rubato トランシルヴァニアの夕べ 6.Hungarian folksong. Allegretto ハンガリー民謡 7.Dawn. Molto andante 夜明け 8.Slovakian folksong. Poco andante スロバキア民謡 9.Five-finger exercise. Moderato 五本指の運動 10.Bear dance. Allegro vivace 熊の踊り 第8曲「スロバキア民謡」は素朴で哀愁を帯びた民謡が高音部で歌われます。 Poco andanteの指示があり、後半は低音部で再び民謡の旋律が歌われ、静かに曲を閉じます。 バルトークは、五音音階、モード、新しいハーモニー、オスティナートを多用し、すべての曲の演奏時間は1-2分程度です。 全11曲中、民謡を題材にしたのは3曲（3番、6番、8番）だけです。 残りの曲は、民謡風の構成と旋律を用いたピアノのための小品を数多く作っていたバルトークが、全曲を創作したものです。 献呈曲は、彼が最初のヴァイオリン協奏曲を献呈した友人であるヴァイオリニスト、ステフィ・ガイヤーにちなんだ素材を用いている。 この献呈のモチーフは、協奏曲と《2つの肖像》、そして1906年から1908年にかけて書かれた《14のバガテル》の最後にも徹底的に使われました。 このセットは、献呈の、たった4つの音からなるゆっくりとしたモチーフで始まります。 献呈に続いて始まる第1曲は、ユニゾンで奏される非常にシンプルな旋律で、アレグロ・モデラートと記されています。 第2曲は「苦痛のレスリング」と訳され、右手でメロディーを弾きながらオスティナートのベースラインを奏でます。 第3曲は民謡を編曲したものですが、ユニゾンと伴奏の両面で、これまでの作品に見られた要素がすでに出ています。 第4曲は、メロディーを左手と右手の両方で演奏するスローテヌートの曲となっていますが、ユニゾンは行われません。 第5曲は、このセットの中で最も長い曲です。構成は厳密にABABAで、メロディーは右手だけで演奏されます。 第6曲は民謡を編曲したもので、両手でリズムを取ります。 第7番は、あらかじめ設定された民謡を中心にメロディが展開される第6番とは対照的に、ハーモニーが絶えずぶつかり合う3分の1のメロディが展開されます。 第8曲は、やはり民謡の旋律を用いたテヌート的な作品です。 そして、9曲目は5本の指で音階を練習するための習作です。 最後に第10曲は、よく知られたメロディにベースラインの跳躍音を添えたものです。 バルトークは1929年11月20日に第5番と第10番を演奏して録音したことが知られていますが、残りの曲を自分で演奏して録音したことがあるかどうかは不明です。 教育的な目的で使用される楽曲を丸ごと録音することは、長時間の録音には費用がかかるため、当時は珍しいことでした。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

Solo+サックス五重奏　交響的断章 作品88／アレクサンドル・ギルマン 楽譜

Solo+サックス五重奏　交響的断章 作品88／アレクサンドル・ギルマン Morceau Symphonique Op.88 Alexandre Guilmant 編成はSoloおよびソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。 金管五重奏、クラリネット五重奏、木管五重奏版は発売中です。 SoloはTbn.、Eup.またはBsn.に対応しています。 低音楽器による独奏のためのフランス.ロマン派音楽を、お楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/ol0j6J4REk0 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html この作品はトロンボーンとオルガンのために書かれた彼の作品の中では珍しい編成の曲です。 この曲は序奏の重々しい響きに導かれ、独奏が優しく叙情的な旋律を奏でて始まります。 一転してアンサンブルが軽快な旋律を奏でると、独奏も力強く旋律を奏で、穏やかな部分と力強い部分を交互に見せていきます。 独奏のカデンツァがしばらく続いたあと、アンサンブルの軽快な響きに続き独奏が絡んでいきます。 お互い掛け合いながら曲は進行していき、独奏がコラール的な旋律を奏でたあと、最後は華麗さをみせつつ盛り上がって力強く終わります。 ソロはトロンボーンまたはユーフォニアムのほかファゴット（バスーン）でも演奏できます。 アレクサンドル・ギルマン - Alexandre Guilmant (1837-1911)は、フランスのオルガニスト・作曲家です。 彼は、コンサート・オルガン奏者として国際的な名声を博していました。30年間パリのトリニテ寺院のオルガニストを務め、 ウィドールの後任としてパリ・コンセルヴァトワールのオルガン科教授に就任しました。弟子にはマルセル・デュプレがいます。 ギルマンの名は、ウィドールと並んで、フランスのオルガン交響曲の発展に大きく寄与しました。 彼は同世代のオルガン音楽の第一人者であり、多くのオリジナル曲や初期のオルガン曲の編曲を提供しました。 彼は父親の手ほどきを受けた後、ベルギー人のジャック＝ニコラ・レメンスに師事し、郷里でオルガン奏者と音楽教師を務めました。 1871年にパリの聖トリニテ教会(後のオリヴィエ・メシアンがオルガニストを務めたことでも知られる)のオルガニストに任命されました。 1878年以降は旧トロカデロ宮でコンサートを開くなど、ヴィルトゥオーソとしての道を歩み、ヨーロッパの各地で演奏旅行を行い、 オルガン音楽のレパートリー拡大と普及に尽力しました。 また、後にアメリカでも演奏旅行を実現させ、フランス人で初めてアメリカで演奏会を行った 作曲家として認められる様になりました。 1894年にシャルル・ボルド（フランス語版）やヴァンサン・ダンディと共同でパリ・スコラ・カントルムを設立。 1897年にはシャルル＝マリー・ヴィドールの後任として、パリ音楽院オルガン科教授に就任。門下にはマルセル・デュプレなどがいます。 1909年に最愛の妻が亡くなると、自身も病に冒され、1911年に亡くなりました。 アンドレ・ピロと共同で『オルガンの巨匠の書庫Archives des Maitres de l'Orgue 』を刊行、フランスの古典的なオルガン音楽が、 1894年から1914年にかけて10巻にわたって出版された。外国の古典的なオルガン音楽については、同じような曲集 『オルガン楽派の古典 l'Ecole classique de l'Orgue 』を出版しました。 主な作品 自分の楽器であるオルガンのための作品が多く残っています。 その他のジャンルにおける作品は演奏機会が稀ですが、2曲のオルガン付き交響曲をはじめ、 作品は充実した和声語法、堅固で保守的な形式を備えています。この曲「交響的断章」は、トロンボーンの主要レパートリーとして今では定着しています。 バイオグラフィー ギルマンはムードンで生まれました。最初は父親、後にベルギーの巨匠ジャック・ニコラ・レメンスの学生であり、彼は生まれ故郷でオルガニストと教師になりました。 1871年に彼はパリのラトリニテ教会で定期的にオルガンを演奏するように任命され、この役職を30年間務めました。 ギルマンは、コンサートと教会の両方での即興演奏で知られていました。彼のインスピレーションはグレゴリオ聖歌から来ました、そして 彼はメロディーの彼の習得のために彼の同僚の間で大いに注目されました。それ以来、ギルマンは名人としてのキャリアをたどりました。 彼はアメリカ（その国をツアーした最初の主要なフランスのオルガニスト）、カナダ、そしてヨーロッパでコンサートを行い、特にイギリスを頻繁に訪れました。 彼のアメリカでの業績には、現在フィラデルフィアのワナメーカーオルガンの中核として保存されている世界最大のオルガンであるセントルイス万国博覧会での 40回以上のリサイタルの1904シリーズが含まれていました。 ギルマンは、彼の若い同僚であるアンドレピロとともに、1750年以前のフランスの多数の作曲家の作曲をまとめたスコアのコレクション、 ArchivesdesMaitresdel'Orgue（オルガンの巨匠のアーカイブ）を出版しました。コレクションは10巻で印刷され、最初は1898年、最後は1914年に印刷されました。 ギルマンは外国の作曲家によるオルガン作品のかなり類似した調査を提供し、l'EcoleClassiquedel'Orgue（オルガンの古典派）。 これらのアンソロジーは、ギルマン自身の時代から起こったすべての音楽学的発展にもかかわらず、古楽の非常に貴重な情報源であり続けています。 1894年、ギルマンはシャルル・ボルドとヴァンサン・ダンディとともにスコラ・カントルムを設立しました。 彼は1911年にパリ近郊のムードンにある自宅で死ぬまでそこで教えました。 さらに、1896年にシャルル・マリー・ウィドールをオルガン教師として引き継いだパリ国立高等音楽院で教えました。 教師として、ギルマント彼の優しさと細部へのこだわりで有名でした。彼の生徒たちの回想は、攻撃、解放、性格など、 メモのすべての側面に特に焦点を当てた説明を特徴としています。マルセル・デュプレは彼の多くの学生の中で最も有名でした。 その他にはオギュスタン・バリエ、ジョセフ・アーサー・ベルニエ、ジョゼフ・ボンネット、アレクサンドル・ウジェーヌ・セリエ、アベル・ドゥコー、 ガブリエル・デュポン、チャールズ・ヘンリー・ギャロウェイ、フィリップ・ヘイル、エドガーHenrichsen、エドゥーアード・ミナン、 およびエイミール・ポイロットがいます。 マルセル・デュプレに対するギルマンの関心は、マルセル・デュプレが子供の頃に始まりました。有名なマルセルの父であるアルバート・デュプレは、 息子が生まれる前の7年間、ギルマンにオルガンを学びました。デュプレの回想録には、ギルマンが生まれたときに母親を訪ね、 子供がオルガン奏者になることを宣言するという逸話が含まれています。幼少期を通して頻繁に訪れた後、マルセルデュプレは、 11歳で正式にギルマンに師事し始めました。この時から彼の死まで、ギルマンは若い巨匠を擁護し、彼のキャリアを前進させるために多くのことをしました。 クラレンス・エディとアレクサンドル・ギルマン、1898年 ギルマンは、熟練した非常に多作な作曲家でした。すべての主要なジャンルで大量の音楽を制作したウィドールとは異なり、 ギルマンはほぼ完全に自分の楽器であるオルガンの作品に専念していました。彼のオルガンの作品には次のものが含まれます。 「実用的なオルガニスト」、12冊の本で出版されました。18の「新しい部品」; と「L'Organisteliturgique」、10冊の本で出版されました。 ギルマンの8つのソナタは、ラトリニテのカヴァイレコルオルガンを念頭に置いて考案されたため、スタイルと形式がシンフォニックであり、 セザールフランクのシンフォニックオルガン作品やシャルルマリーウィドールのオルガン交響曲と並んでいます。 オルガンとオーケストラのためのソナタ第1番/交響曲第1番、作品42は、1930年代にセルゲイ・クーセビツキーによってプログラムされましたが、 イゴール・ブケトフがバトラー大学オーケストラとの1977年のライブ録音のためにそれを復活させるまで再び聞こえませんでした。 数は少ないですが、オルガン以外の楽器の作品も完全に無視されていません。この曲、シンフォニックピース(交響的断章 作品88)は、 最も頻繁に演奏されるトロンボーンソロのひとつであり、プロと上級生の両方のトロンボーン奏者の間で長年の人気を誇っています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

Solo+金管四重奏+「ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー）」 楽譜

Solo+金管四重奏+「ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー）」 Doce de coco(coconut candy) Jacob do Bandolim 編成はソロ楽器、Tp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、ドラムス、マリンバ、エレキベース（チューバ）に加えて パーカッション（Trigl.、Wood Block or Cowbell、Timbalesの3名）で総勢11名です。 エレキベースはチューバに変更可能でパート譜は同梱しています。 同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、 in C版（Ob.、Mallet Perc.など）、 in C-Fl.版（Fl.、Pic.）、 in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,、St.Bs.など）、 　Tubaは1オクターブ下げて演奏可能です。 in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、 in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。 多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め5種類から選ぶことができます。 クラリネット四重奏版、サックス四重奏版、木管四重奏版、鍵盤打楽器二重奏版は発売中です。 陽気なブラジルの名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/l3Shaj5cuzc Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Doce de cocoは「ココナッツの実で作った甘いお菓子」「ココナッツキャンディー」のほか「御しやすい人」という 意味もあります。 ジャコー・ド・バンドリンは、このスタイルと深い関わりを持ったショーロ・ミュージシャンです。そのこだわりは、このスタイルにしかない 録音や作品を数多く含む個人的なアーカイブを大切にしたことにも表れています。伝記作家のErmelinda Paz（1997）は、 その著書「Jacob do Bandolim」の中でこのことに言及しています。 ジャコーは、ブラジルの文化的ルーツを守ることに強い関心を持つ本格的な音楽家として、音楽界にその地位を確立しました。 この関心から、忘れがたい作曲者が生まれ、結晶化したのです。 著者の言葉からは、ジャコーのこだわりだけでなく、彼の作品に繰り返し登場するブラジル文化への関心にも気づくことができます。 ジャコーは、MIS（Museu da Imagem e do Som）で記録されたインタビューの中で、ショーロを感情表現として定義しています。 ショーロには刷り込まれた感覚があり、そこには正確なオマージュがある。ヨーロッパで生まれたポルカから、ダンサブルで転調の多い、ショーロが生まれました。 ショーロはポルカとして知られ続け、最古の印刷物や記録の中にchoroという言葉を見つける人はいません、それらはすべてポルカでした。 演奏は聞いた人を感動させ、人々を泣かせるためにショーロ・ソングと呼ばれていました。 このスピーチの中で、ジャコーは、ショーロが密接に関係しているテーマ、つまりブラジル文化や、それが植民地・帝国ブラジルの歴史と直接的に 関係していることへの関心も示しています。ここでいう3つの悲しい人種とは、ポルトガルの植民地支配者、インド人、黒人奴隷の人種を指します。 ジルベルト・フレイレは、その名著『カサ・グランデ・エ・センザラ』の中で、そのような議論を展開しています。 おそらく、ジャコーの言葉から、彼はブラジルのポピュラー音楽の保存だけでなく、ブラジル文化全体の保存に関心を持ち、ブラジルの過去がどんなに良くても 悪くても、彼の音楽が聴く人をどこか別の瞬間に運んでくれるのではないかと考えたのです。 ショーロ・ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー） ジャコー・ド・バンドリンとショーロというジャンルとの関係や、この作曲家がブラジル文化に与えた重要性がよくわかったので、 ドーセ・デ・ココという作曲も理解できると思います。聴いてみると、作曲者自身が昔のショーロについて述べているように、このショーロは悲壮感を持って 演奏されているのではないことがすぐにわかります。それとはまったく逆に、楽しい感覚をもたらすのが音楽です。 この矛盾を理解するために、MIS（Museu da Imagem e do Som）にあるジャコーのインタビューに再び戻ってみると、ジャコーがショーロの偉大な人物だと考える ピシンギーニャの重要性について語っている箇所があります。 ショーロは本当に、ピシンギーニャと素晴らしい功績をあげました。ピシンギーニャは、ショーロにリズムを与えました。それまでのショーロは、泣くための歌、 人を泣かせるための歌の集まりとされてました。 この曲のもう一つの特徴は、両パートがト長調の2部形式で構成されていることです。ショーロは伝統的に3部形式で作曲され、そのパートは通常、 最初のパートがある調で、2番目のパートが最初のパートと相対する調に行き、最後のパートが最初のパートと同じ調で逆のモード （つまり、最初のパートがト長調ならト短調に、その逆）になるように構成されれています。ジャコーが選んだ2部形式について、彼がピシンギーニャに言及した、 同じく2部形式の曲『Ingenuo』について、ジャコーも熟知しています。 メロディの美しさ，ハーモニーの美しさ、リズム感、たった2つのパートしかないのに転調がうまくつながっていること、それが一般的なショーロから抜け出ている 唯一の点です。 このインタビューの中で、ジャコーは伝統を守ることにこだわりながらも、ピシンギーニャが2つのパートしかない曲を作曲したことについては、何の不安も感じていないのです。 さらに、メロディとハーモニーの美しさ、転調のうまさなどを評価しています。ドーセ・デ・ココでも、そのような性質、特に予期せぬ転調を作曲者は探求し、 それは彼が大切にし、バックヤードのショーロ文化の一部であると語っています。 今回取り上げた曲では、18小節目のト長調からト短調への変化、46小節目のト長調からロ長調への変化、51小節目のト長調そのものへの回帰など、 ショーロの伝統的な転調のなかにも意外なものが見受けられます。このような転調は、パート間の和声経路を考慮すると、 ショーロでは珍しいことです。また、AパートからBパートへの変化に転調がないのも意外で、このような特徴を持つ珍しいショーロです。 ドーセ・デ・ココでは、意外な転調もありますが、旋律のシンコペーション、7分音符を含むドミナント・コードを除いた3和音の多用、2/4拍子など、 伝統的な特徴が維持されていることも特筆すべき点です。 また、特に注目すべき特徴は、作品のタイトルです。ジャコーが「ドーセ・デ・ココ（ココナッツ・キャンディー）」と名づけたとき、まず期待できるのは、 陽気で楽しいショーロであることです。この期待を裏切ることはありません。 しかし、作者が音楽に与えたい本当の意味を理解するためには、このお菓子の意味を深く掘り下げる必要があります。 ドーセ・デ・ココは、サボンゴまたはサンボンゴとも呼ばれ、その起源は植民地時代の奴隷制国家ブラジルで、白人のプランテーション所有者と所有者に代わって土地を耕す アフリカ系黒人奴隷が2大社会圏となっていたことにあります。 ここで、植民地時代のブラジルにおけるサトウキビの関連性について触れてみます。サトウキビは、徹底的に搾取され、ポルトガルへ大規模に輸出されました。 この製品は、ヨーロッパ列強の重商主義的搾取のために経済的利益と肥沃な土地という意味で、ブラジルを象徴しているのです。 また、新大陸の人々の不安定な食生活も象徴しています。 赤身肉や卵、牛乳などの動物性食品を食用に提供する工場はまれｄふぇした。ブラジル人の多くは栄養失調で暮らしていました。赤痢や栄養失調になるケースは、 不安定な食生活を送っていたかつてのこのブラジルでは珍しいことではありませんでした。この時代をよりよく理解するために、 『Acucar: Uma Sociologia do Doce』（砂糖：甘い社会学）（1987年）からの抜粋に目を向けてみます。 植民地時代から、マーマレード、カシューナッツ、グアバが大邸宅の大きなお菓子となりました。シナモン入りの焼きバナナや揚げバナナは、家長の家で最も尊敬されている デザートの一つで、マンジョク粉入り蜂蜜、カラ入り、マカシェイラ入り、サボンゴ（製粉所の蜂蜜入りココナッツ飴）、グリーンココナッツ飴、後にはチーズ入り飴に続く、 ブラジルらしい美味しい組み合わせです。 この記述の中で、フレイレはココナッツキャンディーなどのお菓子を用いて、植民地時代のブラジルのプランテーションハウスにおける過去の出来事を描写しています。 ここで興味深いのは、ジャコー・ド・バンドリンが、ブラジルの歴史を守るための作曲家であり、楽器奏者であったことです。ジャコーはこのキャンディーを 音楽のタイトルにすることで、リスナーに共感覚的に感じてほしい聴覚的な感覚（耳に運ばれるココナッツキャンディーの味）を描写しているだけでなく、 文字通りの体験が不可能な過去の歴史をリスナーの中で追体験してほしいからなのです。芸術の領域以外では決して再現されることのない歴史的な瞬間を、 音楽で蘇らせた例をここに見ることができるのです。 おそらく、ジャコーは知らず知らずのうちに、彼の音楽の中に、記憶に残るメロディーや独創的なコード配列、それ自体が美しいだけでなく、 過去のブラジルへの通路を提供することができたのでしょう。20世紀のジャコーが住んでいたブラジルと同じように、植民地時代のブラジルもまた、階級間の経済格差が大きく、 生産手段を支配できる者は少なかったのです。また、衛生、健康、教育、インフラの問題があり、貧しいブラジルでありました。 それでも作曲者は、砂糖をベースに作られた甘い食べ物、この過ぎ去った時代の象徴的な産物を見つけ、聴く者を過去のブラジルへといざなうのです。 例えば、3-6小節の最初のフレーズでは、旋律が繰り返され、その直後に1音高くなって聴こえます。そして、このフレーズは19-22小節目に短調で再び登場します。 Bでも同様だが、最初のフレーズが終わった直後、正確に繰り返されます。Bでは、61小節目にメロディーのクライマックスがあり、作曲の最高音が出てきます。 また、ハーモニックな面では、ジャコーはショーロでは珍しい転調のある作品や、パートチェンジで転調をしない作品など、これも珍しい特徴を持っています。 これらの重要な配慮とは別に、ジャコーはショーロによくあるコード進行、シンコペーションの効いたメロディ・フレーズを使い、ベースラインは一般に半音階的な方向、 または4分の1のサイクルに沿っています。 音楽的な分析という技術的な意味以外にも、ジャコーとショーロの関係には感情的な再現性が見いだされます。ブラジルの伝統的なお菓子の名前を曲名に使うのは 初めてではないし（チョロ「ペ・デ・モレケ」もある）、ブラジルの伝統と密接に結びついたもの（サッカー選手ガリンチャを描いた「ジンガ・ド・マネ」）でもありません。 彼のインタビューも、かつてのブラジルや昔のショーロのミュージシャンについてなど、常にノスタルジーを持っています。 この音楽家が、ブラジル音楽の美学的変化に貢献しながらも、常に伝統的なショーロに同調し、大規模な音楽シーンの変化に抵抗したのは当然といえば当然です。 ジャコーはショーロの中心人物であり、その影響は今日でもコンサートや演奏会で感じることができます。この世俗的な音楽を、ブラジルの伝統として、 過去のブラジルに私たちを連れて行くことができる楽器スタイルとして、しかし今日のブラジルに挿入されることを止めずに維持するために、 この人の重要性を今日私たちはよりよく理解することができるかもしれません。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管五重奏「来たり給え、創造主なる聖霊よ」 BWV 667 楽譜

木管五重奏「来たり給え、創造主なる聖霊よ」 BWV 667 J.S. バッハ：「18コラール」より J.S. Bach: Chorale "Komm, Gott, Schopfer, heiliger Geist," BWV 667 from "18 Chorales" 編成はFl.、Ob.、Cl.、Bs.Cl.、Bsn.です。 金管五重奏、クラリネット五重奏、サックス五重奏版は発売中です。 Bach傑出したコラールで、深く心を揺さぶる音楽の見事な技をお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/kZPXOHiSqeE Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 「Komm, Gott Schopfer, Heiliger Geist」（「来れ、創造主なる神、聖霊よ」）は、ルーテル派の聖霊降臨祭の賛美歌で、 ラテン語の「Veni Creator Spiritus」に基づいてマルティン・ルターが作詞したものです。7段からなるこの讃美歌は、1524年に初めて出版されました。 讃美歌の曲は、ラテン語の讃美歌の聖歌に由来するZahn 294番と、その旋律を後に変形させたZahn 295番です。 現在のプロテスタント讃美歌集Evangelisches Gesangbuch (EG) の番号は126番です。 ヨハン・セバスティアン・バッハは、この賛美歌のコラール前奏曲を『オルガンビュッシュライン』のBWV631として、また『18番コラール前奏曲集』のBWV667として 作曲しました。讃美歌は翻訳され、いくつかの讃美歌集に曲とともに掲載されています。 この『18コラール前奏曲』のBWV 667はアーノルド・シェーンベルクが1922年に大オーケストラ向けに編曲しました。 「来たり給え、創造主なる聖霊よ」 BWV 667はオルゲルビュッヒラインの若々しい珠玉のコラールに、自在の境地の加筆を加えて、 さらに生き生きとして、輝きにあふれた、神品とも言える姿に昇化させた作品です。 荘厳に響きわたるバッハの重要作品『ライプツィヒ・コラール』 バッハがライプツィヒ時代の1730年代から1740年代にかけて記入した一冊の手稿があります。まず1730年頃に、 6曲のオルガンのためのソナタ（トリオ・ソナタ BWV 525 - 530）を書き込みまし。その際バッハは、これらのソナタを記入するために必要な およそ倍の用紙を用意し、その残りの部分は、約10年間空白のままでした。そして1739年から1742年の間に、2頁の空白を置いて、 13曲のオルガンのためのコラール作品（BWV 651 - 663）を書き込みました。さらに約5年の間を開けて、 1746年か1747年にさらに2曲（BWV 664 - 665）を書き込みました。そして、1747年から1748年の間に、4頁、2つの見開き頁を開けて、 1747年にミーツラーの「音楽学協会（Sozietat der musikalischen Wssenschaften）」に入会するに際して、印刷して提出した コラール「高き天より私はやってきた（Vom Himmel hoch da komm ich her）」によるカノン形式の変奏曲（BWV 769）に修正を加えたものを 書き込みました。この記入が終わった頁の残りの部分と、現在は失われてしまった次の頁にわたって、 コラール「私はここに貴方の御座の前に進み出ます（Vor deinen Thron tret ich hiermit）」(BWV 668）が書き込まれています。 15曲のコラールを記入した後の4頁は、娘婿のヨハン・クリストフ・アルトニコルが、おそらくバッハの死後、1751年以降に、 2曲のコラール（BWV 666 - 667）を書き込みました。 　この手稿に記入されたバッハの自筆譜はいずれも浄書体で、作曲のために作製した手稿から書き写したものです。その手稿の状態から、 誰かに贈る目的ではなく、自ら作品を保存するために作製したものと思われます。15曲の自筆のコラール作品とアルトニコルの筆写による2曲には、 いずれもバッハがヴァイマール時代に作曲した原曲が残されていて、あるものは大幅に拡大される一方、長さはそのままで、 細部に手を加えただけのものもあります。手稿の最後に記入された、現在は最初の25小節半だけが残されている 「 私はここに貴方の御座の前に進み出ます（Vor deinen Thron tret ich hiermit）」(BWV 668）は、バッハが死の直前に 「目が見えないので、友人の一人に口述で書き写させた」とされ、フーガの技法の出版譜の最後に収められた コラール「我々がこの上ない困難にあるとき（Wenn wir in hochsten Noeten, BWV 668a）」と同じ曲です。この曲を手稿に書き込んだのは、 氏名不詳の人物で、実際にこの記入が上の記述にある口述に基づくものかどうかは不明です。このコピストは、1742年頃からバッハの身近にあって、 いくつもの重要な作品の筆写に従事しています。この曲の原曲は、「オルゲルビュッヒライン」の同名のコラール（BWV 641）で、 その点でも他の17曲と同じくヴァイマール時代の作品を原曲とした作品として、これを加えて「18のコラール」とされています。 　バッハが最初の13曲を書き込んだ1739年から1742年という時期は、クラフィーア練習曲集第III部（1739年）が出版された直後に当たります。 このクラヴィーア練習曲集第III部に含まれるコラール曲は、教会における日曜・祝日の礼拝で、教会暦に関係なく演奏される、 ルター派のミサ（キュリエ、グローリア）、信仰告白（クレード）、主の祈りなどのコラールを集めたものです。これに対して主に教会暦によって各日曜・祝日によって 異なる礼拝の主題に従ったコラールに基づく曲を集めたものが、この手稿の18のコラールです。バッハはヴァイマール時代に、オルガニストとしての任務上の必要から、 すべての教会暦の日曜・祝日のためのコラールを集めた作品集を作ろうと考えました。これが今日「オルゲルビュッヒライン」（BWV 599 - 644）と 名付けられている手稿です。この手稿は未完のままに終わりましたが、手稿全体を通じて、書き込むべきコラールの冒頭の歌詞を記入してあります。 「オルゲルビュッヒライン」のコラールは、 間奏なしにコラールの一節を奏する、会衆がコラールを歌う前の前奏のような役割を持っていますが、 「18のコラール」は、長さはまちまちですが、より拡大された作品で、コラールの歌詞の区切りごとに間奏が挿入されていたり、コラールの旋律に装飾が加えられていたり、 様々な様式で、礼拝中の聖餐式の行われる間に演奏されたり、オルガンの試奏などの機会に演奏するための曲と思われます。 　バッハがこれらのコラール作品を出版する意図を持っていたかどうかは明らかではないのですが、たとえ出版するとしても、「オルゲルビュッヒライン」のように すべての日曜・祝日のためのコラールを網羅したものにする意図はなかったようです。それは、降誕節第1日曜のためのコラール「来たれ、異邦人の救い主」や 「グローリア」のドイツ語コラール「天にまします神にのみ栄光あれ（Allein Gott in der Hohe sei Ehr）」が3曲ずつあることからも推察できます。 むしろバッハは、コラールに基づく曲の様々な様式、作曲技法の多様さを示そうとしたのかも知れません。いずれにしても、この「18のコラール」は、 バッハのコラール曲の傑作として、数少ない自筆楽譜で残されている貴重な作品群なのです。 　また、この手稿に含まれるコラール「高き天より私はやってきた（Vom Himmel hoch da komm ich her）」 によるカノン形式の変奏曲（BWV 769a）は、 1747年に印刷したものにさらに手を加え、曲順を一部入れ替えたものです。印刷版では、(1) 8度のカノン、(2) 5度のカノン、(3) 7度のカノン、(4) 8度のカノン、 (5) コラール旋律自体による反行カノンで、旋律の区切りごとに6度、3度、2度、9度のカノンと変化し、その後に2小節の短縮旋律部、 そして3小節のコラール旋律がすべて同時に提示される終結部が来て、最後に”BACH”の名前が音名で奏されて終わります。 また、各楽章には様々なカノンの技法が示されていて、ミーツラーの「音楽学協会（Sozietat der musikalischen Wssenschaften）」入会のための作品として 作曲されたことを示しています。しかしバッハは、この手稿に書き込む際には、第5楽章の複雑な構成のカノンを真ん中に置いて、 シンメトリー構造を意図したことが分かります。この自筆譜にある版が、バッハの最終的意図を示しているという観点から、最近ではこのBWV 769aが演奏されることが 多いようです。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

小中編成吹奏楽のための「ハワイの涼風 Vol.5」（メドレー）楽譜

小中編成吹奏楽のための「ハワイの涼風 Vol.5」（メドレー） 編曲 瀬 浩明 Hawaiian Breeze - Vol.5 Arranged by Hiroaki Se 編成はPic.、Fl.、Cl.3本、Bs.Cl.、A.Sax.、T.Sax.、B.Sax.、Tp.3本、Hn.2本、 Tbn.2本、Eup.、Tuba、Glock.、Vib、Drums、Perc.(Cowbell、Claves、Maracas、Bongo)です。 25名で演奏できます。すべてのパート譜は同梱しています。 ハワイアンソングの名曲をフラダンスとともに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/OVA4kmIPEnQ Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html この曲はハワイアンの定番曲をメドレーで綴ります。恋のホノルル、ワイキキの浜辺で、カナカワイワイの3曲が含まれます。 Vol.1から6まで発売しています。 ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の中で重要な位置を占める芸術形式です。 ハワイアンソングは、ハワイ語で歌われ、しばしばウクレレやスチールギターなどの伝統的な楽器によって演奏されます。 フラダンスは、ハワイアンソングに合わせて踊られる伝統的なダンスで、ハワイ文化の中で非常に重要な役割を果たしています。 ハワイアンソングには、ハワイの自然や文化について歌われた曲が多数あります。例えば、「Aloha Oe」は、 ハワイ王国の最後の女王であるリリウオカラニが書いた別れの歌であり、世界中で知られています。 また、「Waikiki」は、ハワイの有名なリゾート地であるワイキキビーチについて歌われた曲で、 多くのアーティストによってカバーされています。 フラダンスは、ハワイアンソングに合わせて踊られるダンスであり、古代ハワイの伝統的なダンスを継承しています。 フラダンスには、手の動きや足の動きを含む様々な要素があり、踊り手はその要素を使って物語を表現します。 フラダンスは、ハワイ文化の中で非常に重要な役割を果たしており、祭りや式典などの様々な場面で演じられます。 ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の中で重要な役割を果たしており、ハワイ文化を広く世界に知らしめる役割も 果たしています。これらの芸術形式は、世界中で愛されており、多くのアーティストやダンサーがハワイアンソングや フラダンスに影響を受けています。 今後も、ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の重要な要素として愛され続けることでしょう。 現在注目を集めているフラを吹奏楽で踊ってみませんか。 舞台と客席でフラがあふれ、 リラグゼーションの世界をお客様とともに味わえるステージになること間違いなし！ ●「フラ」の魅力 　 常夏の島、ハワイの伝統的な踊りであるフラダンスが今、中高年の女性を中心にさまざまな年代の人たちの間で全国的に人気を集めています。 フラダンスは老若男女問わず誰でも気軽にはじめられ、ほどよい運動になることはもちろんリラグゼーション効果 など心の健康にもよいのです。 最近では教室やイベントなども増えています。 　 ●文化としての「フラ」 　私たち日本人にとって、フラ（フラダンス）はショー等で見る華やかな観光イベントとして有名ですが、ハワイでの「フラ」は重要な 伝統文化のひとつと考えられています。70年代に起こった“ハワイアンルネッサンス”と呼ばれる「ハワイ独自の言葉や文化を見直し、 後世に伝えていこう」という運動によってフラは復活し、ハワイ語とともに大切に引き継がれてきました。ハワイの伝統的な フラ教室（ハワイ語で“ハラウ”）は踊りだけにとどまらずハワイ文化そのものを学ぶ場所です。 ●文字のない時代に話を伝える踊り「フラ」 　文字がまだない古代ハワイでのコミュニケーションや伝達の手段として独自の手話と踊りで表現していたものがフラダンスの原形です。 女性が踊るという印象が強いのですが、カメハメハ大王が統治する以前は、神聖なフラダンスを男性だけが踊っていました。 女性が踊りを認められたのは、島内の統一が行われ規制が緩くなった1778年頃です。 フラダンスのフラは「踊り」という意味です。 フラは文字がなかった時代に神々の伝説や先祖の話を伝えるコミュニケーション手段でしたから、火山の噴火があったとき、 神の怒りを静めるために踊るなど、神聖な意味を持っていました。こうした伝統的な踊りは今でもフラ・カヒコとして伝えられています。 　フラは神への畏敬の念をあらわす神聖な踊りです。ハワイの人々の心をあらわす表現手段として、常にハワイアンの身近にありました。 ●フラは愛・言葉・ 心にも体にもやさしい癒しのダンス 　シンプルな中に奥深さがある踊り、フラのよいところは、有酸素運動であるところです。激しい運動ではないので、お年寄りから妊婦、 子どもまで誰でも気軽にはじめられます。更年期障害が緩和されたという人もいれば、ストレス解消になったという人もおられ、 きれいな衣装を着ること自体にも自己啓発や癒し効果 として魅力たっぷりな要素です。 フラを一言で表現すると 「自分の中から湧き出る感情を体全てで表現すること」なのです。 ●「フラ」の基本 (1)フラの基本ステップ 1.“フラポジション”両足を肩幅に広げ、軽くひざを曲げて背筋を伸ばして立ちます。この立ち方がすべての基本になります。 ポイントは、ひざが伸びすぎないことです。 2.「カホロ」 基本のフラポジションを保ち、左右にステップする動きです。 右へ4歩、左へ4歩を交互に繰り返します。 フラポジションからスタートして、フラポジションに戻るのがベーシックです。 3.「カオ」とは体重移動のステップです。 フラポジションを保ち、左右に体重移動します。無理に腰を振るのではなく、体重移動で自然に腰が動くようにします。 (2)上半身の動きで物語（歌の歌詞）を表現 1.フラでは、下半身でリズムを、上半身で物語を伝える動きを作ります。 2.「花」のポーズ（プア）：咲いている花、つぼみなど、花全般 を表現するポーズです。 3.「風」のポーズ（マカニ）：花が風に揺れている様子を表します。 4.「香り」のポーズ：風にそよぐ花の香りを表します。 5.太陽のポーズ（ラー）：両腕を正面 高く上げて、大きな太陽のように円形を作ります。バスケットボールくらいの大きさです。 6.「アロハのこころをあなたに」のポーズ：深呼吸するように両手を広げて胸の前へ運びます。 最後は、前方に伸ばしていきます。上半身の動き「フリ」と下半身のステップを組み合わせて相手へ伝えたい思いを表現していきます。 7.踊りの最初と最後は左右に振付ける手の動き「フラの手」があります。 優雅に決めましょう。 ●健康と癒しの「フラ」 　裸足になって足を開放し、豊かな自然に囲まれてのびやかに踊る。観る人、踊る人もハッピーな気分にさせてくれるフラダンス。 自然界の一部に溶け込むような感覚に浸れる癒しがあります。フラダンスは音楽と手話のコラボレー ションでもあります。 音が鳴るものはすべて楽器だととらえ、ひょうたんに木や動物の皮を張った太鼓、鳥の羽や砂、ココナッツや貝、石、 葉など自然の中に存在するものを上手く使って音を奏でます。また、動きの ひとつひとつに意味が込められ、花、波、恋愛や感情、 神話などあらゆるものを表現するのです。 「心地よい音楽バックに自分が表現したいことを脳で理解しながら手を動かしステップを踏む。 脳も体も活性化してくるので若返り効果 もあります。また、花を飾り、南国風の美しい衣裳を身に付けることでも 年齢に捕われず生き生きと踊れるのもフラの魅力です。陽気で優雅な音楽が流れ、楽しく踊りながら健康になれるのが フラダンスの魅力です。エアロビクスより軽く、ゆっくり手足を動かし、じっくりと汗をかくので基礎代謝が徐々に上がり、 次第に痩せやすい体質になります。体力に自信がない方でも入門しやすいのです。 フラの基本姿勢は、足を軽く開き、ややひざを曲げて腰を落とし、両足で地面 をしっかり踏みしめる姿勢です。 腰は真正面に固定します。足は大地の底へと根を張るようなイメージ。この姿勢で太ももの前、ふくらはぎの筋肉が収縮して 締っているはず。 上半身は天空をめざしてのびやかに、そして腕は上下左右になびくように動かしているので運動不足の腕や肩にほどよい 筋肉がつきます。 　 また、腰を振る動きは脇腹を鍛え、ボディラインを引き締めます。フラダンスを1曲踊るのに数百歩のステップをしますから、 ウォーキングよりも、楽しんで健康づくりとダイエットができます。ダンス中は常に腰を落としているので太ももの前の筋肉、ふくらはぎが締り、 素足は足裏に高低差がなくリラックスするので足腰に負担がかからず自然に効くのです。 また、下半身を安定させて腰を左右に振るのでボディラインにくびれが生まれ、ウエストのシェイプアップにつながります。 自然の中に存在する楽器を多く使ったハワイアン音楽で心地よいリラクゼーションを受けながら踊るので、開放的な気分を味わえます。 これによってストレス発散につながり精神が落ち着くのです。ハワイ旅行の気分も味わえそうですね。 皆さんんの演奏で多くの聴衆に感動が与えられることをお祈りしています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

クラリネット四重奏 イタリア風パヴァーナによる変奏曲 楽譜

クラリネット四重奏 イタリア風パヴァーナによる変奏曲 アントニオ・デ・カベソン Diferencias sobre la Pavana Italiana Antonio de Cabezon 編成はCl.3本、Bs.Cl.です。 木管四重奏、サックス四重奏、金管四重奏版は発売中です。 典型的なイベリア半島のルネッサンス音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/tqmRo2zB7HI Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html スペインの盲目の作曲家、オルガニスト、アントニオ・デ・カベソン（1510頃-1566）の「イタリア風パヴァーナ」を題材にした ディファレンスの作品です。 16世紀、ヨーロッパ大陸の西の果てのイベリア半島に、偉大な盲人オルガン奏者が出現します。 それがアントニオ・デ・カベソン(1510ごろ－1566)です。 当時のスペイン音楽の技法に、西洋音楽史上はじめての変奏曲形式と言われる 「ディフェレンシアス（diferencias、スペイン語で「たがいに異なるもの」の意)というのがありますが、 ディフェレンシアス発展の立役者だったのが、ほかならぬこのカベソンです。 ランディーニと同様、カベソンも幼少時に失明しましたが、オルガン演奏技法を習得すると、1539年以後、 スペイン王家に仕える音楽家として身を立てます。彼は「ディフェレンシアス」と、 もうひとつスペインバロック特有の変奏曲様式「ティエント」によるオルガン独奏曲を数多く残しました。 鍵盤音楽の大家として名を馳せたカベソンは「スペインのバッハ」の異名をとり、つづく世代のコレア・デ・アラウホとともに、 スペインバロックのオルガン音楽黄金時代を築いたのです。 16世紀から18世紀にかけてのイベリア半島の鍵盤楽器のレパートリーの作品には、多くの版で誤りがあり、その中には重要なものもあります。 これらは、転写や印刷の場合もあります 。しかし、多くの場合、これらの誤りは原典にすでに存在しており、その多くは後期写本です。 著者のオリジナルではありません。 Antonio de Cabezon (c1510-1566), Castrillo Matajudios (Burgos) アントニオは、若い頃から目が見えませんでした。 しかし、音楽的な資質を買われて、イザベラ・カトリックやシャルル5世などの宮廷で音楽家として活躍することになりました。 その後、フィリップ2世の主人となり、ヨーロッパを旅行する際に同行し、フィリップ2世とメアリー・チューダーとの結婚の際には ロンドンへも赴きました。 当時、最も優れたキーボード奏者の一人とみなされています。彼の音楽は典型的なイベリア音楽で、 ハープ奏者や吟遊詩人によって演奏されたこともありま。ベネガス・デ・ヘネストローサの本には、すでにいくつかの作品が収録されていましたが、 それらを出版したのは主に息子のエルナンドでした。エルナンド自身は、 「カベソンが即興で演奏したときが本当の神童であり、これらの出版物はパン屑に過ぎない」と語っています。 アントニオ・デ・カベソンは、叔父が教区の総督を務めていたパレンシアで音楽の訓練を受けました。 1526年にイザベラ王妃の礼拝堂のオルガニストになり、その後フィリップ2世に仕え、王位に就く前も後も、 王とイギリス女王メアリーとの結婚に伴う海外旅行などに同行しました。当時のキーボード奏者としては第一人者でした。 彼の3人の息子と2人の娘も王室に仕え、そのうち前者2人はオルガン奏者、作曲家として活躍しました。 鍵盤音楽 アントニオ・デ・カベソンは、オルガン奏者、クラヴィコード奏者として卓越した存在でした。 彼の鍵盤音楽は、技巧と雰囲気の異なる29のティエントス、俗曲の変奏曲であるディフェレンシアス、詩篇の8音を和声化した ベルシージョ、マニフィカト、そして他の作曲家のポリフォニック作品に基づく作曲であるグローザから構成されています。 アントニオ・デ・カベソン（1510-1566）はスペインのルネサンス時代の作曲家、オルガニストで 彼は幼児期に失明したものの、素晴らしい音楽的才能を発揮し、オルガンと鍵盤楽器のための作品を数多く残しました。 当時はジョスカン・デ・プレの音楽が流行していて、カベソンも彼の声楽曲を鍵盤楽器用に編曲したものもありますが、 一方、当時としては先鋭的な技法を用い、後のバロック音楽を先取りするかのような作品も数多くあります。 彼の代表作であるティエントとは、イベリア半島に発生したポリフォニー様式の器楽作品の様式で、 スペイン語の「触れる」という意味のtentarが語源と言われていて、その起源はフォリア（狂乱を表す舞曲）や、 民謡にさかのぼることができます。形式は変化に富んでいますが、カベソンの曲は即興的な前奏とリチェルカーレを元にした、 比較的厳格なもので、オルガン音楽の発達にも多大なる貢献をしています。 アントニオ・デ・カベソン（Antonio de Cabezon, 1510年3月30日 ブルゴス - 1566年3月26日）は、スペインのルネサンス音楽の 作曲家・オルガニスト。幼児期に失明した。オルガンのためのティエントで有名。多くの作品が出版譜のかたちで現存します。 カベソンの作品は、現存する初期のオルガン作品の一つです。 作品には多くのIntabulations（ジョスカン・デ・プレなどのポリフォニー声楽を鍵盤楽器に編曲したもの）、ティエント、 ディフェレンシアスがあります。 生前に40曲がVenegas de Henestrosaの編纂したLibro de cifra nueva (Alcala de Henares, 1557)に収められ出版されましたが、 大部分は彼の死後、息子のエルナンドによってObras de musica para tecla, arpa y vihuela (Madrid, 1578)として刊行されました。 この中に収められた275曲のほとんどが、オルガンないし他の鍵盤楽器のためのものです。撥弦楽器とアンサンブルのための器楽曲、 歌曲も作曲しましたが、今はただ1曲の歌曲が残っているのみです（Cancionero de la Casa de Medinaceli中のInvocacion a la letania）。 クエンカのカテドラルに所蔵された1611年の楽譜目録にカベソン作のミサ曲が載っていますが、おそらく他の多くの曲もそうだったように、 曲そのものは失われました。 ティエントはイベリア半島で誕生したポリフォニー様式の器楽であり、tastar de corde（即興的な前奏）と リチェルカーレ（即興的前奏、後に発達して厳格な模倣対位法による作曲法）に関連づけられてきました。 カベソン作の29のティエントが現存している。うち14曲がLibro de cifra nuevaに収められていますが、 これらはすべて長い音価で書かれていて、模倣対位法と非模倣的な部分が交互に現れます。通常3ないし4つの主題があり、 最初の主題がもっとも展開されます。非模倣的な部分では頻繁に、拡張された2重奏、オスティナートに変化して行く動機といった、 当時のこの分野としては珍しいな技法が用いられています。別の12曲がObras de musicaに収められていて、 6曲は若い頃のもの、6曲は晩年のものです。初期の作品が多くの点でLibro de cifraに収められた作品に似る一方で、 後期のティエントはより短い音価、より長く特徴的な主題を用いる傾向があり、多くの特徴がバロック音楽を先取りするものとなっています。 変奏曲を得意としていたカベソンですが、盲人ゆえに研ぎ澄まされた感覚があったのでしょう。 多声的な作品が多いのですが、旋律の織りあいや構成のバランス感覚が素晴らしい作品が見られます。 鍵盤音楽黎明期にこれほどまでに驚異的な作品を書き、オルガン音楽界の扉を開きました。 肖像画は残念ながら残っていないようです。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管四重奏 ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ 楽譜

木管四重奏 ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ Favorito, Tango エルネスト・ナザレ Ernesto Julio Nazareth 編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。 サックス四重奏、クラリネット四重奏版、金管四重奏版、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/FPwsZWe2h-o Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Favorito, Tango　ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ 　この作品は娘のMaria de Lourdesに捧げられた曲で1895年に作曲されました。1912年にナザレはこの曲の演奏をCasa Edisonに録音しています。 また後に作詞者不明の歌詞がつけられました。原曲はイ長調、A-B-A-C-A-B-A形式です。同じ旋律が一音ずつ上昇していく単純な仕掛けの曲ですが、 それがわくわくして気分が高揚していくような雰囲気を醸し出しています。Bメロは嬰ヘ短調、Cメロはニ長調に転調します。 2拍子の1拍目最後の16分音符にアクセントをつけて演奏するとタンゴらしく良い演奏になります。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を知らずしてブラジル音楽は語れません。 南国ののどかな風光と、アフリカの野性的なエネルギーと、ロマンティシズムが渾然と混じり、甘美で、ちょっぴり切ない独特の音楽が聞こえてきます。 ミニョーネはこう述べています。「私は1917年頃にEduardo Soutoの楽譜店でナザレに会ったことがある。ナザレは自作曲を決して急がず、 カンタービレで弾いていた。彼はこう言っていたよ、『私の作品はあちこちでメチャメチャに弾かれている。みんな速く弾きすぎだ。 特に "Apanhei-te, Cavaquinho" は酷いことになっている。あの曲はゆっくりと、左手はカヴァキーニョを思い浮かべてアルペジオで弾くもんだ』と。」 エルネスト・ジュリオ・ナザレー （Ernesto Julio Nazareth （またはNazare とも）, 1863年3月20日 - 1934年2月4日）は、ブラジルのピアニスト・作曲家です。 一生をリオ・デ・ジャネイロで過ごしました。「ブラジル風タンゴ」やショーロなど、国内の民族音楽に影響されたピアノ曲を量産しました。 そのような作曲姿勢から、しばしば「ブラジルのショパン」と呼ばれています。ピアノ以外の音楽教育は学ばなかったため、 残された作品はサロン小品と声楽曲ばかりであり、管弦楽曲や室内楽・カンタータやオラトリオのような分野の大作はなく、作曲技法も必ずしも洗練されていません。 しかしながら、民衆音楽の影響のもとに切り開いた独自の素朴な詩境は、のちにヴィラ＝ロボスから、「ブラジルの魂」と称賛されました。 中産階級ながらもあまり豊かでない下級官吏の家庭に生まれ、ショパンを愛する母親からピアノの手ほどきを受けました。 早い年齢でたぐい稀な音楽的才能が認められ、家族ぐるみで付き合いのあったアフロ＝アメリカンの作曲家、 リュシアン・ランベールにも音楽の手ほどきを受けました。 1873年に母親が亡くなってからもピアノを学び、間もなく作曲も手がけるようになりました。 最初の出版作品のポルカ『ボセ・ベン・サービ"Voce Bem Sabe"』 （あなたはよく御存知）は、14歳になるまでに作曲・出版されました。 その後は、ショーロの楽士たちとたむろして、敏感で独特なリズム感を身につけました。マシシェ maxixe やルンドゥ lundu 、ショーロ choro 、 アフリカ系住民のダンスなど、さまざまな民族舞曲に影響されました。 長年ナザレーは、映画館オデオン座の待合室でピアニストとして働き、ここで最も有名な作品の一つ『オデオン』を作曲しました。 外国から数少ない音楽家がブラジルを訪問した際、オデオン座のナザレーの演奏を見学したといわれています。 1920年代初頭には、音楽ショップにピアニストとして雇われました。顧客が購入する際に持ち寄ってきた楽譜を見ながら、演奏し、 客の要望に沿うかどうかを確認して見せるのが任務でした。客の中に、ナザレー作品の楽譜を手ずから弾こうとする者がいると、止めさせて、 解釈が誤っていると苦情を言うのが常だったそうです。 ナザレーは、心底からのブラジル人音楽家であり、音楽は楽しまれるべきであるとして、それ以上を望みはしませんでした。 ほとんど独学であり、音楽活動のほとんどは、劇場や映画館の伴奏ピアニストとして、あるいは小劇場のアンサンブルでのピアニストとして、 演奏するのに振り当てられました。 そのような劇場アンサンブルの楽団員の知り合いには、後の大作曲家ヴィラ＝ロボスがいて、当時はチェリストとして活動していました。 ナザレーはショーロの発展のおおもとであり、ヴィラ＝ロボスは、これに基づき、後に自らの創作活動を繰り広げていったのです。 ナザレーは、ブラジルの民族音楽以外にも明らかに影響されていて、子供時代にむさぼるようにして学んだショパンの影響が中でも顕著です。 また、1869年にきら星のようにリオ・デ・ジャネイロにデビューして、瞬く間にブラジル楽壇を席巻したゴットシャルクの作風もナザレーにはお馴染みでした。 作品には、19世紀ヨーロッパのクラシック音楽の豊かな和声法がこだましながら、ナザレーの生地ブラジルの、シンコペーションをともなう 民族舞曲のリズム法に織り込まれてゆくのが認められます。そのうえ、アメリカ合衆国のラグタイムや初期のジャズの、小気味よいリズム感も健在である。これらの要素を統合して一つの有機体へとまとめ上げたことがナザレー独自の能力で、結果的には、ピアノ曲のレパートリーだけでなく、20世紀の音楽にも重要な貢献を果たしている。 ナザレーはショパンやその他のヨーロッパの作曲家から霊感を受けたように、逆に自らも、間接的とはいえ、ヨーロッパの作曲家に何かしらの影響を与えています。 フランス人作曲家のダリユス・ミヨーは、自伝の中で、ブラジル滞在中にリオ・デ・ジャネイロの映画館でナザレーがピアノを演奏する風景を回想しています。 ミヨーはその音楽のリズムにたちどころに虜となって、ブラジル音楽をきわめてやろうと決心したというのです。 その最終的な成果こそが、ミヨーのピアノ曲『ブラジルの想い出 Saudades do Brasil』でした。 ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ばれていますが、作品に副題を好んでつけた点で、ショパンとは違っています。 ショパンやフォーレよりもヨーロッパのサロン音楽の伝統に忠実だったといえます。 しかしながら19世紀から20世紀初頭まで、ヨーロッパではサロン小品にフランス語の題名をつける慣習がまだ根強く残っていたのに対して、 ナザレーは母語のポルトガル語に固執しました。 また題名によって、ドビュッシーやラヴェルのように、美術や文学からのインスピレーションをほのめかしたり、 リストのように詩的な連想を暗示することもありませんでした。 ナザレーの曲名には、しばしば第三者にとって謎めいた響きをもつものもありますが、それらは実在するスポーツチームやダンスクラブ、雑誌名など、 ナザレーの日常生活の周辺から切り取られたものばかりです。このような意味で、ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ぶよりは、むしろ 「ブラジルのクープラン」と呼んでこそふさわしいかも知れません。 およそ300曲のピアノ小品において、ナザレーはみごとに、大衆的なブラジル舞曲のエッセンスを捕まえています。 ナザレーは、厳密には都会の聴衆のために作曲したのですが、その作品には、（ブラジルで奴隷制が廃止された1888年以降の作品でも、） アフリカ系民族音楽の豊かな影響が息づいています。ほとんどの曲に、スコット・ジョプリンが発想したようなシンコペーションが使われています。 ナザレーのピアノ曲には、ブラジルのありとあらゆるダンスが盛り込まれています。マシシ（英語版）、バトゥーキ（英語版）、 サンバ、 そして中でも重要なのがタンゴです。後に世界中を熱狂させ、席巻したタンゴが、ブラジル生まれだったというだけでなく、 実際にはナザレー自身の創り出したジャンルだったという証拠になるからです。 もしそれが間違いだったとしても、「ブラジル風タンゴ」の発展のほとんどにナザレーがかかわっていて、このジャンルに優に100曲を残しています。 最も有名な作品に、『ブレジェイロ（ろくでなし）"Brejeiro"』『アメノ・ヘゼダ"Ameno Reseda"』『バンビーノ（赤ん坊）"Bambino"』 『トラベッス（腕白坊主）"Travesso"』『フォン・フォン"Fon-Fon"』『テネブローズ（暗闇）"Tenebroso"』があります。 ナザレーが初めて「ショーロ」と呼んだ作品のうち、『アパニェイチ・カヴァキーニョ（頑張れカバキーニョ）"Apanhei-te Cavaquinho"』は、 さまざまな楽器アンサンブルによって演奏できる、古典的名作です。 晩年になって完全に聴覚を失うと、創作活動にも支障をきたしましたが、それでもブラジル国内ではなかなかナザレー人気は衰えませんでした。 ゴットシャルクやジョプリンを評価する人たちなら、ナザレーの残した魅力的な宝石たちをきっとたちまち気に入るに違いありません。 作曲者の死後から半世紀を経た近年になって、ナザレー作品を集めたアルバム制作が世界的にも相次いでいて、最近では伝記や、 作曲者に関するCD-ROMも発表されています。ナザレーは、クラシックとポピュラー音楽にまたがって活動したことから、ナザレーのピアノ曲は、 クラシックの学び手にも、ポピュラー音楽の学び手にも、有用な教材とされつつあります。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

サックス五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第2巻 作品30-3「慰め」楽譜

サックス五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第2巻 作品30-3「慰め」 Lied ohne Worte, Op.30-3 Consolation Mendelssohn, Felix 編成はサックスのソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。 金管五重奏版、クラリネット五重奏版、木管五重奏版は発売中です。 可愛らしくもロマンチックで優美なメロディーを、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/PsmVlR9Wshg Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 『無言歌集 Lieder ohne Worte』は、メンデルスゾーンが生涯にわたって作曲したピアノ独奏のための作品集です。 全8巻からなり、各巻6曲ずつで合計48曲が収められています。 メンデルスゾーンのピアノ作品として最も有名で、しかもロマン派の教材として取り上げられることの多いのが「無言歌集」です。 ワーグナーが「第一級の風景画家」と言ったように、メンデルスゾーンは情景描写や標題音楽の作曲において才能を発揮しています。 この“言葉のない歌曲”、「無言歌」、という形でメンデルスゾーンは心象風景や感情描写までも、表現しました。 歌曲風の旋律をもった器楽曲であるため、旋律線をはっきりと浮き立たせ、抒情的に演奏することが重要です。 メンデルスゾーンが活躍したこの時期、ブルジョアジーの家庭を中心に、ピアノが教養として普及しました。 そのため、家庭で気楽に弾ける作品が多く作られましたが、この《無言歌集》もその一つです。 《無言歌集》は各６曲ずつの計８集からなり、生前に出版されたのは、第6集までです。第７集は、1851年、第８集は1867年に出版されました。 1832年、第１集を出版したときには、メンデルスゾーンは、《ピアノのためのメロディー》と記していて、《無言歌集》の名称を もつようになったのは1835年に第２集を出版してからのことでした。 標題をもっているものが多いのですが、作曲者自身によってつけられたものはわずかです。 実際、メンデルスゾーンは標題をつけることによって、音楽的な想像力が限定されることを嫌っていたようです。 この第3曲《慰め》は滑らかなアルペッジョに始まって優美な旋律が終始流れます。 原調はホ長調ですが中間部では五度上に転調し、感情の高まりを表現します。 慰めを求める心の安らぎを表現できれば素晴らしい演奏になるでしょう。 第2巻 作品30 出版年代：1835年 1.変ホ長調、アンダンテ・エスプレッシーヴォ　《瞑想》　（作曲年代不明） 2.変ロ短調、アレグロ・ディ・モルト　《安らぎもなく》　（作曲年代不明） 《心配》と呼ばれることもあります。 3.ホ長調、アダージョ・ノン・トロッポ　《慰め》　（作曲年代不明） カトリック聖歌集第100番「しずかに神と」、讃美歌第30番および讃美歌21・第211番「朝風しずかに吹きて」として教会で歌われています。 4.ロ短調、アジタート・エ・コン・フォコ　《さすらい人》　（1834年1月30日作曲） 《道に迷って》とも呼ばれます。 5.ニ長調、アンダンテ・グラツィオーソ　《小川》　（1833年12月12日作曲） 6.嬰ヘ短調、アレグレット・トランクィロ　『ヴェネツィアの舟歌 第2』　（作曲年代不明） メンデルスゾーンが自分でつけた『ヴェネツィアの舟歌』の第2番。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管四重奏 10の小品 から第8曲「スロバキア民謡」楽譜

金管四重奏 10の小品 から第8曲「スロバキア民謡」 ベーラ・バルトーク作 曲 Sz. 39 BB 51 Easy Piano Pieces, BB39 8.Slovakian folksong. Poco andante Bela Bartok 編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。 木管四重奏、サックス四重奏、クラリネット四重奏版は発売中です。 このアレンジは基本七重奏で、第5.6.8.10曲のセレクションです。第6.8曲は降版ありの四重奏です。 4曲の通し演奏時間は約7分です。 バルトークによる民俗色豊かな名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/WNHH-WU2EAs Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 10の小品 Sz.39, BB.51 （Ten Easy Pieces, Sz. 39, BB 51』は、ハンガリーの作曲家ベーラ・バルトークのピアノのための小品集で、 1908年にブダペストにて作曲されました。 当初は『11のピアノリサイタル小品集』として構想されていましたが、1曲が脱落し、バルトークの『14のバガテル』のバガテルとして使用されました。 しかし、出版社との契約上、11曲を書く必要があったため、番号は付されていないものの、セットを補完する役割を果たしました。 このため、このセットと彼のバガテル群は、和声やリズムのスタイルにおいても、教育的な使命においても、関連性があります。 これらの作品は、バルトークの民族音楽への憧れや、その頃名を馳せていたドビュッシーへの憧れから大きな影響を受けています。 14のバガテルが若いピアニストにとって明らかに難解であるのに対し、このセットは学生にとって簡単な現代音楽の準備として計画されたものです。 このセットは、1年後の1909年にロズナイ・カーロイ社から出版されました。全体の演奏時間はおよそ17分です。 このセットは全部で11曲で構成されていますが、最初の献呈曲には番号が付けられていません。楽章リストは以下の通り。 0.Dedication 献呈 1.Peasant song. Allegro moderato 農民の歌 2.Frustration. Lento フラストレーション 3.Slovakian boys' dance. Allegro スロバキア少年の踊り 4.Sostenuto. ソステヌート 5.Evening in Transylvania. Lento, rubato トランシルヴァニアの夕べ 6.Hungarian folksong. Allegretto ハンガリー民謡 7.Dawn. Molto andante 夜明け 8.Slovakian folksong. Poco andante スロバキア民謡 9.Five-finger exercise. Moderato 五本指の運動 10.Bear dance. Allegro vivace 熊の踊り 第8曲「スロバキア民謡」は素朴で哀愁を帯びた民謡が高音部で歌われます。 Poco andanteの指示があり、後半は低音部で再び民謡の旋律が歌われ、静かに曲を閉じます。 バルトークは、五音音階、モード、新しいハーモニー、オスティナートを多用し、すべての曲の演奏時間は1-2分程度です。 全11曲中、民謡を題材にしたのは3曲（3番、6番、8番）だけです。 残りの曲は、民謡風の構成と旋律を用いたピアノのための小品を数多く作っていたバルトークが、全曲を創作したものです。 献呈曲は、彼が最初のヴァイオリン協奏曲を献呈した友人であるヴァイオリニスト、ステフィ・ガイヤーにちなんだ素材を用いている。 この献呈のモチーフは、協奏曲と《2つの肖像》、そして1906年から1908年にかけて書かれた《14のバガテル》の最後にも徹底的に使われました。 このセットは、献呈の、たった4つの音からなるゆっくりとしたモチーフで始まります。 献呈に続いて始まる第1曲は、ユニゾンで奏される非常にシンプルな旋律で、アレグロ・モデラートと記されています。 第2曲は「苦痛のレスリング」と訳され、右手でメロディーを弾きながらオスティナートのベースラインを奏でます。 第3曲は民謡を編曲したものですが、ユニゾンと伴奏の両面で、これまでの作品に見られた要素がすでに出ています。 第4曲は、メロディーを左手と右手の両方で演奏するスローテヌートの曲となっていますが、ユニゾンは行われません。 第5曲は、このセットの中で最も長い曲です。構成は厳密にABABAで、メロディーは右手だけで演奏されます。 第6曲は民謡を編曲したもので、両手でリズムを取ります。 第7番は、あらかじめ設定された民謡を中心にメロディが展開される第6番とは対照的に、ハーモニーが絶えずぶつかり合う3分の1のメロディが展開されます。 第8曲は、やはり民謡の旋律を用いたテヌート的な作品です。 そして、9曲目は5本の指で音階を練習するための習作です。 最後に第10曲は、よく知られたメロディにベースラインの跳躍音を添えたものです。 バルトークは1929年11月20日に第5番と第10番を演奏して録音したことが知られていますが、残りの曲を自分で演奏して録音したことがあるかどうかは不明です。 教育的な目的で使用される楽曲を丸ごと録音することは、長時間の録音には費用がかかるため、当時は珍しいことでした。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

クラリネット五重奏+ 行進曲「アンバサダー」楽譜

クラリネット五重奏+ 行進曲「アンバサダー」 エドウィン・ユージーン・バグレイ The Ambassador March Edwin Eugene Bagley 編成はCl.4本、Bs.Cl.およびドラムセットです。 金管五重奏、サックス五重奏、木管五重奏も発売中です。 「国民の象徴」で有名なバグレイのマーチをお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/-8nk-aZRKyM Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 作曲者のエドウィン・ユージーン・バグレイ（1857年5月29日-1922年1月29日）は、バーモント州のCraftsbury（クラフツベリー）で生まれました。 アメリカの作曲家であり、行進曲「国民の象徴」の作曲で最も有名でした。 9歳の時に、アメリカの多くの大都市をツアーしたエンターテイナーの会社Leavitt's Bellringers（レビットのベルリンガー）で ボーカリスト兼コメディアンとして音楽キャリアを始めました。また後にコルネットを演奏し始め、スイスのベルリンガーで6年間旅をしました。 ツアーの後、彼はニューハンプシャー州コンコードのブライスデルのオーケストラに加わりました。 その後、彼は旅行オペラ会社であるボストニアンズを含むさまざまなオーケストラのミュージシャン（トロンボーン奏者）であり、 ボストン交響楽団のメンバーでもありました。彼はまた、ユーフォニアムを楽器として追加し、婚約中にトロンボーンと交互に演奏しました。 1893年にエドウィンは、ジャネット S. ホイト (1855?1927) と結婚しました。結婚した後、彼はニューハンプシャー州キーンに引っ越しました。 彼の新しい家で、彼は1915年から1917年までキーン シティ バンドを含むさまざまな地元のバンドを指揮しました。 いくつかの市民バンドのメンバーや、ニューハンプシャーの学校のバンドディレクターを務めたことがあります。 作品も数曲あるだけですが、中で「国民の象徴」だけが最も有名で、この曲によりバーグレイはバンド界に、永遠にその名をとどめています。 彼の兄弟エズラ M. バグリー (1853年-1886年) は、1880年から1884年にかけて ボストン交響楽団の最初のトランペット奏者であり、バンドの行進曲も作曲しました。エドウィンはニューハンプシャー州キーンのエリオット コミュニティ病院で 1922年に亡くなり、キーンのグリーンローン墓地に埋葬されました。キーンにあるビクトリアン バンドスタンドは、彼にちなんで名付けられました。 バグレイは行進曲の作曲家として有名で、この行進曲「アンバサダー」は"大使"という意味です。1907年に作曲され、ウィレムスミュージックから出版されました。 演奏時間：2分46秒程度で、第1マーチでは旋律が対話するように進みます。勇壮な「国民の象徴」とは一味違った楽しい雰囲気の軽快なマーチです。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

Solo+木管四重奏+「ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー）」 楽譜

Solo+木管四重奏+「ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー）」 Doce de coco(coconut candy) Jacob do Bandolim 編成はソロ楽器、Fl.、Ob.、Cl.、Bsn.、ドラムス、マリンバ、エレキベースに加えて パーカッション（Trigl.、Wood Block or Cowbell、Timbalesの3名）で総勢11名です。 Fl.はOb.でも演奏可能です。 Bsn.はCl.またはBs.Cl.に変更可能でパート譜は同梱しています。 エレキベースはBsn.に変更可能でパート譜は同梱しています。 同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、 in C版（Ob.、Mallet Perc.など）、 in C-Fl.版（Fl.、Pic.）、 in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,、St.Bs.など）、 　Tubaは1オクターブ下げて演奏可能です。 in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、 in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。 多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め5種類から選ぶことができます。 クラリネット四重奏版、金管四重奏版、サックス四重奏版、鍵盤打楽器二重奏版は発売中です。 陽気なブラジルの名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/sApTcagjvto Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Doce de cocoは「ココナッツの実で作った甘いお菓子」「ココナッツキャンディー」のほか「御しやすい人」という 意味もあります。 ジャコー・ド・バンドリンは、このスタイルと深い関わりを持ったショーロ・ミュージシャンです。そのこだわりは、このスタイルにしかない 録音や作品を数多く含む個人的なアーカイブを大切にしたことにも表れています。伝記作家のErmelinda Paz（1997）は、 その著書「Jacob do Bandolim」の中でこのことに言及しています。 ジャコーは、ブラジルの文化的ルーツを守ることに強い関心を持つ本格的な音楽家として、音楽界にその地位を確立しました。 この関心から、忘れがたい作曲者が生まれ、結晶化したのです。 著者の言葉からは、ジャコーのこだわりだけでなく、彼の作品に繰り返し登場するブラジル文化への関心にも気づくことができます。 ジャコーは、MIS（Museu da Imagem e do Som）で記録されたインタビューの中で、ショーロを感情表現として定義しています。 ショーロには刷り込まれた感覚があり、そこには正確なオマージュがある。ヨーロッパで生まれたポルカから、ダンサブルで転調の多い、ショーロが生まれました。 ショーロはポルカとして知られ続け、最古の印刷物や記録の中にchoroという言葉を見つける人はいません、それらはすべてポルカでした。 演奏は聞いた人を感動させ、人々を泣かせるためにショーロ・ソングと呼ばれていました。 このスピーチの中で、ジャコーは、ショーロが密接に関係しているテーマ、つまりブラジル文化や、それが植民地・帝国ブラジルの歴史と直接的に 関係していることへの関心も示しています。ここでいう3つの悲しい人種とは、ポルトガルの植民地支配者、インド人、黒人奴隷の人種を指します。 ジルベルト・フレイレは、その名著『カサ・グランデ・エ・センザラ』の中で、そのような議論を展開しています。 おそらく、ジャコーの言葉から、彼はブラジルのポピュラー音楽の保存だけでなく、ブラジル文化全体の保存に関心を持ち、ブラジルの過去がどんなに良くても 悪くても、彼の音楽が聴く人をどこか別の瞬間に運んでくれるのではないかと考えたのです。 ショーロ・ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー） ジャコー・ド・バンドリンとショーロというジャンルとの関係や、この作曲家がブラジル文化に与えた重要性がよくわかったので、 ドーセ・デ・ココという作曲も理解できると思います。聴いてみると、作曲者自身が昔のショーロについて述べているように、このショーロは悲壮感を持って 演奏されているのではないことがすぐにわかります。それとはまったく逆に、楽しい感覚をもたらすのが音楽です。 この矛盾を理解するために、MIS（Museu da Imagem e do Som）にあるジャコーのインタビューに再び戻ってみると、ジャコーがショーロの偉大な人物だと考える ピシンギーニャの重要性について語っている箇所があります。 ショーロは本当に、ピシンギーニャと素晴らしい功績をあげました。ピシンギーニャは、ショーロにリズムを与えました。それまでのショーロは、泣くための歌、 人を泣かせるための歌の集まりとされてました。 この曲のもう一つの特徴は、両パートがト長調の2部形式で構成されていることです。ショーロは伝統的に3部形式で作曲され、そのパートは通常、 最初のパートがある調で、2番目のパートが最初のパートと相対する調に行き、最後のパートが最初のパートと同じ調で逆のモード （つまり、最初のパートがト長調ならト短調に、その逆）になるように構成されれています。ジャコーが選んだ2部形式について、彼がピシンギーニャに言及した、 同じく2部形式の曲『Ingenuo』について、ジャコーも熟知しています。 メロディの美しさ，ハーモニーの美しさ、リズム感、たった2つのパートしかないのに転調がうまくつながっていること、それが一般的なショーロから抜け出ている 唯一の点です。 このインタビューの中で、ジャコーは伝統を守ることにこだわりながらも、ピシンギーニャが2つのパートしかない曲を作曲したことについては、何の不安も感じていないのです。 さらに、メロディとハーモニーの美しさ、転調のうまさなどを評価しています。ドーセ・デ・ココでも、そのような性質、特に予期せぬ転調を作曲者は探求し、 それは彼が大切にし、バックヤードのショーロ文化の一部であると語っています。 今回取り上げた曲では、18小節目のト長調からト短調への変化、46小節目のト長調からロ長調への変化、51小節目のト長調そのものへの回帰など、 ショーロの伝統的な転調のなかにも意外なものが見受けられます。このような転調は、パート間の和声経路を考慮すると、 ショーロでは珍しいことです。また、AパートからBパートへの変化に転調がないのも意外で、このような特徴を持つ珍しいショーロです。 ドーセ・デ・ココでは、意外な転調もありますが、旋律のシンコペーション、7分音符を含むドミナント・コードを除いた3和音の多用、2/4拍子など、 伝統的な特徴が維持されていることも特筆すべき点です。 また、特に注目すべき特徴は、作品のタイトルです。ジャコーが「ドーセ・デ・ココ（ココナッツ・キャンディー）」と名づけたとき、まず期待できるのは、 陽気で楽しいショーロであることです。この期待を裏切ることはありません。 しかし、作者が音楽に与えたい本当の意味を理解するためには、このお菓子の意味を深く掘り下げる必要があります。 ドーセ・デ・ココは、サボンゴまたはサンボンゴとも呼ばれ、その起源は植民地時代の奴隷制国家ブラジルで、白人のプランテーション所有者と所有者に代わって土地を耕す アフリカ系黒人奴隷が2大社会圏となっていたことにあります。 ここで、植民地時代のブラジルにおけるサトウキビの関連性について触れてみます。サトウキビは、徹底的に搾取され、ポルトガルへ大規模に輸出されました。 この製品は、ヨーロッパ列強の重商主義的搾取のために経済的利益と肥沃な土地という意味で、ブラジルを象徴しているのです。 また、新大陸の人々の不安定な食生活も象徴しています。 赤身肉や卵、牛乳などの動物性食品を食用に提供する工場はまれｄふぇした。ブラジル人の多くは栄養失調で暮らしていました。赤痢や栄養失調になるケースは、 不安定な食生活を送っていたかつてのこのブラジルでは珍しいことではありませんでした。この時代をよりよく理解するために、 『Acucar: Uma Sociologia do Doce』（砂糖：甘い社会学）（1987年）からの抜粋に目を向けてみます。 植民地時代から、マーマレード、カシューナッツ、グアバが大邸宅の大きなお菓子となりました。シナモン入りの焼きバナナや揚げバナナは、家長の家で最も尊敬されている デザートの一つで、マンジョク粉入り蜂蜜、カラ入り、マカシェイラ入り、サボンゴ（製粉所の蜂蜜入りココナッツ飴）、グリーンココナッツ飴、後にはチーズ入り飴に続く、 ブラジルらしい美味しい組み合わせです。 この記述の中で、フレイレはココナッツキャンディーなどのお菓子を用いて、植民地時代のブラジルのプランテーションハウスにおける過去の出来事を描写しています。 ここで興味深いのは、ジャコー・ド・バンドリンが、ブラジルの歴史を守るための作曲家であり、楽器奏者であったことです。ジャコーはこのキャンディーを 音楽のタイトルにすることで、リスナーに共感覚的に感じてほしい聴覚的な感覚（耳に運ばれるココナッツキャンディーの味）を描写しているだけでなく、 文字通りの体験が不可能な過去の歴史をリスナーの中で追体験してほしいからなのです。芸術の領域以外では決して再現されることのない歴史的な瞬間を、 音楽で蘇らせた例をここに見ることができるのです。 おそらく、ジャコーは知らず知らずのうちに、彼の音楽の中に、記憶に残るメロディーや独創的なコード配列、それ自体が美しいだけでなく、 過去のブラジルへの通路を提供することができたのでしょう。20世紀のジャコーが住んでいたブラジルと同じように、植民地時代のブラジルもまた、階級間の経済格差が大きく、 生産手段を支配できる者は少なかったのです。また、衛生、健康、教育、インフラの問題があり、貧しいブラジルでありました。 それでも作曲者は、砂糖をベースに作られた甘い食べ物、この過ぎ去った時代の象徴的な産物を見つけ、聴く者を過去のブラジルへといざなうのです。 例えば、3-6小節の最初のフレーズでは、旋律が繰り返され、その直後に1音高くなって聴こえます。そして、このフレーズは19-22小節目に短調で再び登場します。 Bでも同様だが、最初のフレーズが終わった直後、正確に繰り返されます。Bでは、61小節目にメロディーのクライマックスがあり、作曲の最高音が出てきます。 また、ハーモニックな面では、ジャコーはショーロでは珍しい転調のある作品や、パートチェンジで転調をしない作品など、これも珍しい特徴を持っています。 これらの重要な配慮とは別に、ジャコーはショーロによくあるコード進行、シンコペーションの効いたメロディ・フレーズを使い、ベースラインは一般に半音階的な方向、 または4分の1のサイクルに沿っています。 音楽的な分析という技術的な意味以外にも、ジャコーとショーロの関係には感情的な再現性が見いだされます。ブラジルの伝統的なお菓子の名前を曲名に使うのは 初めてではないし（チョロ「ペ・デ・モレケ」もある）、ブラジルの伝統と密接に結びついたもの（サッカー選手ガリンチャを描いた「ジンガ・ド・マネ」）でもありません。 彼のインタビューも、かつてのブラジルや昔のショーロのミュージシャンについてなど、常にノスタルジーを持っています。 この音楽家が、ブラジル音楽の美学的変化に貢献しながらも、常に伝統的なショーロに同調し、大規模な音楽シーンの変化に抵抗したのは当然といえば当然です。 ジャコーはショーロの中心人物であり、その影響は今日でもコンサートや演奏会で感じることができます。この世俗的な音楽を、ブラジルの伝統として、 過去のブラジルに私たちを連れて行くことができる楽器スタイルとして、しかし今日のブラジルに挿入されることを止めずに維持するために、 この人の重要性を今日私たちはよりよく理解することができるかもしれません。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/