クラリネット五重奏 夕べの歌 Op.85-12 楽譜

クラリネット五重奏 夕べの歌 Op.85-12 小さな子供と大きな子供のための12の連弾小品 Op.85から 12.「夕べの歌」 12.Abendlied R.シューマン Schumann, Robert:12 Vierhandige Clavierstucke fur kleine und grosse Kinder Op.85 編成はCl.4本、Bs,Cl.です。 木管五重奏、サックス五重奏版、金管五重奏版は発売中です。 ドイツ・ロマン派を代表するR.シューマンの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/1b8qF0r1m9M Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 元はシューマンのピアノ連弾曲集「小さな子供と大きな子供のための12のピアノ曲集 （Klavierstucke fur kleine und grose Kinder）」Op.85の 12曲中最後に収められている曲で「夕べの歌（Abendlied）」です。 その美しさゆえに、多くの人によってバイオリンやチェロのために編曲されています。 曲集は次のような12曲から成っています。 1.誕生日の行進曲 Op.85-1 演奏時間：2分30秒 2.熊の踊り Op.85-2 演奏時間：2分00秒 3.庭園のメロディ Op.85-3 演奏時間：2分30秒 4.花環を編みながら Op.85-4 演奏時間：2分00秒 5.クロアチア人の行進 Op.85-5 演奏時間：2分30秒 6.嘆き Op.85-6 演奏時間：2分00秒 7.騎士の馬上試合の行進.輪舞 Op.85-7 演奏時間：5分00秒 8.輪舞 Op.85-8 演奏時間：2分00秒 9.噴水のほとりで Op.85-9 演奏時間：2分30秒 10.かくれんぼ Op.85-10 演奏時間：1分30秒 11.お化けの話 Op.85-11 演奏時間：2分30秒 12.夕べの歌 Op.85-12 演奏時間：3分00秒 ロベルト・アレクサンダー・シューマン（ドイツ語: Robert Alexander Schumann, 1810年6月8日 - 1856年7月29日）は、 ドイツ・ロマン派を代表する作曲家です。ローベルト・シューマンと表記されることもあります。 ベートーヴェンやシューベルトの音楽のロマン的後継者として位置づけられ、交響曲から合唱曲まで幅広い分野で作品を残しました。 特にピアノ曲と歌曲において高い評価を得ています。 シューマンが生まれたのは1810年6月8日、ザクセンのツヴィッカウという小さな町で、父フリードリヒ・アウグストとヨハンナの間の 4男1女の子供たちの末子として生まれました。 父フリードリヒ･アウグストは書籍出版・販売業を営んでいて、その関係でシューマンの兄のエドゥアルト、カール、ユーリウスも 書籍業を営むことになり、このような中でシューマンは、幼い時期から数多くの文学書に囲まれる生活環境にありました。 父は文学をこよなく愛し、優れた文学書を刊行するだけではなく、今日の文庫本の刊行を手がけたことでも知られています。 母親のヨハンナは音楽を愛好し、その関係から彼は早い時期から音楽に親しみ、シューマンの音楽熱はこの母親から受け継ぎました。 シューマンは早くから芸術とくに音楽への関心を示し、7歳（1817年）から教会オルガニスト、ヨハン・ゴットフリート・クンチュに ピアノを師事するようになりました。8歳（1818年）のとき、母と保養地のカールスバートに5週間滞在し、同地でモシェレスの演奏を聴きました。 当時、高い評価を得ていたこのボヘミア出身の作曲家で名ピアニストの演奏との出会いはシューマンのその後の音楽的資質の開花に影響しました。 10歳（1820年）にギムナジウム（9年制の学校）に入学し、ふたたびカールスバートでモシェレスの演奏を聴きました。 すでにこの頃から作曲の試みを始め、シューマンは14歳のときに完成した「詩篇150番」は、1821年、シューマン11歳の頃に最初の構想を抱いて 作曲を進めていて、1822年にその一部を学生仲間と初演しています。 この作品はシューマンの創作の現存するもっとも初期の作品ですが、ソプラノとアルト、それに2Fl.2Ob,Fg,2Trp,ティンパニ、2Vl,Vla,ピアノという 大規模な編成の作品です。少年時代のシューマンは作曲とともに特にピアノの演奏に親しみ、とくにピアノ練習曲で用いていたフンメルや ベートーヴェンのほかに、シューベルトの作品を演奏していました。このシューベルト体験は強い印象を与え、シューベルトの音楽は長くその後の 彼の創作に影響を及ぼすことになりました。 1826年に父親が没し、姉のエミーリエは自殺しました。感情の起伏の激しい姉の性格はシューマンにも受け継がれており、それはさらに シューマンの息子のルートヴィヒにも継承されています。シューマンは裕福な商人カールス家に出入りするようになり、同家で催される演奏会で ベートーヴェンやモーツァルトなどの作品に接しました。1827年7月、この家の主人の甥で医師のエルンスト・カールスの妻アグネス・カールスに会い、 アグネスを通してシューベルトの歌曲の魅力を知りました。ジャン・パウルの小説に夢中になるようになるのもこの頃からです。 1829年5月、シューマンは、ハイデルベルクに向かう旅で南ドイツを回りました。マイン川およびライン川沿いを馬車で下り、フランクフルト、 マインツ、コブレンツなどを経由して5月21日にハイデルベルクに到着しました。このとき初めてライン川を見たシューマンは感銘を受け、 母親に宛てて次のように書き送っています。 「老いて堂々とした父なるラインの初めて見せる光景を、冷静な心全体で受け止めることができるように、ぼくは目を閉じました。 それから目を開いてみますと、ライン川はぼくの前に古いドイツの神のようにゆったりと、音も立てず、厳粛に、誇らしげに横たわり、 それとともに、山や、谷のすべてがぶどうの楽園である、花が咲き緑なすラインガウのすばらしい全景が広がっていたのです」 1829年5月、母ヨハンナに宛てたシューマンの手紙 彼は1834年ごろから精神障害の症状に悩まされるようになりました。1844年にライプツィヒからドレスデンへ、1850年にデュッセルドルフへと移住して 指揮者としても活動しました。この間、子供向けのピアノ曲を作曲するなど教育分野での貢献も残しました。 1853年にヨハネス・ブラームス（1833年 - 1897年）と出会い、「新しい道」と題する論文で若き天才として紹介しましたが、翌1854年に ライン川に投身自殺を図りました。救助されたシューマンはボン近郊のエンデニヒの療養所に収容され、2年後の1856年に46歳でこの世を去りました。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管八重奏と打楽器のための「クリサンシマム（菊）」楽譜

木管八重奏と打楽器のための「クリサンシマム（菊）」 The Chrysanthemum An Afro-American Intermezzo Scott Joplin 編成はCl.2本、A.Sax.2本、T.Sax.、B.Sax、Bs.Cl.、Bsn.に加えてDrumsです。 Bsn.をSt.Bs.で演奏できるパート譜を同梱しています。 打楽器（ドラムセット）を含めて総勢9名になります。 金管八重奏版、木管五重奏版、金管五重奏版、クラリネット五重奏版、サックス五重奏版は発売中です。 スコット・ジョプリンのラグタイムをコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/q-CmNUhIvGg アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 「クリサンシマム」（The Chrysanthemum）は、1904年にスコット・ジョプリンが作曲したピアノ曲です。 ジョプリンが「2度目の妻 Freddie Alexander に捧げた」とも言われている落ち着いた雰囲気のラグタイム作品です。 クリサンシマムは菊の花の意味です。ラテン語の属名を英語読みにして「クリサンセマム」または略して「マム」と呼ぶこともありますが、 これは種としてのキクを指す場合と、キク属を指す場合とがあります。 属名はギリシア語の "chryso-"「黄金の」と "‐anthemon"「花」に由来し、菊に黄色い花が多いことによっています。 ラグタイム王スコット・ジョプリン スコット・ジョプリンはアメリカ黒人が作り上げた音楽スタイル「ラグタイム ragtime」の中で、 最も良く知られている作曲家／ピアニストです。 明治維新の年にテキサス州テキサカーナで生まれ、1917年、ニューヨークで亡くなりました。 1885年から1893年にかけてはセントルイスのナイト・クラブで演奏し、90年代にはミズーリ州のセダリアの ザ・クイーン・シティ・ニグロ・バンドでコルネットを吹いていました。 93年には、シカゴ万博にも出演しています。 当時のアメリカでは、楽曲はシート・ミュージック（楽譜）の売り買いによって世間に広まりましたが、 ジョプリンも例外ではなく「Please Say You Will」「Picture of Your Face」など自作曲の権利を売っていました。 彼にとって初めてのラグタイム曲となる「Original Rags」（1899年）も同様でした。 しかし、彼の代表作「メイプル・リーフ・ラグ Maple Leaf Rag」は印税契約という、当時の黒人としては異例の方法が取られました。 そして、この契約を申し出たジョン・スターク（白人）と共同歩調を取ることによってスコット・ジョプリンは、 ラグタイムの象徴となりました。 ちなみに「メイプル・リーフ・ラグ」（1899年）のシート・ミュージックは、発売されたその年だけで７万５千部も売れました。 ジョプリンはその後、たくさんのラグタイム曲を出版しましたが、彼の望みはバレーやオペラなど「格の高いジャンル」で 認められることでした。このような彼の意識背景には、アメリカの黒人差別がありました。 ジョプリンはバレー曲「The Ragtime Dance」（1902年）、オペラ「The Guest of Honor」（03年）を作曲しましたが、 ことごとくが失敗に終わりました（「The Guest of Honor」は出版されなかった）。 そうこうしているうちに、ラグタイムに影響され、より黒人色の強いジャズが台頭しきました。 ラグタイムがアメリカ最初の「自国の音楽」として欧米で持て囃されたのは19世紀末から1920年あたりだと言われていますが、 ジョプリンはまさにその短い時代に世に出て、そして亡くなったミュージシャンでした。 1910年頃には彼は梅毒におかされ、17年に亡くなりました。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

サックス四重奏 3つの無言歌 Op.17から第3番 Op.17-3 楽譜

サックス四重奏 3つの無言歌 Op.17から第3番 Op.17-3 フォーレ Faure, Gabriel 3 Romances sans paroles Op.17 編成はソプラノ、アルト、テナー、バリトンです。 木管四重奏、クラリネット四重奏版、金管四重奏版は発売中です。 自然な歌の甘い旋律が魅力的なフォーレの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/SvNScnVR2qI Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html ３つの無言歌 ガブリエル・フォーレ Gabriel Faure この曲はフォーレのピアノ作品の出発点ともいえます。メンデルスゾーンの影響を受けたと考えられています。 「ロマンス」と言われることもあります。 ピアノの小品はロマン派時代に花咲きました。性格的小品という、キャラクター・ピースを直訳した名前でひとくくりにされることもありますが、 実際にはそれぞれの小品の種別で呼ばれることがほとんどです。この名前をつけたのはショパンに最も多くの作品があります。 メンデルスゾーンの「無言歌」（原題はLieder ohne Worte）は有名で、さらに「春の歌」や「ヴェニスの舟歌」など 別の標題がついている曲も多くあります。 フォーレの無言歌Op.17 は三曲からなり、メンデルスゾーンの無言歌と似ています。 両手のもつ機能を万遍なく使って、三声を同時に表現しています。 旋律も甘く、自然な歌を表現しています。 この3曲から成る小品集は1863年、フォーレが18歳の頃に作曲されたと考えられています。このフランス語のタイトルは、直訳すると 「言葉を伴わないロマンス」ということになりますが、2曲目にメンデルスゾーンの無言歌集の影響がうかがえることから、《無言歌》と呼ばれています。 1880年に出版されました。初演は、初めの2曲が1881年2月の国民音楽協会でポーリーヌ・ロジェにより、第3曲目が1889年1月の国民音楽協会で カーサ・シャトルジェ嬢により行われています。 第１番は３曲の中では温和な曲です。バリトン歌手レヴィの夫人にあたるフェリックス・レヴィ夫人に捧げられています。 アンダンテ・クァジ・アッレグレットの変イ長調で4分の3拍子。美しくかつゆったりと歌い上げられる右手のメロディーに、 左手が控えめな和音やエコーを奏します。 第２番イ短調は、４拍子で絶えず奏される無窮動風の音型に爽やかな旋律が載せられています。 ロール・ド・レイリッツに捧げられています。ロール・ド・レイリッツは、フォーレがニーデルメイエ校を卒業後、 レンヌで教会のオルガニストを勤めていた時（1866―1869）に知り合った女性です。アレグロ・モルトのイ短調で4分の4拍子のこの曲は、 3曲の中で最も長く、また、メンデルスゾーンの無言歌集の影響も最も色濃くうかがえます。特にそれは、左手の分散和音に乗って歌われる右手の メロディーが、時折分散和音と重複する書法で書かれていることに現れています。 第３番変イ長調は、初期のフォーレの作品のなかでとりわけ有名です。子守唄風のリズムに順次進行に基づくメロディーが大きな弧を描きます。 転調を経て最初のメロディーが回顧される個所はごく自然なカノンとなって現れ、曲を盛り上げています。 フローラン・サリオ夫人に捧げられています。第2曲目に引き続き、左手の分散和音に乗って右手のメロディーが優美に歌われます。 冒頭の部分は、《ドリー》の＜子守歌＞に通じるものが感じられます。メロディーはこの作品の終結近くで再現された際に、 カノンのような手法で巧妙に扱われます。 フォーレはパリのニーデルメイエール古典宗教音楽学校を卒業後は教会オルガニストとして活躍するも、 若い頃のフォーレは態度が悪く仕事を解雇されたり、普仏戦争が勃発し1870年に歩兵隊に入隊する等落ち着かない時期でした。 戦争に勝利し除隊後、パリのサン・シュルピス教会の補助オルガニストとなる。この頃からサン＝サーンスのサロンの常連となりました。 ダンディ、ラロ、デュパルク、シャブリエ等と知り合い、1871年発足の国民音楽協会のメンバーとなりました。 以後フォーレの作品はこの協会の音楽会で初演されています。 74年マドレーヌ教会オルガニストに、77年合唱長になりました。 フォーレはリストに出会い、各地を旅してワーグナーのオペラの多くを観て熱中するも、影響を受けることはありませんでした。 83年結婚。85年父の死をきっかけに「レクイエム」に取りかかりました。ほぼ完成した88年に母が亡くなり、完成は1900年に持ち越されました。 合唱長の仕事と個人レッスンのため、作曲は夏期休暇中に限られました。 1877年、５年の交際を経て婚約するも一方的に破棄され、フォーレは深刻な精神的打撃を受けました。 この時期の作品としては、ヴァイオリン・ソナタ第１番作品13、ピアノ四重奏曲第１番作品15、バラード作品19などがあります。 彼は幼少で父が校長をしていた師範学校の教会でハーモニウム（オルガンの一種）を即興的に演奏しました。 10歳でパリのニデルメイェール学校に入学。音楽と宗教教育を特徴とする学校で、11年間ピアノ、オルガン、作曲等を学びました。 1861年からサン＝サーンスにピアノを学びました。シューマン、リスト、ワーグナー等当時最新の音楽作品についても講述し、 生涯にわたる友情を築きました。 1892年６月マドレーヌ教会の主席オルガニスト、同年10月パリ音楽院作曲家教授に就任しました。 この頃から演劇音楽を作曲しました。1898年にはメーテルランク作「ペレアスとメリザンド」の劇付随音楽が初演されました。 後に管弦楽による演奏会用組曲に編曲されて広まりました。 ピアノ作品も素晴らしく、作曲家として名声を高めました。 1905年、パリ音楽院の院長に就任。 1907年頃から難聴に悩まされ、次第に聴力を失いました。 第一次世界大戦（1914?1918年）中も音楽院院長としてパリに留まり、作曲家としても重要な作品を生み出しました。 1920年院長の職を退きました。 79歳で亡くなり、国葬をもって遇されました。 弟子にラヴェル、ケックラン、フロラン・シュミット、デュカス、ナディア・ブーランジェ等の作曲家が名を連ねています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管四重奏 シューベルト：セレナーデ 楽譜

金管四重奏 シューベルト：セレナーデ F.Schubert Serenade (Standchen) 編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。 クラリネット四重奏版、サックス四重奏版、木管四重奏版は発売中です。 恋人への苦しい思いを歌った作品をコンサート・ピースなどに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/gfboL-rbyrI アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html シューベルト 歌曲「セレナーデ」 『シューベルトのセレナーデ(Standchen)』は、オーストリアの作曲家フランツ・シューベルト（Franz Schubert/1797年-1828年）によって書かれました。 『白鳥の歌（Schwanengesang）』の第4曲に当たります。 『白鳥の歌』はシューベルトの死後に、出版社や友人たちによってまとめられました。 従って、歌曲集ではありますが曲ごとの繋がりはありません。 歌曲集「白鳥の歌」１４曲中、第４曲が「セレナーデ」です。 ドイツでは白鳥は死ぬ前に一度だけ鳴くという言い伝えがあり、シューベルトが亡くなる最後の年の作品です。 シューベルト歌曲の中で最も有名なものの一つで、恋人に対する切々たる思いをマンドリンを模した伴奏の上に歌いあげます。 男性が歌う歌詞で、今の時代では少し気恥ずかしいのですが、素晴らしい歌詞です。 セレナーデは夜のしじまに恋人の窓辺に立って歌う愛の歌。 ドイツ語原文では、夜鳴きウグイスと呼ばれるナイチンゲールの声に例えていますが、 この鳥は、ヨーロッパに住み、冬になると暖かいアフリカへと飛び立ちます。　 叶わぬ恋に咽び泣き、愛おしい恋人を誘い出すのが小夜曲です。 アンデルセン童話の「小夜啼鳥」にナイチンゲールと王様のお話があります。　 鳥の鳴き声で王様の病が治るという、それぐらい巧妙で美しい鳴き声です。 ナイチンゲールはヨーロッパの春を告げ、夕方から夜更けまで鳴き通すのです。　 日本語では堀内敬三の訳詞で歌われており、艶めかしさたっぷりです。 ロマン溢れる感傷的な歌詞は、今の時代では作ることは難しく、見事な名文です。　 日本語　歌詞　　堀内敬三　訳詩 　 秘めやかに 闇をぬう 我が調べ 静けさは 果てもなし 来よや君 ささやく木の間を もる月影 もる月影 ひとめもとどかじ たゆたいそ たゆたいそ 君聞くや 音にむせぶ夜の鳥 我が胸の秘め事を そは歌いつ 鳴く音に込めつや 愛の悩み 愛の悩み わりなき思いの かの一節 かの一節 深き思いをば君や知る わが心　さわげり 待てるわれに 出で来よ君 出で来よ ドイツ語歌詞　 Standchen （セレナーデ）　 作詞：ルートヴィヒ・レルシュタープ　 Leise flehen meine Lieder 僕の歌は夜の中を抜け Durch Nacht zu dir; あなたへひっそりとこう訴えかける。 In die stillen Hain hernieder, 静かな森の中へと降りておいで、 Liebchen, komm zu mir! 恋人よ、僕のもとへ！ Flusternd schlanke Wipfel rauschen 細い梢が月の光の中で In des Mondes Licht; ささやくようにざわめいている。 Des Verraters feindlich Lauschen 裏切り者の意地悪い盗み聞きを Furchte, holde, nicht. 怖がる事はない、優しい人よ。 Horst die Nachtigallen schlagen? ナイチンゲールの声が聞こえるかい？ Ach! sie flehen dich, ああ！それはあなたに訴えている。 Mit der Tone susen Klagen 甘い嘆きの音色で Flehen sie fur mich. 僕の代わりに訴えているんだ。 Sie verstehn des Busens Sehnen, ナイチンゲールはこの胸の憧れ、 Kennen Liebesschmerz, 愛の苦しみを知っていて、 Ruhren mit den Silbertonen その銀色の音色で Jedes weiche Herz. やさしい心を揺さぶるんだ。 Las auch die Brust bewegen どうかあなたも胸動かされ、 Liebchen, hore mich! 恋人よ、僕の願いを聞きいておくれ！ Bebend harr' ich dir entgegen! 僕はあなたの前で身もだえ、待ちわびているんだ！ Komm, beglucke mich! 来て、僕を幸せにしておくれ！ 　＜セレナード＞の訳語「小夜曲」はあまり見かけません。 意味するのは、男性が思いを寄せる女性の家の窓辺で夕暮れにうたう歌や器楽でうったえる音楽のことです。 朝方ならフランスにオーバードaubade、イタリアに＜マティナータ＞があります。 夕べの情緒と若々しい愛情を歌いあげた歌曲です。 この＜セレナード＞はシューベルトの没後に編まれた歌曲集『白鳥の歌』14曲のなかにあり、 楽譜を見ると曲名はStandchenシュテンチェンとあります。これが＜Serenade＞の原題です。 ドイツリート[歌曲]というジャンルは、シューベルトが1814年17歳のとき作曲した＜糸を紡ぐグレートヒェン＞で 確立したといわれます。彼は1828年に31歳で亡くなりますが、短い生涯でたくさんの音楽作品を残します。 なかでも「歌曲王」とよばれるように、このジャンルが多く名曲ばかりです。 　シューベルト没年の作品＜セレナード＞は、歌曲集に7曲あるルートヴィヒ・レルシュタープの詩によります。 ハインリヒ・ハイネの詩は6曲あり、なかに＜海辺にてAm Meer＞があって、 字面から独語オンチにはシャンソンのLa Mer(仏語)のように明るい地中海を想像させますが、 ドイツリートのほうは北の暗い海でしょうか、夕暮れの海辺での悲恋をうたった歌のようです。 ハイネはシューマンの歌曲集『詩人の恋』などで知られますが、レルシュタープにはスイスの ルツェルン湖で舟遊びをしたとき波間に映る月影をながめベートーヴェンのあのピアノソナタを思い浮かべて 「月光」と名づけた、という逸話が残いってます。シューベルトは異性にたいし内気で善良で消極的でした。 彼は「愛を歌うと悲しみになり、悲しみを歌うと愛になった」というのです。 彼の生涯を知るには、映画『未完成交響楽』1935、『シューベルト?未完の旅路』53、 『三人姉妹の家』54があります。 　シューベルトが作曲した歌曲は約600曲といわれます。 　シューベルトなら交響曲、管弦楽、五重・四重・三重などの室内楽、ヴァイオリン・ピアノほかの器楽曲など、 やはりすべて美しい作品です。 　セレナードはドイツだけではありません。イタリアにトスティの歌曲＜セレナータ＞があり、 シャンソンにはフランシス・ロペス作曲の＜パリのセレナーデ＞があります。 ティノ・ロッシが映画『Paris chante toujours』1952のなかで若い娘に寄り添い歌いかけています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

デュオのための「マリア・エレナ」楽譜

デュオのための「マリア・エレナ」 Maria Elena Lorenzo Barcelata 編成はCl.3本、Vib.、Marim.、El.Bs.、Drums、Perc.(Tambourine、Guiro、Conga)およびデュオのSoloパートです。 Soloの2名+10名（総勢12名）で演奏できます。 エレキベースはBs.Cl.、B.Sax.に変更可能でパート譜は同梱しています。 Soloパート1同梱の(上声部)楽譜は、 in C-Fl.版（Fl.、Pic.など）、 in B版（Tp.、Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、 in Es版（Es Cl.、A.Sax.など） Soloパート2同梱の(下声部)楽譜は、 in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,など）、 in B版（T.Sax.、Bs.Cl.など）が含まれています。 メキシコの名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/8BE7BulvjA0 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 「マリア・エレナ」は、ロレンソ・バルセラータ（スペイン語と音楽）によって書かれた1932年の人気曲です。 メキシコのピアインターナショナルコーポレーションから出版されました。ザ・ボブ・ラッセルの英語歌詞があります。 この曲は、メキシコのエミリオ・ポルテス・ギル大統領の妻であり、実業家のアレホ・ペラルタの妹であるマリア・エレナ・ペラルタに捧げられました。 彼女は、アレホの息子であるカルロス・ペラルタの叔母です。 英語の歌詞のバージョンは、1940年2月に、ダラスの偉大なウエスタンスウィングバンドの1人であるアドルフホフナーと彼のテキサンズによって録音されました。 ローレンス・ウェルクは、彼のラジオ番組で米国でこの曲を広く注目し、1941年にオーケーレコードのレーベルで注目を集めました。 歌はジミー・ドーシーのオーケストラとボブ・エバリーがボーカルをやってヒットしました。 この記録は1941年5月16日に最初にビルボードチャートに到達し、チャート上で17週間続き、 1941年6月14日に1位にピークを迎えました。「GreenEyes」も1位のヒットだったため、これはメジャーダブルでした。 -サイドヒットレコーディング。 1941年の同じ年に、ウェインキングオーケストラも「マリアエレナ」で2位のヒットを記録しました。 インストルメンタルバージョンは1958年に録音され、1962年にロスインディオスタバハラスとしてよく知られているナタリシオとアンテノールリマによって米国でリリースされました。 この人気のリバイバルは、1963年後半に米国のビルボードポップチャートで6位、ビルボードイージーリスニングチャートで3位になり、 同じ時点で全英シングルチャートで5位になりました。 ファミリーフォーは、1960年代にヘンリックリンドストローム（およびL.バルセロナ）の功績を称えて、スウェーデン語版（「マリヘレナ」と呼ばれる）をリリースしました。 Shadowsは、1967年のアルバムJigsawでこの曲のインストルメンタルバージョンを演奏しました。 ライ・クーダーは、1972年のアルバム「流れ者の物語」でこの曲のインストルメンタルバージョンを演奏しました。 ドイツのギタリストDieterGeikeは、1983年のアルバムHomelandにインストルメンタルバージョンを録音しました。 Flying BurritoBrothersの元ペダルスティールギタリストであるSneakyPete Kleinowは、1994年のアルバムThe Legend and theLegacyに この曲のインストルメンタルバージョンを録音しました。 ディック・デイルはまた、彼の1994年のアルバムでインストバージョンを行って未知の領域。セザリア・エヴォラは、彼女の1999年のアルバム、 上の曲のカバーをカフェアトランがリリースしました。 2002年、マイケル・ブーブレはアルバム「ドリーム」で彼自身のバージョンをリリースしました。 この曲のインストルメンタルバージョンは、1935年にポールムニとベティデイビスが主演した映画ボーダータウンの背景テーマに使用されました。 翌年、メキシコの映画マリアエレナで言葉と音楽が使用されました。 ロス・インディオTabajarasのバージョンがウォン・カーウァイ映画レスリー・チャン主演「欲望の翼」（1990）で使用されています。 ロレンソ・バルセラータ（1898年7月24日? 1943年7月13日）は、ベラクルス州トラリスコヤンで生まれたメキシコの作曲家兼俳優でした。 彼はコレラによってメキシコシティで彼の45才の誕生日の前に死亡しました。 バルセラタは音楽志向の家族に生まれました。彼は14歳で最初の曲「Arroyito」を書きました。 彼は後にタンピコに移り、作曲家のエルネスト・コルタザールとクアルテート・タマウリペコを結成しました。 彼らの名声はすぐに地域全体に広がり、メキシコ政府がキューバのツアーに彼らを送ったとき、彼らは国際的な名声を受け取りました。 そこにいる間、彼らは米国の52週間のツアーを実行するために署名されました。 2人のメンバーが自動車事故で致命傷を負った後、バルセラタはメキシコに戻った。彼の名声が高まり続けるにつれて、彼はカルテットを改革しました。 1932年から、彼はメキシコの映画産業に参入し、死ぬまで著名な映画音楽家になりました。 彼はまた、いくつかの映画で役割を果たしたため、俳優としての名声を獲得しました。 彼の最も有名な曲は「マリア・エレナ」（メキシコでは「あなたは私の心」として彼女をよく知っています）は、 ルチアの夫であるエルネスト・ソト・レイエスの依頼でルチア・マルティネス・ガルシアのために書かれ、それから1万ペソを支払いました。 登録する直前に、バルセラタはそれを愛する彼のビジネスフレンドのアナカルシス「カルチョ」ペラルタにそれを見せ、不思議なことに それはビジネスマンが持っていたガールフレンドの名前である「マリアエレナ」としてすぐに現れます。 「マリアエレナ」は、1936年の同名のメキシコ映画に出演しました。そのバージョンは、 1935年のアメリカ映画ボーダータウンのサウンドトラックにも含まれていました。 それは後に英語に翻訳され、ローレンス・ウェルクによって演奏されましたオーケストラ。別の英語版はJimmyDorseyによって録音されました。 ドーシーのバージョンは1941年にチャートを上回りました。ウェインキングはまた、6月14日の週に2位に達した英語バージョンを記録しました。 これはドーシーバージョンにのみ次点です。トニー・パスターのボーカルバージョンもその月の間にトップ10に到達しました。 それ以来、「マリアエレナ」は数人の異なるミュージシャンによって国際的に録音されています。 1958年、ブラジルのグループLos Indios Tabajarasは、ラテンアメリカ全体で人気を博したバージョンを記録し、その後（1963年）、 米国のチャートで6位、英国のチャートで5位になりました。 1940年代初頭のアメリカでの「マリアエレナ」の人気により、バルセラタは再び国をツアーしました。 彼は1943年にメキシコに戻り、そこでいくつかのラジオ番組を制作する予定でした。しかし、彼は録音が始まる前に7月13日に亡くなりました。 彼は、「Portiaprendiaquerer」や「ElCascabel」など、合計214曲のカタログを残しました。 「エル・カスカベル」の録音は、ボイジャーのゴールデンレコードの曲の1つでした。 このバージョンは、アントニオ・マシエル・イ・ラス・アギリラとエル・マリアッチ・メキシコ・デ・ペペ・ヴィラによって行われたマリアッチの解釈でした。 1970年代後半にボイジャー宇宙探査機に搭載された宇宙に打ち上げられた12インチのアルバム（スタイラス、カートリッジ、使用説明書を完備）に含まれています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管四重奏 モテット より「キリストは我らのために」楽譜

木管四重奏 モテット より「キリストは我らのために」 （アントン・ブルックナー） Christus Factus Est 編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。 サックス四重奏、クラリネット四重奏版、金管四重奏版は発売中です。 ブルックナーの敬虔さを感じる実直で奥深い音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/Pv525uVjFyM Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html ブルックナーは、1884年5月25日に聖木曜日の段階を使用してこのモテットを作曲しました。この作品は、6か月後の11月9日に ウィーナーホフムシッカペルで上演されました。ブルックナーはその作品を彼の生徒の一人であるオッド・ロイドルに捧げました。 元の原稿は個人のコレクション（Dr Wilhelm、Bottmingen ）にありますが、その写本はクレムスミュンスター修道院とオーストリア国立図書館の アーカイブにあります。この作品は、1886年にウィーンのTheodorRattigによって他の3つの 漸進的作品（Locus iste、WAB 23、Os justi、WAB 30、Virga Jesse、WAB 52）と一緒に公開されました。 Christis factus est の歌詞はラテン語です。 Christus factus est pro nobis obediens usque ad mortem autem crucis. propter quod et deus exaltavit illum et dedit illi nomen, quod est super omne nomen. キリストは、わたしたちのために、従順になられた、 死に至るまで、しかも十字架に至るまで。 そのゆえに神は彼を高く挙げ、 彼にすべての名にまさる名をお与えになった。 　 出典は新約聖書・フィリピの信徒への手紙2章8～9節（パウロの書簡）です。 　この手紙は、パウロがＡＤ50年代にマケドニア（ギリシアの北）のフィリピの教会に当てて書いたものです。獄中から書いたものと伝えられています。 　これは「キリスト賛歌」と呼ばれる箇所でパウロ以前にさかのぼる古い祈りの言葉です。 「キリストは、神の身分でありながら、神と等しい者であることに固執しようとは思わず、かえって自分を無にして、僕の身分になり、 人間と同じ者になられました。人間の姿で現れ、へりくだって、死に至るまで、それも十字架の死に至るまで従順でした。 このため、神はキリストを高く上げ、あらゆる名にまさる名をお与えになりました。 こうして、天上のもの、地上のもの、地下のものがすべて、イエスの御名にひざまずき、すべての舌が、『イエス・キリストは主である』と 公に宣(の)べて、父である神をたたえるのです。」2：6‐11 　日本聖公会祈祷書では、復活前主日（しゅろの主日）の聖餐式（ミサ）の「感謝聖別」の中、「特別序唱」としてこの言葉が用いられます。 「ことに、主イエス・キリストは人となり、己(おのれ)を低くして死に至るまで、十字架の死に至るまで従われました。 これは地から挙げられ、すべての人をみもとに引き寄せてくださるためです」 ヨーゼフ・アントン・ブルックナー（Joseph Anton Bruckner, 1824年9月4日 - 1896年10月11日） は、オーストリアの作曲家、オルガニストです。 交響曲と宗教音楽の大家として知られています。 彼はリンツ近くのアンスフェルデンに学校教師の長男として生まれ、村の教会のオルガン奏者を兼ねる父のもとで早くから音楽に親しみました。 13歳で父を失ったのち近くのザンクト・フロリアン修道院の寄宿舎に入り、少年聖歌隊員としてオルガンやピアノ、バイオリンを学びました。 師範学校を経て1841年に助教師となりましたが作曲にも手を染め、ザンクト・フロリアン修道院のオルガン奏者、1856年にはリンツ大聖堂の オルガン奏者に就任しました。以後作曲の勉強に本格的にとりくみ，R.ワーグナーの音楽に傾倒しました。 1864年?1868年、《ミサ曲第１番ニ短調》にはじまる〈三大ミサ曲〉を完成しました。1868年ウィーン音楽院教授に就任し、 1873年からはワーグナーと親交を深めました。また1875年にはウィーン大学講師となり、学生だったマーラーと交流しました。 《交響曲第４番ロマンティック》（1881年初演）以来ようやく高まり始めた作曲家としての名声は60歳の年、 1884年のニキシュによる《交響曲第７番》初演の大成功で頂点を迎え、生涯初の栄光をブルックナーにもたらしました。 1891年ウィーン大学名誉博士の称号を得ました。《交響曲第９番》を未完のまま72歳で永眠。その音楽の基盤には敬虔(けいけん)なカトリック信仰が あり、教会オルガン奏者として精通した多声音楽の伝統とベートーベン以来のドイツ、オーストリア音楽の諸様式とが融合し、 独自の書法を形づくっています。第０番と習作１曲を含む11曲の交響曲（1863年―1896年）のほか、《テ・デウム》（1884年）、 《詩篇第150番》（1892年）など多くの教会音楽、《弦楽五重奏曲》（1879年）などがあります。 ブルックナーには独自の技法や表現があり、それらはブルックナーの名前を付けて呼ばれています。 有名なものでは「ブルックナー開始」があげられますが、これは第1楽章の始まりを弦楽器のトレモロという音を小刻みに演奏する技法で始めるものです。 他には「ブルックナー休止」「ブルックナー・ゼクエンツ」「ブルックナー・ユニゾン」「ブルックナー・リズム」などがあります。 ●ブルックナー開始 第1楽章が弦楽器のトレモロで始まる手法であり、交響曲第2、4、7、8、9番に見られます。ベートーヴェンの『交響曲第9番』に影響を受けています。 ●ブルックナー休止 楽想が変化するときに、管弦楽全体を休止（ゲネラル・パウゼ）させる手法です。 ●ブルックナー・ユニゾン オーケストラ全体によるユニゾン。ゼクエンツと共に用いられて効果を上げます。 ●ブルックナー・リズム (2+3) によるリズム。第4、6番で特徴的である。(3+2) になることもあります。初期の稿では5連符として書かれていたものが、改訂稿では ブルックナー・リズムに替えられている例も見られます。 ●ブルックナー・ゼクエンツ ひとつの音型を繰り返しながら、音楽を盛り上げていく手法。いたるところに見られます。 ●コーダと終止 コーダの前は管弦楽が休止、主要部から独立し、新たに主要動機などを徹底的に展開して頂点まで盛り上げます。 ●和声 ブルックナーの和声法で、響きが濁るので従来多くの作曲家が避けた技法。例えば根音Gとした場合、根音Gに対して、 属9の和音以上に現れる9の音のA♭が半音違いで鳴ること、属11の和音においてBとCが半音違いで鳴ることや、13の和音においてDとE♭が半音違いで鳴ること。 もう一つは対位法の場面で現れ、対旋律や模倣が半音違いで鳴ること。従って和声学上の対斜とは意味が異なりますが、バルトークの ブルーノート風の半音のぶつかりも「対斜」とされているので、ここでは「ブルックナー対斜」と読んでも差し支えありません。 またワーグナーのトリスタン和音がそのまま使われていることがあります。和音の音色を明確にするため同一楽器に当てている例が多く見られます。 和音の機能をはっきりさせるために同楽器の密集配置がほとんどで、これが後期ロマン派の香りを引き立たせる大きな要因となっています。 幼い頃から音楽の才能を発揮していたブルックナーは、10歳くらいの年齢になった際に、オルガン奏者だった父親の代わりに オルガンの演奏を教会で行うことがあったそうです。そして11歳の年には、名付け親でありオルガニストだった人物の元で音楽の教育を 受けることとなりますが、その後父親が亡くなると、すぐに修道院の聖歌隊に入ることになりました。 その後16歳で小学校の補助教員免許を取ると、翌年には補助教員として働き始めますが、そこでは授業以外の雑用や畑仕事なども行う必要がありました。 しばらくして別の場所へと転勤になりますが、移った先はブルックナーにとって良い環境だったらしく、初期の合唱曲が生み出されることとなります。 1855年には、リンツ大聖堂のオルガニストの試験でその席を勝ち取ることとなり、大きな収入を得ていくようになったようです。 しかし同年、ブルックナーは再び作曲の勉強をしたいと考え、6年間に渡ってジーモン・ゼヒターに師事しました。 1868年には、師事していたゼヒターの後にウィーン国立音楽院教授となると、しばらくの間はリンツ大聖堂の仕事と掛け持ちしている状態だったそうです。 作曲を行いながらオルガニストの仕事も継続していたブルックナーは、この時期オルガニストとしてとても高く評価されていました。 ちなみにこのころに作曲されたのが、初期の交響曲である「第1番」「第2番」、そして「第0番」と呼ばれる作品です。 1873年、バイロイトでワーグナーとの交流の機会を得たブルックナーは、自身の「交響曲第3番」を献呈しました。このことは、ワーグナーには 良い印象を与えましたが、当時の反ワーグナー派からは批判を受けることとなったようです。 そして1876年、バイロイト音楽祭を訪れたブルックナーは、作曲してきた交響曲を大幅に改訂することにしました。この時に大幅改訂されたのが、 「交響曲第1番」から「第5番」だったようです。 その後1877年に行われた「第3番」の初演は失敗に終わりますが、次の「第4番」が好評となったためブルックナーは交響曲の作曲家としても 知られるようになります。そして、宗教曲の中の代表作である「テ・デウム」や、「交響曲第7番」などが作曲され、さらに有名になっていきました。 1884年ころから「交響曲第8番」に取り掛かると1887年には初稿が完成しましたが、大幅な改訂を必要としたため現在よく知られている 第2稿が完成したのは1890年でした。 この作品は、ブルックナーの作品の中でも代表作と言える交響曲で、当時のオーストリア皇帝フランツ・ヨーゼフ1世に献呈されています。 また、この「第8番」の改訂の際には、他のいくつかの交響曲も改訂が行われました。 数階建ての建物に住んでいたブルックナーでしたが、体を悪くすると、階段の往復が辛くなっていきました。 それを知ったフランツ・ヨーゼフ1世は、ブルックナーを宮殿敷地内の建物に住まわせることにしたようです。 また、ブルックナーは亡くなる当日まで「交響曲第9番」の作曲を行っていましたが、完成には至らないままとなってしまいました。 当時の音楽界は、ブルックナーが「交響曲第3番」を献呈したワーグナー派と、ドイツ三大Bの内の1人であるブラームス派に分かれていました。 そのためワーグナー派とされていたブルックナーと、ブラームスの仲は良いものではなかったようです。 しかし、「交響曲第8番」に関してはブラームスも評価をしていました。そして、ブルックナーの葬儀の際は遠くから見ていたり、 泣いていたりといった様子が確認されたと言われています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

サックス四重奏 グリーグ :抒情小品集　第4集 Op.47-7 楽譜

サックス四重奏 グリーグ :抒情小品集　第4集 Op.47-7 エレジー Lyriske smastykker No.4 op.47-7 Elegie Grieg, Edvard Hagerup 編成はソプラノ、アルト、テナー、バリトンです。 金管四重奏、クラリネット四重奏、木管四重奏版は発売中です。 ノルウェー色が豊かな名曲をコンサート・ピースなどに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/makGZSMvrTY アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html グリーグはベルゲンというオスロに次ぐ大都市に5人兄弟の第4子として生まれました。 幼少より母親からピアノを習いはじめ、15歳から18歳までは、ドイツのライプツィヒ音楽院で作曲とピアノを学び、 メンデルスゾーンやシューマンらの影響を受けました。 音楽院を卒業後は故郷ベルゲンに戻り、さらに翌1863年にコペンハーゲンで ニールス・ガーデ(Niels Gade, 1817年～1890年)から作曲を教わり、国民楽派の影響を受けたと言われています。 彼はノルウェーの民族音楽から着想を得て、国民楽派の作曲家として注目されました。 民族音楽からの深い影響は『ペール・ギュント』第1組曲の第1曲「朝」の冒頭がノルウェーの民族楽器である ハリングフェーレの共鳴弦を端からつま弾いた時の旋律から始まっていることからもうかがうことができます。 グリーグの肖像は、旧500クローネ紙幣に描かれていました。 グリーグはとても小柄であった。生前は卓越したテクニックのピアニストとしても著名で、自作を携えヨーロッパをたびたび演奏旅行している。晩年のアコースティック録音およびピアノロールが残されており、現在もCDで入手できる。 生地であるノルウェーの旧首都ベルゲンの自然と海をこよなく愛しました。 死後に火葬され、遺言によりトロールハウゲンの住居の下にある湖を望む岩壁に墓が設けられ、一部の遺灰は湖に撒かれました。 グリーグは終世、手のひらに乗るぐらいの小さな蛙の置物や子豚のぬいぐるみを大切にし、 寝る時も一緒だったそうです。演奏会の時は、あがらないように、ポケットの中で蛙の置物をそっと握りしめたそうです。 なお、この蛙の置物と子豚のぬいぐるみはグリーグの家（現在のエドヴァルド・グリーグ博物館）に展示されています。 ちょうどこのグリーグが活躍した時代というのは、当時勢いのあったドイツのロマン派音楽が周辺諸国へと波及し、 それぞれの国の民族的要素と融合した新しい音楽様式が生まれましたが、それを音楽史の中では「国民楽派」と呼んでいます。 その背景には、当時鉄道が整備され人々の移動が容易になったことも関係しているのではないかと思われます。 国民楽派の作曲家たちは、自国の歴史や風物、民謡、民族音楽などを題材にした作品を積極的に作りました。 ロシア、ボヘミア地方、北欧などで様々な作曲家たちが活躍し始めるのがこの時期です。 『抒情小曲集』は、エドヴァルド・グリーグが1867年から1903年にかけて作曲した、全66曲からなるピアノ曲集です。 6～8曲ごとにまとめられて出版され、全10集からなっています。 1867年、《ピアノ協奏曲イ短調 作品１６》で一躍有名になったグリーグは、この年から1901年にかけてこの作品集を書き上げました。 抒情小品は生涯にわたって作曲されているため、グリーグの作風、ピアニズム、その変遷すべてがその中にあらわれていて、 作品群の中でも中心的な存在です。 いずれも1分～６分程度の小品で、ステージ用というよりは、主にサロンや家庭で広く親しまれていました。 どの曲にも標題がつけられていて、それぞれの曲に対して、一つの感情、気分、情景が表現されています。 1867年、第１集を発表しましたが、その後ピアノ、作曲、指揮など多忙だったこともあって、第２集が発表されたのは、 その１６年後でした。第２集から第１０集はある一定の間隔をおきながら続けて作曲されました。 全１０巻で、計６６曲の作品がおさめられています。 グリーグ ： 抒情小品集 第4集 / Lyriske smastykker No.4 op.47 第４集は、第３集の出版からちょうど１０年後にあたる1888年に出版された。比較的やさしい技巧で弾くことができた第３集までの作品と比べ、 第４集以降、やや難易度が増しています。また、第３集にみられたような、全曲を通しての内容の一貫性はありません。 1.即興的ワルツ / op.47-1 "Valse-Impromptu"：民族的な舞曲のリズムにのせて、どことなく物憂げで神経質なメロディがさまようように奏でられます。 Strettoの部分は即興的で、非常に煌びやかな効果をあげています。全体的に単調にならないよう、ハーモニーの変化を感じて演奏しましょう。 2.アルバムのページ / op.47-2 "Albumblad"：なにか輝かしい良き日の思い出を想わせるような、一曲で、技巧的に難しい曲です。 メロディが中心となる主要な箇所と、挿入句的なパッセージの部分とは、効果的に雰囲気を分けて演奏しましょう。 3.メロディー / op.47-3 "Melodie"：和音が一定のリズムを保ちながら、伴奏をきざみ、その上を憂いにみちた旋律が延々と歌われていきます。 和音の中で、いかに旋律を音楽的に奏でることができるかが重要です。そのために、伴奏のリズムに推進力をもたせることも大切でしょう。 4.ハリング / op.47-4 "Halling"：民族的な和声とリズムの面白さが魅力的な曲です。第2集の〈ハリング〉と同じリズムが用いられています。 ５度の音程をシンコペーションのリズムで一定に刻み続けます。時に音量を変化させながらも、このリズムをかなり正しく演奏することが、 曲の雰囲気を出す上で重要です。声部ごとに強迫拍の位置が異なっていることも意識して演奏しましょう。 5.メランコリー / op.47-5 "Melankoli"：タイトルが示すとおり、ため息のような旋律が欝欝とした様子で静かに奏されます。 各部によって、支えになっている持続音が変化しているので、これを意識して、色合いを変化させていきましょう。 6.スプリング・ダンス / op.47-6 "Springdans"：1975年に出版された《家庭音楽集》の中に既におさめられていた曲を改訂した曲です。 舞曲のリズムが刻まれ、その上を活気に満ちた旋律が進んでいきます。大きな跳躍をみせる技巧的な部分、叙情的な中間部など魅力に富んでいます。 中間部の旋律は、比較的あっさりめに演奏するほうが旋律のもつ性格が活かされるでしょう。 和声的な進行を意識し、主要な音の動きを把握して演奏することも大切です。 7.エレジー / op.47-7 "Elegie"：旋律につけられているアクセントは、強く、というよりはテヌート気味に奏されます。 物憂げに繰り返される旋律に対して、下降していく和音の色づけにも心を配りたいところです。 中間部では、装飾音を帯びて増やされた音とともに、抑圧された悲しみも、より増していくように感じられます。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管五重奏 エスコレガンド（滑るように）楽譜

金管五重奏 エスコレガンド（滑るように） タンゴ・ブラジレイロ Escorregando, Tango brasileiro エルネスト・ナザレ 編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。 木管五重奏、サックス五重奏版、クラリネット五重奏版、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/16XSO47bhak Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Escorregando, Tango brasileiro　　エスコレガンド（滑るように）、タンゴ・ブラジレイロ 　ナザレの作品の中でも人気の一曲です。ハ長調、A-B-C-A形式になっています。延々と続く16分音符の旋律（特にBの部分の連打音の所など）は、 題名通り縦横無尽に流れていく何とも楽しい曲です。Cはヘ長調に転調して、左手の跳躍の広いリズムと右手のオクターブの旋律がとても華やかで、 盛り上がりも最高に達します。テンポを落とさずに上手に演奏するのは技巧的に結構難しい曲です。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を知らずしてブラジル音楽は語れません。 南国ののどかな風光と、アフリカの野性的なエネルギーと、ロマンティシズムが渾然と混じり、甘美で、ちょっぴり切ない独特の音楽が聞こえてきます。 ミニョーネはこう述べています。「私は1917年頃にEduardo Soutoの楽譜店でナザレに会ったことがある。ナザレは自作曲を決して急がず、 カンタービレで弾いていた。彼はこう言っていたよ、『私の作品はあちこちでメチャメチャに弾かれている。みんな速く弾きすぎだ。 特に "Apanhei-te, Cavaquinho" は酷いことになっている。あの曲はゆっくりと、左手はカヴァキーニョを思い浮かべてアルペジオで弾くもんだ』と。」 エルネスト・ジュリオ・ナザレー （Ernesto Julio Nazareth （またはNazare とも）, 1863年3月20日 - 1934年2月4日）は、ブラジルのピアニスト・作曲家です。 一生をリオ・デ・ジャネイロで過ごしました。「ブラジル風タンゴ」やショーロなど、国内の民族音楽に影響されたピアノ曲を量産しました。 そのような作曲姿勢から、しばしば「ブラジルのショパン」と呼ばれています。ピアノ以外の音楽教育は学ばなかったため、 残された作品はサロン小品と声楽曲ばかりであり、管弦楽曲や室内楽・カンタータやオラトリオのような分野の大作はなく、作曲技法も必ずしも洗練されていません。 しかしながら、民衆音楽の影響のもとに切り開いた独自の素朴な詩境は、のちにヴィラ＝ロボスから、「ブラジルの魂」と称賛されました。 中産階級ながらもあまり豊かでない下級官吏の家庭に生まれ、ショパンを愛する母親からピアノの手ほどきを受けました。 早い年齢でたぐい稀な音楽的才能が認められ、家族ぐるみで付き合いのあったアフロ＝アメリカンの作曲家、 リュシアン・ランベールにも音楽の手ほどきを受けました。 1873年に母親が亡くなってからもピアノを学び、間もなく作曲も手がけるようになりました。 最初の出版作品のポルカ『ボセ・ベン・サービ"Voce Bem Sabe"』 （あなたはよく御存知）は、14歳になるまでに作曲・出版されました。 その後は、ショーロの楽士たちとたむろして、敏感で独特なリズム感を身につけました。マシシェ maxixe やルンドゥ lundu 、ショーロ choro 、 アフリカ系住民のダンスなど、さまざまな民族舞曲に影響されました。 長年ナザレーは、映画館オデオン座の待合室でピアニストとして働き、ここで最も有名な作品の一つ『オデオン』を作曲しました。 外国から数少ない音楽家がブラジルを訪問した際、オデオン座のナザレーの演奏を見学したといわれています。 1920年代初頭には、音楽ショップにピアニストとして雇われました。顧客が購入する際に持ち寄ってきた楽譜を見ながら、演奏し、 客の要望に沿うかどうかを確認して見せるのが任務でした。客の中に、ナザレー作品の楽譜を手ずから弾こうとする者がいると、止めさせて、 解釈が誤っていると苦情を言うのが常だったそうです。 ナザレーは、心底からのブラジル人音楽家であり、音楽は楽しまれるべきであるとして、それ以上を望みはしませんでした。 ほとんど独学であり、音楽活動のほとんどは、劇場や映画館の伴奏ピアニストとして、あるいは小劇場のアンサンブルでのピアニストとして、 演奏するのに振り当てられました。 そのような劇場アンサンブルの楽団員の知り合いには、後の大作曲家ヴィラ＝ロボスがいて、当時はチェリストとして活動していました。 ナザレーはショーロの発展のおおもとであり、ヴィラ＝ロボスは、これに基づき、後に自らの創作活動を繰り広げていったのです。 ナザレーは、ブラジルの民族音楽以外にも明らかに影響されていて、子供時代にむさぼるようにして学んだショパンの影響が中でも顕著です。 また、1869年にきら星のようにリオ・デ・ジャネイロにデビューして、瞬く間にブラジル楽壇を席巻したゴットシャルクの作風もナザレーにはお馴染みでした。 作品には、19世紀ヨーロッパのクラシック音楽の豊かな和声法がこだましながら、ナザレーの生地ブラジルの、シンコペーションをともなう 民族舞曲のリズム法に織り込まれてゆくのが認められます。そのうえ、アメリカ合衆国のラグタイムや初期のジャズの、小気味よいリズム感も健在です。 これらの要素を統合して一つの有機体へとまとめ上げたことがナザレー独自の能力で、結果的には、ピアノ曲のレパートリーだけでなく、20世紀の音楽にも重要な貢献を果たしています。 ナザレーはショパンやその他のヨーロッパの作曲家から霊感を受けたように、逆に自らも、間接的とはいえ、ヨーロッパの作曲家に何かしらの影響を与えています。 フランス人作曲家のダリユス・ミヨーは、自伝の中で、ブラジル滞在中にリオ・デ・ジャネイロの映画館でナザレーがピアノを演奏する風景を回想しています。 ミヨーはその音楽のリズムにたちどころに虜となって、ブラジル音楽をきわめてやろうと決心したというのです。 その最終的な成果こそが、ミヨーのピアノ曲『ブラジルの想い出 Saudades do Brasil』でした。 ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ばれていますが、作品に副題を好んでつけた点で、ショパンとは違っています。 ショパンやフォーレよりもヨーロッパのサロン音楽の伝統に忠実だったといえます。 しかしながら19世紀から20世紀初頭まで、ヨーロッパではサロン小品にフランス語の題名をつける慣習がまだ根強く残っていたのに対して、 ナザレーは母語のポルトガル語に固執しました。 また題名によって、ドビュッシーやラヴェルのように、美術や文学からのインスピレーションをほのめかしたり、 リストのように詩的な連想を暗示することもありませんでした。 ナザレーの曲名には、しばしば第三者にとって謎めいた響きをもつものもありますが、それらは実在するスポーツチームやダンスクラブ、雑誌名など、 ナザレーの日常生活の周辺から切り取られたものばかりです。このような意味で、ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ぶよりは、むしろ 「ブラジルのクープラン」と呼んでこそふさわしいかも知れません。 およそ300曲のピアノ小品において、ナザレーはみごとに、大衆的なブラジル舞曲のエッセンスを捕まえています。 ナザレーは、厳密には都会の聴衆のために作曲したのですが、その作品には、（ブラジルで奴隷制が廃止された1888年以降の作品でも、） アフリカ系民族音楽の豊かな影響が息づいています。ほとんどの曲に、スコット・ジョプリンが発想したようなシンコペーションが使われています。 ナザレーのピアノ曲には、ブラジルのありとあらゆるダンスが盛り込まれています。マシシ（英語版）、バトゥーキ（英語版）、 サンバ、 そして中でも重要なのがタンゴです。後に世界中を熱狂させ、席巻したタンゴが、ブラジル生まれだったというだけでなく、 実際にはナザレー自身の創り出したジャンルだったという証拠になるからです。 もしそれが間違いだったとしても、「ブラジル風タンゴ」の発展のほとんどにナザレーがかかわっていて、このジャンルに優に100曲を残しています。 最も有名な作品に、『ブレジェイロ（ろくでなし）"Brejeiro"』『アメノ・ヘゼダ"Ameno Reseda"』『バンビーノ（赤ん坊）"Bambino"』 『トラベッス（腕白坊主）"Travesso"』『フォン・フォン"Fon-Fon"』『テネブローズ（暗闇）"Tenebroso"』があります。 ナザレーが初めて「ショーロ」と呼んだ作品のうち、『アパニェイチ・カヴァキーニョ（頑張れカバキーニョ）"Apanhei-te Cavaquinho"』は、 さまざまな楽器アンサンブルによって演奏できる、古典的名作です。 晩年になって完全に聴覚を失うと、創作活動にも支障をきたしましたが、それでもブラジル国内ではなかなかナザレー人気は衰えませんでした。 ゴットシャルクやジョプリンを評価する人たちなら、ナザレーの残した魅力的な宝石たちをきっとたちまち気に入るに違いありません。 作曲者の死後から半世紀を経た近年になって、ナザレー作品を集めたアルバム制作が世界的にも相次いでいて、最近では伝記や、 作曲者に関するCD-ROMも発表されています。ナザレーは、クラシックとポピュラー音楽にまたがって活動したことから、ナザレーのピアノ曲は、 クラシックの学び手にも、ポピュラー音楽の学び手にも、有用な教材とされつつあります。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

クラリネット五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第1巻 「信頼」楽譜

クラリネット五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第1巻 「信頼」 Op.19-4 U 73 Lieder ohne Worte Heft 1　"Confidence" A-Dur Op.19-4 U 73 Mendelssohn, Felix 編成はCl.4本、Bs,Cl.です。 金管五重奏版、サックス五重奏版、木管五重奏版は発売中です。 可愛らしくもロマンチックで優美なメロディーを、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/8xuOxItKlUM Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 『無言歌集 Lieder ohne Worte』は、メンデルスゾーンが生涯にわたって作曲したピアノ独奏のための作品集です。 全8巻からなり、各巻6曲ずつで合計48曲が収められています。 メンデルスゾーンのピアノ作品として最も有名で、しかもロマン派の教材として取り上げられることの多いのが「無言歌集」です。 ワーグナーが「第一級の風景画家」と言ったように、メンデルスゾーンは情景描写や標題音楽の作曲において才能を発揮しています。 この“言葉のない歌曲”、「無言歌」、という形でメンデルスゾーンは心象風景や感情描写までも、表現しました。 歌曲風の旋律をもった器楽曲であるため、旋律線をはっきりと浮き立たせ、抒情的に演奏することが重要です。 メンデルスゾーンが活躍したこの時期、ブルジョアジーの家庭を中心に、ピアノが教養として普及しました。 そのため、家庭で気楽に弾ける作品が多く作られましたが、この《無言歌集》もその一つです。 《無言歌集》は各６曲ずつの計８集からなり、生前に出版されたのは、第6集までです。第７集は、1851年、第８集は1867年に出版されました。 1832年、第１集を出版したときには、メンデルスゾーンは、《ピアノのためのメロディー》と記していて、《無言歌集》の名称を もつようになったのは1835年に第２集を出版してからのことでした。 標題をもっているものが多いのですが、作曲者自身によってつけられたものはわずかです。 実際、メンデルスゾーンは標題をつけることによって、音楽的な想像力が限定されることを嫌っていたようです。 4曲目の「信頼」は、ないしょの話（内緒話）とも呼ばれています。 曲想が特に優美で温かく親しみやすいことが特徴です。 第1巻 １．ホ長調「甘い思い出」 / op.19-1 (1831) 全体を流れるなめらかな16部音符の上に、抒情的な旋律がうたわれます。 2．イ短調「後悔」 / op.19-2 (1832) 3.イ長調「狩人の歌」 / op.19-3 (1832) 勇ましい狩りの情景がえがかれます。第３曲〈狩人の歌〉という標題は、メンデルスゾーン自身もみとめていたニックネームです。 6曲中最も有名な曲です。 4.イ長調「信頼」 / op.19-4(1829) 5.嬰ヘ短調「眠れぬままに」 / op.19-5 (1831) ポコ・アジタート、四分の六拍子で情熱的な趣をもつ。無言歌の中ではめずらしいソナタ形式をとっています。 6.ト短調「ヴェネツィアの舟歌 第1」 / op.19-6 (1830) ６曲中メンデルスゾーン自身が命名した唯一の曲です。無言歌曲集には、他に同名の作品が3曲あり、 これらは「ゴンドラ・リート」と呼ばれます。これらの作品は波の上を揺れ動くような動きを特徴しています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管五重奏 夕べの歌 Op.85-12 楽譜

木管五重奏 夕べの歌 Op.85-12 小さな子供と大きな子供のための12の連弾小品 Op.85から 12.「夕べの歌」 12.Abendlied R.シューマン Schumann, Robert:12 Vierhandige Clavierstucke fur kleine und grosse Kinder Op.85 編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。 金管五重奏版、サックス五重奏版、クラリネット五重奏版は発売中です。 ドイツ・ロマン派を代表するR.シューマンの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/vu-8eaWgOJM Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 元はシューマンのピアノ連弾曲集「小さな子供と大きな子供のための12のピアノ曲集 （Klavierstucke fur kleine und grose Kinder）」Op.85の 12曲中最後に収められている曲で「夕べの歌（Abendlied）」です。 その美しさゆえに、多くの人によってバイオリンやチェロのために編曲されています。 曲集は次のような12曲から成っています。 1.誕生日の行進曲 Op.85-1 演奏時間：2分30秒 2.熊の踊り Op.85-2 演奏時間：2分00秒 3.庭園のメロディ Op.85-3 演奏時間：2分30秒 4.花環を編みながら Op.85-4 演奏時間：2分00秒 5.クロアチア人の行進 Op.85-5 演奏時間：2分30秒 6.嘆き Op.85-6 演奏時間：2分00秒 7.騎士の馬上試合の行進.輪舞 Op.85-7 演奏時間：5分00秒 8.輪舞 Op.85-8 演奏時間：2分00秒 9.噴水のほとりで Op.85-9 演奏時間：2分30秒 10.かくれんぼ Op.85-10 演奏時間：1分30秒 11.お化けの話 Op.85-11 演奏時間：2分30秒 12.夕べの歌 Op.85-12 演奏時間：3分00秒 ロベルト・アレクサンダー・シューマン（ドイツ語: Robert Alexander Schumann, 1810年6月8日 - 1856年7月29日）は、 ドイツ・ロマン派を代表する作曲家です。ローベルト・シューマンと表記されることもあります。 ベートーヴェンやシューベルトの音楽のロマン的後継者として位置づけられ、交響曲から合唱曲まで幅広い分野で作品を残しました。 特にピアノ曲と歌曲において高い評価を得ています。 シューマンが生まれたのは1810年6月8日、ザクセンのツヴィッカウという小さな町で、父フリードリヒ・アウグストとヨハンナの間の 4男1女の子供たちの末子として生まれました。 父フリードリヒ･アウグストは書籍出版・販売業を営んでいて、その関係でシューマンの兄のエドゥアルト、カール、ユーリウスも 書籍業を営むことになり、このような中でシューマンは、幼い時期から数多くの文学書に囲まれる生活環境にありました。 父は文学をこよなく愛し、優れた文学書を刊行するだけではなく、今日の文庫本の刊行を手がけたことでも知られています。 母親のヨハンナは音楽を愛好し、その関係から彼は早い時期から音楽に親しみ、シューマンの音楽熱はこの母親から受け継ぎました。 シューマンは早くから芸術とくに音楽への関心を示し、7歳（1817年）から教会オルガニスト、ヨハン・ゴットフリート・クンチュに ピアノを師事するようになりました。8歳（1818年）のとき、母と保養地のカールスバートに5週間滞在し、同地でモシェレスの演奏を聴きました。 当時、高い評価を得ていたこのボヘミア出身の作曲家で名ピアニストの演奏との出会いはシューマンのその後の音楽的資質の開花に影響しました。 10歳（1820年）にギムナジウム（9年制の学校）に入学し、ふたたびカールスバートでモシェレスの演奏を聴きました。 すでにこの頃から作曲の試みを始め、シューマンは14歳のときに完成した「詩篇150番」は、1821年、シューマン11歳の頃に最初の構想を抱いて 作曲を進めていて、1822年にその一部を学生仲間と初演しています。 この作品はシューマンの創作の現存するもっとも初期の作品ですが、ソプラノとアルト、それに2Fl.2Ob,Fg,2Trp,ティンパニ、2Vl,Vla,ピアノという 大規模な編成の作品です。少年時代のシューマンは作曲とともに特にピアノの演奏に親しみ、とくにピアノ練習曲で用いていたフンメルや ベートーヴェンのほかに、シューベルトの作品を演奏していました。このシューベルト体験は強い印象を与え、シューベルトの音楽は長くその後の 彼の創作に影響を及ぼすことになりました。 1826年に父親が没し、姉のエミーリエは自殺しました。感情の起伏の激しい姉の性格はシューマンにも受け継がれており、それはさらに シューマンの息子のルートヴィヒにも継承されています。シューマンは裕福な商人カールス家に出入りするようになり、同家で催される演奏会で ベートーヴェンやモーツァルトなどの作品に接しました。1827年7月、この家の主人の甥で医師のエルンスト・カールスの妻アグネス・カールスに会い、 アグネスを通してシューベルトの歌曲の魅力を知りました。ジャン・パウルの小説に夢中になるようになるのもこの頃からです。 1829年5月、シューマンは、ハイデルベルクに向かう旅で南ドイツを回りました。マイン川およびライン川沿いを馬車で下り、フランクフルト、 マインツ、コブレンツなどを経由して5月21日にハイデルベルクに到着しました。このとき初めてライン川を見たシューマンは感銘を受け、 母親に宛てて次のように書き送っています。 「老いて堂々とした父なるラインの初めて見せる光景を、冷静な心全体で受け止めることができるように、ぼくは目を閉じました。 それから目を開いてみますと、ライン川はぼくの前に古いドイツの神のようにゆったりと、音も立てず、厳粛に、誇らしげに横たわり、 それとともに、山や、谷のすべてがぶどうの楽園である、花が咲き緑なすラインガウのすばらしい全景が広がっていたのです」 1829年5月、母ヨハンナに宛てたシューマンの手紙 彼は1834年ごろから精神障害の症状に悩まされるようになりました。1844年にライプツィヒからドレスデンへ、1850年にデュッセルドルフへと移住して 指揮者としても活動しました。この間、子供向けのピアノ曲を作曲するなど教育分野での貢献も残しました。 1853年にヨハネス・ブラームス（1833年 - 1897年）と出会い、「新しい道」と題する論文で若き天才として紹介しましたが、翌1854年に ライン川に投身自殺を図りました。救助されたシューマンはボン近郊のエンデニヒの療養所に収容され、2年後の1856年に46歳でこの世を去りました。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

サックス四重奏「G線上のアリア」楽譜

サックス四重奏「G線上のアリア」 Air On The G String J.S.Bach 編成はソプラノ、アルト、テナー、バリトンです。 金管四重奏版、木管四重奏版、クラリネット四重奏版は発売中です。 中編成吹奏楽譜も発売中です。 優雅で美しいバッハの魅力をぜひ味わってください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/A8DTThbxA9I Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 穏やかで優雅で荘厳な美しさに溢れているメロディーでみんなに”G線上のアリア”で親しまれているこの曲は ヨハン・セバスティアン・バッハ(1685年から1750年)がおそらくケーテン時代の36才から37才の頃、 管弦樂組曲第３番二長調.BWV1068の第２曲(=エア（アリア）)として 書かれたものが原曲となった曲です。 バッハが生きていた時には評判にもならず、バッハが亡くなって100年のちに発掘され 曲を演奏されることによって、ようやくこの曲にスポットライトが当てられました。 まだこの時はほぼ原曲のままだったと思われます。 バッハがヴァイオリニストの地位も確立して来た頃、G線だけで演奏するという事が話題に上っていたようです。 流行にのって1871年にドイツのヴァイオリニストのアウグスト・ヴイルヘルミ(1845年から1908年)が バッハのアリアを原曲にバイオリンのG線(＝テーマメロディがバイオリンの四本の弦の一番低い音のG弦） だけで弾けるように編曲することで、世の中に広く”G線上のアリア”として知られ親しまれる曲となりました。 現在では広くヴァイオリンや他の楽器が他の線で弾く時にも”G線上のアリア”として紹介されるようになり、 ”G線上のアリア”と言う名が世に浸透しました。 バッハ一族は音楽家の家系で、数多くの音楽家を輩出しましたが、 中でも、ヨハン・ゼバスティアン・バッハはその功績の大きさから、大バッハとも呼ばれています。 一般的にはJ・S・バッハとも略記されています。 ヨハン・ゼバスティアン・バッハ（Johann Sebastian Bach, 1685年3月31日 - 1750年7月28日） は、18世紀のドイツで活躍した作曲家・音楽家です。 バロック音楽の重要な作曲家の一人で、鍵盤楽器の演奏家としても高名であり、 当時から即興演奏の大家として知られていました。バッハ研究者の見解では、 バッハはバロック音楽の最後尾に位置する作曲家としてそれまでの音楽を集大成したとも評価されていますが、 後世には、西洋音楽の基礎を構築した作曲家であり音楽の源流であるとも捉えられ、 日本の音楽教育では「音楽の父」と称されました。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管五重奏と打楽器のための「クリサンシマム（菊）」楽譜

金管五重奏と打楽器のための「クリサンシマム（菊）」 The Chrysanthemum An Afro-American Intermezzo Scott Joplin 編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaに加えてDrumsです。 打楽器（ドラムセット）を含めて総勢6名になります。 金管八重奏版、木管八重奏版、クラリネット五重奏版、サックス五重奏版、木管五重奏版は発売中です。 スコット・ジョプリンのラグタイムをコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/e-4kAUHKno4 アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 「クリサンシマム」（The Chrysanthemum）は、1904年にスコット・ジョプリンが作曲したピアノ曲です。 ジョプリンが「2度目の妻 Freddie Alexander に捧げた」とも言われている落ち着いた雰囲気のラグタイム作品です。 クリサンシマムは菊の花の意味です。ラテン語の属名を英語読みにして「クリサンセマム」または略して「マム」と呼ぶこともありますが、 これは種としてのキクを指す場合と、キク属を指す場合とがあります。 属名はギリシア語の "chryso-"「黄金の」と "‐anthemon"「花」に由来し、菊に黄色い花が多いことによっています。 ラグタイム王スコット・ジョプリン スコット・ジョプリンはアメリカ黒人が作り上げた音楽スタイル「ラグタイム ragtime」の中で、 最も良く知られている作曲家／ピアニストです。 明治維新の年にテキサス州テキサカーナで生まれ、1917年、ニューヨークで亡くなりました。 1885年から1893年にかけてはセントルイスのナイト・クラブで演奏し、90年代にはミズーリ州のセダリアの ザ・クイーン・シティ・ニグロ・バンドでコルネットを吹いていました。 93年には、シカゴ万博にも出演しています。 当時のアメリカでは、楽曲はシート・ミュージック（楽譜）の売り買いによって世間に広まりましたが、 ジョプリンも例外ではなく「Please Say You Will」「Picture of Your Face」など自作曲の権利を売っていました。 彼にとって初めてのラグタイム曲となる「Original Rags」（1899年）も同様でした。 しかし、彼の代表作「メイプル・リーフ・ラグ Maple Leaf Rag」は印税契約という、当時の黒人としては異例の方法が取られました。 そして、この契約を申し出たジョン・スターク（白人）と共同歩調を取ることによってスコット・ジョプリンは、 ラグタイムの象徴となりました。 ちなみに「メイプル・リーフ・ラグ」（1899年）のシート・ミュージックは、発売されたその年だけで７万５千部も売れました。 ジョプリンはその後、たくさんのラグタイム曲を出版しましたが、彼の望みはバレーやオペラなど「格の高いジャンル」で 認められることでした。このような彼の意識背景には、アメリカの黒人差別がありました。 ジョプリンはバレー曲「The Ragtime Dance」（1902年）、オペラ「The Guest of Honor」（03年）を作曲しましたが、 ことごとくが失敗に終わりました（「The Guest of Honor」は出版されなかった）。 そうこうしているうちに、ラグタイムに影響され、より黒人色の強いジャズが台頭しきました。 ラグタイムがアメリカ最初の「自国の音楽」として欧米で持て囃されたのは19世紀末から1920年あたりだと言われていますが、 ジョプリンはまさにその短い時代に世に出て、そして亡くなったミュージシャンでした。 1910年頃には彼は梅毒におかされ、17年に亡くなりました。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

クラリネット四重奏 シューベルト：セレナーデ

クラリネット四重奏 シューベルト：セレナーデ F.Schubert Serenade (Standchen) 編成はBbクラリネット3本、バスクラリネットです。 サックス四重奏、金管四重奏、木管四重奏版は発売中です。 恋人への苦しい思いを歌った作品をコンサート・ピースなどに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/cHsTmY2j8B8 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html シューベルト 歌曲「セレナーデ」 『シューベルトのセレナーデ(Standchen)』は、オーストリアの作曲家フランツ・シューベルト（Franz Schubert/1797年-1828年）によって書かれました。 『白鳥の歌（Schwanengesang）』の第4曲に当たります。 『白鳥の歌』はシューベルトの死後に、出版社や友人たちによってまとめられました。 従って、歌曲集ではありますが曲ごとの繋がりはありません。 歌曲集「白鳥の歌」１４曲中、第４曲が「セレナーデ」です。 ドイツでは白鳥は死ぬ前に一度だけ鳴くという言い伝えがあり、シューベルトが亡くなる最後の年の作品です。 シューベルト歌曲の中で最も有名なものの一つで、恋人に対する切々たる思いをマンドリンを模した伴奏の上に歌いあげます。 男性が歌う歌詞で、今の時代では少し気恥ずかしいのですが、素晴らしい歌詞です。 セレナーデは夜のしじまに恋人の窓辺に立って歌う愛の歌。 ドイツ語原文では、夜鳴きウグイスと呼ばれるナイチンゲールの声に例えていますが、 この鳥は、ヨーロッパに住み、冬になると暖かいアフリカへと飛び立ちます。　 叶わぬ恋に咽び泣き、愛おしい恋人を誘い出すのが小夜曲です。 アンデルセン童話の「小夜啼鳥」にナイチンゲールと王様のお話があります。　 鳥の鳴き声で王様の病が治るという、それぐらい巧妙で美しい鳴き声です。 ナイチンゲールはヨーロッパの春を告げ、夕方から夜更けまで鳴き通すのです。　 日本語では堀内敬三の訳詞で歌われており、艶めかしさたっぷりです。 ロマン溢れる感傷的な歌詞は、今の時代では作ることは難しく、見事な名文です。　 日本語　歌詞　　堀内敬三　訳詩 　 秘めやかに 闇をぬう 我が調べ 静けさは 果てもなし 来よや君 ささやく木の間を もる月影 もる月影 ひとめもとどかじ たゆたいそ たゆたいそ 君聞くや 音にむせぶ夜の鳥 我が胸の秘め事を そは歌いつ 鳴く音に込めつや 愛の悩み 愛の悩み わりなき思いの かの一節 かの一節 深き思いをば君や知る わが心　さわげり 待てるわれに 出で来よ君 出で来よ ドイツ語歌詞　 Standchen （セレナーデ）　 作詞：ルートヴィヒ・レルシュタープ　 Leise flehen meine Lieder 僕の歌は夜の中を抜け Durch Nacht zu dir; あなたへひっそりとこう訴えかける。 In die stillen Hain hernieder, 静かな森の中へと降りておいで、 Liebchen, komm zu mir! 恋人よ、僕のもとへ！ Flusternd schlanke Wipfel rauschen 細い梢が月の光の中で In des Mondes Licht; ささやくようにざわめいている。 Des Verraters feindlich Lauschen 裏切り者の意地悪い盗み聞きを Furchte, holde, nicht. 怖がる事はない、優しい人よ。 Horst die Nachtigallen schlagen? ナイチンゲールの声が聞こえるかい？ Ach! sie flehen dich, ああ！それはあなたに訴えている。 Mit der Tone susen Klagen 甘い嘆きの音色で Flehen sie fur mich. 僕の代わりに訴えているんだ。 Sie verstehn des Busens Sehnen, ナイチンゲールはこの胸の憧れ、 Kennen Liebesschmerz, 愛の苦しみを知っていて、 Ruhren mit den Silbertonen その銀色の音色で Jedes weiche Herz. やさしい心を揺さぶるんだ。 Las auch die Brust bewegen どうかあなたも胸動かされ、 Liebchen, hore mich! 恋人よ、僕の願いを聞きいておくれ！ Bebend harr' ich dir entgegen! 僕はあなたの前で身もだえ、待ちわびているんだ！ Komm, beglucke mich! 来て、僕を幸せにしておくれ！ 　＜セレナード＞の訳語「小夜曲」はあまり見かけません。 意味するのは、男性が思いを寄せる女性の家の窓辺で夕暮れにうたう歌や器楽でうったえる音楽のことです。 朝方ならフランスにオーバードaubade、イタリアに＜マティナータ＞があります。 夕べの情緒と若々しい愛情を歌いあげた歌曲です。 この＜セレナード＞はシューベルトの没後に編まれた歌曲集『白鳥の歌』14曲のなかにあり、 楽譜を見ると曲名はStandchenシュテンチェンとあります。これが＜Serenade＞の原題です。 ドイツリート[歌曲]というジャンルは、シューベルトが1814年17歳のとき作曲した＜糸を紡ぐグレートヒェン＞で 確立したといわれます。彼は1828年に31歳で亡くなりますが、短い生涯でたくさんの音楽作品を残します。 なかでも「歌曲王」とよばれるように、このジャンルが多く名曲ばかりです。 　シューベルト没年の作品＜セレナード＞は、歌曲集に7曲あるルートヴィヒ・レルシュタープの詩によります。 ハインリヒ・ハイネの詩は6曲あり、なかに＜海辺にてAm Meer＞があって、 字面から独語オンチにはシャンソンのLa Mer(仏語)のように明るい地中海を想像させますが、 ドイツリートのほうは北の暗い海でしょうか、夕暮れの海辺での悲恋をうたった歌のようです。 ハイネはシューマンの歌曲集『詩人の恋』などで知られますが、レルシュタープにはスイスの ルツェルン湖で舟遊びをしたとき波間に映る月影をながめベートーヴェンのあのピアノソナタを思い浮かべて 「月光」と名づけた、という逸話が残いってます。シューベルトは異性にたいし内気で善良で消極的でした。 彼は「愛を歌うと悲しみになり、悲しみを歌うと愛になった」というのです。 彼の生涯を知るには、映画『未完成交響楽』1935、『シューベルト?未完の旅路』53、 『三人姉妹の家』54があります。 　シューベルトが作曲した歌曲は約600曲といわれます。 　シューベルトなら交響曲、管弦楽、五重・四重・三重などの室内楽、ヴァイオリン・ピアノほかの器楽曲など、 やはりすべて美しい作品です。 　セレナードはドイツだけではありません。イタリアにトスティの歌曲＜セレナータ＞があり、 シャンソンにはフランシス・ロペス作曲の＜パリのセレナーデ＞があります。 ティノ・ロッシが映画『Paris chante toujours』1952のなかで若い娘に寄り添い歌いかけています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第1巻 「信頼」 Op.19-4 楽譜

木管五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第1巻 「信頼」 Op.19-4 Lieder ohne Worte Heft 1　"Confidence" A-Dur Op.19-4 U 73 Mendelssohn, Felix 編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。 金管五重奏版、クラリネット五重奏版、サックス五重奏版は発売中です。 可愛らしくもロマンチックで優美なメロディーを、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/OT5XTKIz9e4 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 『無言歌集 Lieder ohne Worte』は、メンデルスゾーンが生涯にわたって作曲したピアノ独奏のための作品集です。 全8巻からなり、各巻6曲ずつで合計48曲が収められています。 メンデルスゾーンのピアノ作品として最も有名で、しかもロマン派の教材として取り上げられることの多いのが「無言歌集」です。 ワーグナーが「第一級の風景画家」と言ったように、メンデルスゾーンは情景描写や標題音楽の作曲において才能を発揮しています。 この“言葉のない歌曲”、「無言歌」、という形でメンデルスゾーンは心象風景や感情描写までも、表現しました。 歌曲風の旋律をもった器楽曲であるため、旋律線をはっきりと浮き立たせ、抒情的に演奏することが重要です。 メンデルスゾーンが活躍したこの時期、ブルジョアジーの家庭を中心に、ピアノが教養として普及しました。 そのため、家庭で気楽に弾ける作品が多く作られましたが、この《無言歌集》もその一つです。 《無言歌集》は各６曲ずつの計８集からなり、生前に出版されたのは、第6集までです。第７集は、1851年、第８集は1867年に出版されました。 1832年、第１集を出版したときには、メンデルスゾーンは、《ピアノのためのメロディー》と記していて、《無言歌集》の名称を もつようになったのは1835年に第２集を出版してからのことでした。 標題をもっているものが多いのですが、作曲者自身によってつけられたものはわずかです。 実際、メンデルスゾーンは標題をつけることによって、音楽的な想像力が限定されることを嫌っていたようです。 4曲目の「信頼」は、ないしょの話（内緒話）とも呼ばれています。 曲想が特に優美で温かく親しみやすいことが特徴です。 第1巻 １．ホ長調「甘い思い出」 / op.19-1 (1831) 全体を流れるなめらかな16部音符の上に、抒情的な旋律がうたわれます。 2．イ短調「後悔」 / op.19-2 (1832) 3.イ長調「狩人の歌」 / op.19-3 (1832) 勇ましい狩りの情景がえがかれます。第３曲〈狩人の歌〉という標題は、メンデルスゾーン自身もみとめていたニックネームです。 6曲中最も有名な曲です。 4.イ長調「信頼」 / op.19-4(1829) 5.嬰ヘ短調「眠れぬままに」 / op.19-5 (1831) ポコ・アジタート、四分の六拍子で情熱的な趣をもつ。無言歌の中ではめずらしいソナタ形式をとっています。 6.ト短調「ヴェネツィアの舟歌 第1」 / op.19-6 (1830) ６曲中メンデルスゾーン自身が命名した唯一の曲です。無言歌曲集には、他に同名の作品が3曲あり、 これらは「ゴンドラ・リート」と呼ばれます。これらの作品は波の上を揺れ動くような動きを特徴しています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

サックス四重奏 モテット より「キリストは我らのために」楽譜

サックス四重奏 モテット より「キリストは我らのために」 （アントン・ブルックナー） Christus Factus Est 編成はソプラノ、アルト、テナー、バリトンです。 木管四重奏、クラリネット四重奏版、金管四重奏版は発売中です。 ブルックナーの敬虔さを感じる実直で奥深い音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/2AF1VyFJn94 Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html ブルックナーは、1884年5月25日に聖木曜日の段階を使用してこのモテットを作曲しました。この作品は、6か月後の11月9日に ウィーナーホフムシッカペルで上演されました。ブルックナーはその作品を彼の生徒の一人であるオッド・ロイドルに捧げました。 元の原稿は個人のコレクション（Dr Wilhelm、Bottmingen ）にありますが、その写本はクレムスミュンスター修道院とオーストリア国立図書館の アーカイブにあります。この作品は、1886年にウィーンのTheodorRattigによって他の3つの 漸進的作品（Locus iste、WAB 23、Os justi、WAB 30、Virga Jesse、WAB 52）と一緒に公開されました。 Christis factus est の歌詞はラテン語です。 Christus factus est pro nobis obediens usque ad mortem autem crucis. propter quod et deus exaltavit illum et dedit illi nomen, quod est super omne nomen. キリストは、わたしたちのために、従順になられた、 死に至るまで、しかも十字架に至るまで。 そのゆえに神は彼を高く挙げ、 彼にすべての名にまさる名をお与えになった。 　 出典は新約聖書・フィリピの信徒への手紙2章8～9節（パウロの書簡）です。 　この手紙は、パウロがＡＤ50年代にマケドニア（ギリシアの北）のフィリピの教会に当てて書いたものです。獄中から書いたものと伝えられています。 　これは「キリスト賛歌」と呼ばれる箇所でパウロ以前にさかのぼる古い祈りの言葉です。 「キリストは、神の身分でありながら、神と等しい者であることに固執しようとは思わず、かえって自分を無にして、僕の身分になり、 人間と同じ者になられました。人間の姿で現れ、へりくだって、死に至るまで、それも十字架の死に至るまで従順でした。 このため、神はキリストを高く上げ、あらゆる名にまさる名をお与えになりました。 こうして、天上のもの、地上のもの、地下のものがすべて、イエスの御名にひざまずき、すべての舌が、『イエス・キリストは主である』と 公に宣(の)べて、父である神をたたえるのです。」2：6‐11 　日本聖公会祈祷書では、復活前主日（しゅろの主日）の聖餐式（ミサ）の「感謝聖別」の中、「特別序唱」としてこの言葉が用いられます。 「ことに、主イエス・キリストは人となり、己(おのれ)を低くして死に至るまで、十字架の死に至るまで従われました。 これは地から挙げられ、すべての人をみもとに引き寄せてくださるためです」 ヨーゼフ・アントン・ブルックナー（Joseph Anton Bruckner, 1824年9月4日 - 1896年10月11日） は、オーストリアの作曲家、オルガニストです。 交響曲と宗教音楽の大家として知られています。 彼はリンツ近くのアンスフェルデンに学校教師の長男として生まれ、村の教会のオルガン奏者を兼ねる父のもとで早くから音楽に親しみました。 13歳で父を失ったのち近くのザンクト・フロリアン修道院の寄宿舎に入り、少年聖歌隊員としてオルガンやピアノ、バイオリンを学びました。 師範学校を経て1841年に助教師となりましたが作曲にも手を染め、ザンクト・フロリアン修道院のオルガン奏者、1856年にはリンツ大聖堂の オルガン奏者に就任しました。以後作曲の勉強に本格的にとりくみ，R.ワーグナーの音楽に傾倒しました。 1864年?1868年、《ミサ曲第１番ニ短調》にはじまる〈三大ミサ曲〉を完成しました。1868年ウィーン音楽院教授に就任し、 1873年からはワーグナーと親交を深めました。また1875年にはウィーン大学講師となり、学生だったマーラーと交流しました。 《交響曲第４番ロマンティック》（1881年初演）以来ようやく高まり始めた作曲家としての名声は60歳の年、 1884年のニキシュによる《交響曲第７番》初演の大成功で頂点を迎え、生涯初の栄光をブルックナーにもたらしました。 1891年ウィーン大学名誉博士の称号を得ました。《交響曲第９番》を未完のまま72歳で永眠。その音楽の基盤には敬虔(けいけん)なカトリック信仰が あり、教会オルガン奏者として精通した多声音楽の伝統とベートーベン以来のドイツ、オーストリア音楽の諸様式とが融合し、 独自の書法を形づくっています。第０番と習作１曲を含む11曲の交響曲（1863年―1896年）のほか、《テ・デウム》（1884年）、 《詩篇第150番》（1892年）など多くの教会音楽、《弦楽五重奏曲》（1879年）などがあります。 ブルックナーには独自の技法や表現があり、それらはブルックナーの名前を付けて呼ばれています。 有名なものでは「ブルックナー開始」があげられますが、これは第1楽章の始まりを弦楽器のトレモロという音を小刻みに演奏する技法で始めるものです。 他には「ブルックナー休止」「ブルックナー・ゼクエンツ」「ブルックナー・ユニゾン」「ブルックナー・リズム」などがあります。 ●ブルックナー開始 第1楽章が弦楽器のトレモロで始まる手法であり、交響曲第2、4、7、8、9番に見られます。ベートーヴェンの『交響曲第9番』に影響を受けています。 ●ブルックナー休止 楽想が変化するときに、管弦楽全体を休止（ゲネラル・パウゼ）させる手法です。 ●ブルックナー・ユニゾン オーケストラ全体によるユニゾン。ゼクエンツと共に用いられて効果を上げます。 ●ブルックナー・リズム (2+3) によるリズム。第4、6番で特徴的である。(3+2) になることもあります。初期の稿では5連符として書かれていたものが、改訂稿では ブルックナー・リズムに替えられている例も見られます。 ●ブルックナー・ゼクエンツ ひとつの音型を繰り返しながら、音楽を盛り上げていく手法。いたるところに見られます。 ●コーダと終止 コーダの前は管弦楽が休止、主要部から独立し、新たに主要動機などを徹底的に展開して頂点まで盛り上げます。 ●和声 ブルックナーの和声法で、響きが濁るので従来多くの作曲家が避けた技法。例えば根音Gとした場合、根音Gに対して、 属9の和音以上に現れる9の音のA♭が半音違いで鳴ること、属11の和音においてBとCが半音違いで鳴ることや、13の和音においてDとE♭が半音違いで鳴ること。 もう一つは対位法の場面で現れ、対旋律や模倣が半音違いで鳴ること。従って和声学上の対斜とは意味が異なりますが、バルトークの ブルーノート風の半音のぶつかりも「対斜」とされているので、ここでは「ブルックナー対斜」と読んでも差し支えありません。 またワーグナーのトリスタン和音がそのまま使われていることがあります。和音の音色を明確にするため同一楽器に当てている例が多く見られます。 和音の機能をはっきりさせるために同楽器の密集配置がほとんどで、これが後期ロマン派の香りを引き立たせる大きな要因となっています。 幼い頃から音楽の才能を発揮していたブルックナーは、10歳くらいの年齢になった際に、オルガン奏者だった父親の代わりに オルガンの演奏を教会で行うことがあったそうです。そして11歳の年には、名付け親でありオルガニストだった人物の元で音楽の教育を 受けることとなりますが、その後父親が亡くなると、すぐに修道院の聖歌隊に入ることになりました。 その後16歳で小学校の補助教員免許を取ると、翌年には補助教員として働き始めますが、そこでは授業以外の雑用や畑仕事なども行う必要がありました。 しばらくして別の場所へと転勤になりますが、移った先はブルックナーにとって良い環境だったらしく、初期の合唱曲が生み出されることとなります。 1855年には、リンツ大聖堂のオルガニストの試験でその席を勝ち取ることとなり、大きな収入を得ていくようになったようです。 しかし同年、ブルックナーは再び作曲の勉強をしたいと考え、6年間に渡ってジーモン・ゼヒターに師事しました。 1868年には、師事していたゼヒターの後にウィーン国立音楽院教授となると、しばらくの間はリンツ大聖堂の仕事と掛け持ちしている状態だったそうです。 作曲を行いながらオルガニストの仕事も継続していたブルックナーは、この時期オルガニストとしてとても高く評価されていました。 ちなみにこのころに作曲されたのが、初期の交響曲である「第1番」「第2番」、そして「第0番」と呼ばれる作品です。 1873年、バイロイトでワーグナーとの交流の機会を得たブルックナーは、自身の「交響曲第3番」を献呈しました。このことは、ワーグナーには 良い印象を与えましたが、当時の反ワーグナー派からは批判を受けることとなったようです。 そして1876年、バイロイト音楽祭を訪れたブルックナーは、作曲してきた交響曲を大幅に改訂することにしました。この時に大幅改訂されたのが、 「交響曲第1番」から「第5番」だったようです。 その後1877年に行われた「第3番」の初演は失敗に終わりますが、次の「第4番」が好評となったためブルックナーは交響曲の作曲家としても 知られるようになります。そして、宗教曲の中の代表作である「テ・デウム」や、「交響曲第7番」などが作曲され、さらに有名になっていきました。 1884年ころから「交響曲第8番」に取り掛かると1887年には初稿が完成しましたが、大幅な改訂を必要としたため現在よく知られている 第2稿が完成したのは1890年でした。 この作品は、ブルックナーの作品の中でも代表作と言える交響曲で、当時のオーストリア皇帝フランツ・ヨーゼフ1世に献呈されています。 また、この「第8番」の改訂の際には、他のいくつかの交響曲も改訂が行われました。 数階建ての建物に住んでいたブルックナーでしたが、体を悪くすると、階段の往復が辛くなっていきました。 それを知ったフランツ・ヨーゼフ1世は、ブルックナーを宮殿敷地内の建物に住まわせることにしたようです。 また、ブルックナーは亡くなる当日まで「交響曲第9番」の作曲を行っていましたが、完成には至らないままとなってしまいました。 当時の音楽界は、ブルックナーが「交響曲第3番」を献呈したワーグナー派と、ドイツ三大Bの内の1人であるブラームス派に分かれていました。 そのためワーグナー派とされていたブルックナーと、ブラームスの仲は良いものではなかったようです。 しかし、「交響曲第8番」に関してはブラームスも評価をしていました。そして、ブルックナーの葬儀の際は遠くから見ていたり、 泣いていたりといった様子が確認されたと言われています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管四重奏 グリーグ :抒情小品集　第4集 Op.47-7 楽譜

金管四重奏 グリーグ :抒情小品集　第4集 Op.47-7 エレジー Lyriske smastykker No.4 op.47-7 Elegie Grieg, Edvard Hagerup 編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。 クラリネット四重奏版、サックス四重奏版、木管四重奏版は発売中です。 ノルウェー色が豊かな名曲をコンサート・ピースなどに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/DADo3__BQWo アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html グリーグはベルゲンというオスロに次ぐ大都市に5人兄弟の第4子として生まれました。 幼少より母親からピアノを習いはじめ、15歳から18歳までは、ドイツのライプツィヒ音楽院で作曲とピアノを学び、 メンデルスゾーンやシューマンらの影響を受けました。 音楽院を卒業後は故郷ベルゲンに戻り、さらに翌1863年にコペンハーゲンで ニールス・ガーデ(Niels Gade, 1817年～1890年)から作曲を教わり、国民楽派の影響を受けたと言われています。 彼はノルウェーの民族音楽から着想を得て、国民楽派の作曲家として注目されました。 民族音楽からの深い影響は『ペール・ギュント』第1組曲の第1曲「朝」の冒頭がノルウェーの民族楽器である ハリングフェーレの共鳴弦を端からつま弾いた時の旋律から始まっていることからもうかがうことができます。 グリーグの肖像は、旧500クローネ紙幣に描かれていました。 グリーグはとても小柄であった。生前は卓越したテクニックのピアニストとしても著名で、自作を携えヨーロッパをたびたび演奏旅行している。晩年のアコースティック録音およびピアノロールが残されており、現在もCDで入手できる。 生地であるノルウェーの旧首都ベルゲンの自然と海をこよなく愛しました。 死後に火葬され、遺言によりトロールハウゲンの住居の下にある湖を望む岩壁に墓が設けられ、一部の遺灰は湖に撒かれました。 グリーグは終世、手のひらに乗るぐらいの小さな蛙の置物や子豚のぬいぐるみを大切にし、 寝る時も一緒だったそうです。演奏会の時は、あがらないように、ポケットの中で蛙の置物をそっと握りしめたそうです。 なお、この蛙の置物と子豚のぬいぐるみはグリーグの家（現在のエドヴァルド・グリーグ博物館）に展示されています。 ちょうどこのグリーグが活躍した時代というのは、当時勢いのあったドイツのロマン派音楽が周辺諸国へと波及し、 それぞれの国の民族的要素と融合した新しい音楽様式が生まれましたが、それを音楽史の中では「国民楽派」と呼んでいます。 その背景には、当時鉄道が整備され人々の移動が容易になったことも関係しているのではないかと思われます。 国民楽派の作曲家たちは、自国の歴史や風物、民謡、民族音楽などを題材にした作品を積極的に作りました。 ロシア、ボヘミア地方、北欧などで様々な作曲家たちが活躍し始めるのがこの時期です。 『抒情小曲集』は、エドヴァルド・グリーグが1867年から1903年にかけて作曲した、全66曲からなるピアノ曲集です。 6～8曲ごとにまとめられて出版され、全10集からなっています。 1867年、《ピアノ協奏曲イ短調 作品１６》で一躍有名になったグリーグは、この年から1901年にかけてこの作品集を書き上げました。 抒情小品は生涯にわたって作曲されているため、グリーグの作風、ピアニズム、その変遷すべてがその中にあらわれていて、 作品群の中でも中心的な存在です。 いずれも1分～６分程度の小品で、ステージ用というよりは、主にサロンや家庭で広く親しまれていました。 どの曲にも標題がつけられていて、それぞれの曲に対して、一つの感情、気分、情景が表現されています。 1867年、第１集を発表しましたが、その後ピアノ、作曲、指揮など多忙だったこともあって、第２集が発表されたのは、 その１６年後でした。第２集から第１０集はある一定の間隔をおきながら続けて作曲されました。 全１０巻で、計６６曲の作品がおさめられています。 グリーグ ： 抒情小品集 第4集 / Lyriske smastykker No.4 op.47 第４集は、第３集の出版からちょうど１０年後にあたる1888年に出版された。比較的やさしい技巧で弾くことができた第３集までの作品と比べ、 第４集以降、やや難易度が増しています。また、第３集にみられたような、全曲を通しての内容の一貫性はありません。 1.即興的ワルツ / op.47-1 "Valse-Impromptu"：民族的な舞曲のリズムにのせて、どことなく物憂げで神経質なメロディがさまようように奏でられます。 Strettoの部分は即興的で、非常に煌びやかな効果をあげています。全体的に単調にならないよう、ハーモニーの変化を感じて演奏しましょう。 2.アルバムのページ / op.47-2 "Albumblad"：なにか輝かしい良き日の思い出を想わせるような、一曲で、技巧的に難しい曲です。 メロディが中心となる主要な箇所と、挿入句的なパッセージの部分とは、効果的に雰囲気を分けて演奏しましょう。 3.メロディー / op.47-3 "Melodie"：和音が一定のリズムを保ちながら、伴奏をきざみ、その上を憂いにみちた旋律が延々と歌われていきます。 和音の中で、いかに旋律を音楽的に奏でることができるかが重要です。そのために、伴奏のリズムに推進力をもたせることも大切でしょう。 4.ハリング / op.47-4 "Halling"：民族的な和声とリズムの面白さが魅力的な曲です。第2集の〈ハリング〉と同じリズムが用いられています。 ５度の音程をシンコペーションのリズムで一定に刻み続けます。時に音量を変化させながらも、このリズムをかなり正しく演奏することが、 曲の雰囲気を出す上で重要です。声部ごとに強迫拍の位置が異なっていることも意識して演奏しましょう。 5.メランコリー / op.47-5 "Melankoli"：タイトルが示すとおり、ため息のような旋律が欝欝とした様子で静かに奏されます。 各部によって、支えになっている持続音が変化しているので、これを意識して、色合いを変化させていきましょう。 6.スプリング・ダンス / op.47-6 "Springdans"：1975年に出版された《家庭音楽集》の中に既におさめられていた曲を改訂した曲です。 舞曲のリズムが刻まれ、その上を活気に満ちた旋律が進んでいきます。大きな跳躍をみせる技巧的な部分、叙情的な中間部など魅力に富んでいます。 中間部の旋律は、比較的あっさりめに演奏するほうが旋律のもつ性格が活かされるでしょう。 和声的な進行を意識し、主要な音の動きを把握して演奏することも大切です。 7.エレジー / op.47-7 "Elegie"：旋律につけられているアクセントは、強く、というよりはテヌート気味に奏されます。 物憂げに繰り返される旋律に対して、下降していく和音の色づけにも心を配りたいところです。 中間部では、装飾音を帯びて増やされた音とともに、抑圧された悲しみも、より増していくように感じられます。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

クラリネット五重奏 シューベルト:軍隊行進曲 第1番 楽譜

クラリネット五重奏 シューベルト:軍隊行進曲 第1番 3 Marches militaires Schubert, Franz 編成はCl.4本、Bs.Cl.です。 木管五重奏、サックス五重奏版、金管五重奏版は発売中です。 シューベルトの明るく活発な名曲を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/6y-vb0AeAdw Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html フランツ・ペーター・シューベルト（Franz Peter Schubert/1797年?1828年）の『軍隊行進曲』は、ピアノ連弾のための曲集で 彼のピアノ作品の中でも有名なものです。 特に第1番は広く知られており、管弦楽用やピアノ独奏用にも編曲され親しまれています。 作曲年は諸説ありますが、1818年が有力だと現在ではされています。 作曲されたとされる1818年頃、シューベルトは貧しい生活を送っていました。 1816年に教師の職を辞めたことで、安定して稼げる仕事がなくなったためです。 しかし仕事を辞めてからは音楽を愛する仲間たちと出会い、彼らに助けられて貧しいながらも充実した時間を過ごしていました。 また1818年は作曲した作品数自体は少ないものの、シューベルトが自らの作品のためのコンサートを初めておこなった年でした。 さらには同年夏(1818年)、シューベルトはエステルハージ伯爵一家の音楽教師としてハンガリーのツェリスにも招かれます。 エステルハージ伯爵家には2人の娘がいましたので、そのために連弾曲が書かれたと推測もされています。 シューベルトはこの地でとても楽しい夏を過ごしたと言われています。 その影響もあるのか、『軍隊行進曲』は3曲とも明るく活発な音楽が印象的です。 この年は、シューベルトにとって明るい道筋が少しずつ開けるような年だったようです。 軍隊行進曲 シューベルト シューベルト(Franz Peter Schubert/1797?1828) 『軍隊行進曲』は、シューベルトがピアノ連弾のために作曲した曲集『3つの軍隊行進曲 Trois Marches Militaires』 D733 作品51。 作曲された年については諸説あり、一説によれば、シューベルトがエステルハージ伯爵家の娘の教師を務めていた頃と説明されることがあります。 この作品の第１番は、現在シューベルトの作品の中でもっともポピュラーなピアノ曲のひとつとして、独奏されることが多いのですが、 もとはピアノ連弾曲である。シューベルトがジェリズに赴任していた1818年に作曲されました。 この年はエステルハージ伯爵家のふたりの娘にピアノを教授するため、多くの連弾曲が生み出されています。 この行進曲は３曲とも、明るい力強さの中に軽やかさを備えた楽しい連弾曲であり、 エステルハージ家での楽しいピアノ・レッスンの風景を想像させる作品です。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

Solo+木管五重奏 「明日！」R.シュトラウス Op.27-4 楽譜

Solo+木管五重奏 「明日！」R.シュトラウス Op.27-4 Morgen! リヒャルト・シュトラウス Richard Strauss 編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.およびSoloパートです。Fl.パートはOb.でも演奏可能です。 同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、 in C版（Ob.、Mallet Perc.など）、 in C-Fl.版（Fl.、Pic.）、 in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,、St.Bs.など）、 Tubaは1オクターブ下げて演奏できます。 in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、 in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。 多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め4種類から選ぶことができます。 クラリネット五重奏版、サックス五重奏版、金管五重奏版は発売中です。 ドイツ近代の巨匠を味わえる美しい名曲を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/ECObWW9r6UU Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 「明日!」（ドイツ語: Morgen!）作品27-4は、リヒャルト・シュトラウスが1894年に作曲した歌曲です。 タイトルの「Morgen!」は、「明日!」「あした!」「あした」「あしたには!」「明日（あす）の朝」など、さまざまに訳されています。 新婚の妻パウリーネのために書かれたと伝えられる「4つの歌曲」作品27の締めくくりに位置します。シュトラウスの作品のなかでも特にロマンティックなものの一つとされ、 知名度が高い作品です。簡素ながら、非常に繊細な美しさを持った作品で、ジェラルド・ムーアは著書『歌手と伴奏者』のなかで、 「『壊れものにつき、取扱注意』のラベルを張るべきである」と述べています。 ジョン・ヘンリー・マッケイ（英語版）によるテクストは、明日、輝く太陽のもとで、愛し合う二人が再び一つになるだろう、というきわめて希望に満ちた愛の詩で、 やや感傷的ですが、儚く、繊細な詩です。シュトラウスもそれを受けて、繊細の極みといってよい音楽をつけました。 Langsam, sehr getragen（ゆるやかに、きわめて落ち着いて）、ト長調、4/4拍子。最初のフレーズが解決しないうちに、歌がサブドミナントで入ってくる開始は非常に印象的です。 作曲者自身による管弦楽編曲もあり、そこでは、一貫してアルペッジョをハープが、主旋律を独奏ヴァイオリンが受け持っています。 シュトラウスは色々なタイプの歌曲を書いていますが、こういった世紀末の詩人たちのメロメロにロマンティックな詩につけた甘美な歌曲は特に魅力的です。 ただ歌詞は「そして」という単語がやや多いようです。 長めのピアノのイントロがあって、これは美しいピアノの小品か、と思うと歌が始まるのはフォーレの「月の光」と同じ。オーケストラ版ではヴァイオリン・ソロが旋律を歌い、 これも非常に美しい作品です。 詩はスコットランド生まれの作家、思想家のジョン・ヘンリー・マッケイによるものです。 この作品は、まずピアノパートの甘く美しい長めの前奏で始まることが特徴的で、歌はピアノの前奏曲の途中からさりげなく入ってきます。 恋人同士のこのうえなく甘美で幸せな世界を歌ったものですが、日本でグレアム・ジョンソンがこの曲を演奏する前に 「明日はもっと良くなるという内容です。そして明日は恋人たちだけでなく、すべての人に平和と幸福を与えてくれます。」と言っています。 シュトラウストの音楽性を堪能し、メロディーの美しいレガートに酔いしれるというのが、この作品の楽しみ方でしょう。 1894年作曲。 ト長調、4分の4拍子、全43小節 Langsam sehr getragen(ゆっくりと、非常に荘重に) ---------- Morgen! 　明日！ Und morgen wird die Sonne wieder scheinen, und auf dem Wege, den ich gehen werde, wird uns, die Glucklichen, sie wieder einen inmitten dieser sonnenatmenden Erde... 　そして明日には太陽が再び輝くだろう、 　そして私の歩む道で 　私たち、幸せな二人を再び一つにするだろう、 　この太陽の息づく大地のさなかで。 Und zu dem Strand, dem weiten, wogenblauen, werden wir still und langsam niedersteigen, Stumm werden wir uns in die Augen schauen, und auf uns sinkt des Gluckes stummes Schweigen... 　そして広々として、青く波立つ浜辺へと 　私たちは静かに、ゆっくりと下りていき、 　黙ったまま相手の目を見つめるだろう。 　すると幸せの無言の沈黙が私たちに降りてくるのだ。 詩：John Henry Mackay (1864-1933) 曲：Richard Georg Strauss (1864-1949) アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

サックス五重奏と打楽器のためのスザート・ダンスリー組曲 Vol.2 楽譜

サックス五重奏と打楽器のためのスザート・ダンスリー組曲 Vol.2 Danserye Danses Vol.2 Tielman Susato 編成はCl.4本、Bs,Cl.に加えて打楽器2名です。 管楽器1パート2名ずつ+打楽器2名で演奏すれば 場面ごとに音量変化がつけられて効果的でしょう。 その場合は12名で演奏することになります。 繰り返しの際は装飾音などで様々なバリエーションを楽しみましょう。 クラリネット五重奏版、木管五重奏版、金管五重奏版は発売中です。 スザート・ダンスリー組曲 Vol.1も発売中です。 中世・ルネッサンス音楽のシンプルで楽しげなメロディーを、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/rgSjI4Jt9cc アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html ティールマン・スザート（Tielman Susato 1500年頃 - 1562年頃）は、ルネサンス期の作曲家で、 アントウェルペンにおける器楽奏者、出版業者です。 スザート(1550～1562)はフランドル地方のアントワープを中心に活動した作・編曲家です。 しかし彼自身の作曲した代表作といったものはなく、むしろ活版印刷機を用いて器楽編曲と自作曲を出版した、 いわゆる楽譜出版者としての方が有名です。 彼の名を有名にしているのは、フランドル(現在のオランダ南部、ベルギー西部、フランス北部にかけての地域)において 最初の音楽出版社を設立した功績でしょう。 1551年に出版された「ダンスリー」と呼ばれる曲集は、当時のヨーロッパで親しまれていた作者不明の シャンソン、ポピュラー・ソングおよびポピュラー・ダンスなどのメロディをもとに編曲・編集し印刷出版されたものです。 なおこの曲集は、スザートが出版した唯一の舞曲集であると考えられていますが、 その素晴らしさから現在に至るまで多くの人々に親しまれ、彼の名を不動のものとしています。 今回「ダンスリー」を編曲するにあたって「原典」に近い楽譜、ショット社から1936年に出版された F.J.ギースベルト(Giesbert)校訂の楽譜を使用し、次の6曲（全11曲）をセレクトしました。 6.ロンド IX 7.私の望み 8.アルマーニュ(アルマンド)VIII 9.それは大きな間違い 10.パッセ・メディオ〔パッサメッゾ〕 11.ベルジュレ・サン・ロック 以下はVol.1に収録 1.モリスク(モーロ風) 2.四拍子のブランル 3.ファゴット 4.ロンド II "わが友" 5.パヴァーヌ IX "戦い" 打楽器が、リズムをくり返しますが省略可能です。 当時、太鼓とタンバリンはとても重要な楽器とされていました。楽譜上で書かれていない部分でも、 複数の楽器を組み合わせて演奏するのも良いでしょう。 全38曲からなるこの曲集は、ありとあらゆる古楽器を駆使して描かれた舞曲によって構成されています。 次のような映画にスザートの楽曲が使われました。 娼婦ベロニカ（マーシャル・ハーコヴィッツ1998） インポスターズ（スタンリー・トゥッチ1998） エリザベス（シェーカル・カプール1998） エリザベス　ゴールデン・エイジ（シェカール・カプール2007） 絵の中のぼくの村（東陽一1996） 暗殺（チェ・ドンフン2015） 楽隊のうさぎ（鈴木卓爾2013） 16世紀、ヨーロッパ、美術、建築、文学、思想の世界では自由闊達に様々な形で花開く時代に突入しました。その豊かな文化の中で、 民衆が踊り楽しんだ音楽がこの楽譜集「ダンスリー」です。素朴で哀愁を帯びたメロディを聴きながら、ルネサンス時代を感じながら、 その時代に思いをはせて楽しめる曲集です。 これらの曲は今のオランダやフランス周辺で民衆が踊る時に使われていたものです。 当時、教会では禁止されていた「踊り」が街の中では楽譜集が出版されるほど盛んにおこなわれていたということも興味深い史実です。 その頃、日本は安土桃山時代。少しずつ西洋文化が日本にも伝わり始めた頃です。火縄銃やカステラが西洋から伝わった頃になります。 それらを想像しながら聴いてみるのも面白いでしょう。 「踊り」の音楽ですから、打楽器なども付け加えることで、より踊りやすく、聴きやすく、楽しくなっています。 このような、楽しい「ルネサンス舞曲集」なのですが、吹奏楽を経験されていた方はこれらの曲を演奏したことがあるかも知れません。 「スザートのルネサンス舞曲」というタイトルで、金管五重奏曲として幅広く演奏されています。 世界のブラスのトップ・プレーヤーたちの名演もたくさんCDとして出ていて、 吹奏楽コンクールのアンサンブル部門では定番の曲になっています。 小学校、中学校で学んだリコーダーアンサンブルの定番楽曲でもあります。 ルネサンス期、16世紀のヨーロッパ地方で流行していた旋律を、ダンス曲としてアレンジされた楽しい楽譜集、 スザートの『ダンスリー』はブラス・アンサンブル「ルネサンス舞曲集」でおなじみのメロディのオリジナル楽譜として、 一方では、リコーダー愛好家にとってはバイブルとなっている作品です。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管五重奏 夕べの歌 楽譜

金管五重奏 夕べの歌 小さな子供と大きな子供のための12の連弾小品 Op.85から 12.「夕べの歌」 12.Abendlied R.シューマン Schumann, Robert:12 Vierhandige Clavierstucke fur kleine und grosse Kinder Op.85 編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。 木管五重奏、サックス五重奏版、クラリネット五重奏版は発売中です。 ドイツ・ロマン派を代表するR.シューマンの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/6pYJUhoU4bY Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 元はシューマンのピアノ連弾曲集「小さな子供と大きな子供のための12のピアノ曲集 （Klavierstucke fur kleine und grose Kinder）」Op.85の 12曲中最後に収められている曲で「夕べの歌（Abendlied）」です。 その美しさゆえに、多くの人によってバイオリンやチェロのために編曲されています。 曲集は次のような12曲から成っています。 1.誕生日の行進曲 Op.85-1 演奏時間：2分30秒 2.熊の踊り Op.85-2 演奏時間：2分00秒 3.庭園のメロディ Op.85-3 演奏時間：2分30秒 4.花環を編みながら Op.85-4 演奏時間：2分00秒 5.クロアチア人の行進 Op.85-5 演奏時間：2分30秒 6.嘆き Op.85-6 演奏時間：2分00秒 7.騎士の馬上試合の行進.輪舞 Op.85-7 演奏時間：5分00秒 8.輪舞 Op.85-8 演奏時間：2分00秒 9.噴水のほとりで Op.85-9 演奏時間：2分30秒 10.かくれんぼ Op.85-10 演奏時間：1分30秒 11.お化けの話 Op.85-11 演奏時間：2分30秒 12.夕べの歌 Op.85-12 演奏時間：3分00秒 ロベルト・アレクサンダー・シューマン（ドイツ語: Robert Alexander Schumann, 1810年6月8日 - 1856年7月29日）は、 ドイツ・ロマン派を代表する作曲家です。ローベルト・シューマンと表記されることもあります。 ベートーヴェンやシューベルトの音楽のロマン的後継者として位置づけられ、交響曲から合唱曲まで幅広い分野で作品を残しました。 特にピアノ曲と歌曲において高い評価を得ています。 シューマンが生まれたのは1810年6月8日、ザクセンのツヴィッカウという小さな町で、父フリードリヒ・アウグストとヨハンナの間の 4男1女の子供たちの末子として生まれました。 父フリードリヒ･アウグストは書籍出版・販売業を営んでいて、その関係でシューマンの兄のエドゥアルト、カール、ユーリウスも 書籍業を営むことになり、このような中でシューマンは、幼い時期から数多くの文学書に囲まれる生活環境にありました。 父は文学をこよなく愛し、優れた文学書を刊行するだけではなく、今日の文庫本の刊行を手がけたことでも知られています。 母親のヨハンナは音楽を愛好し、その関係から彼は早い時期から音楽に親しみ、シューマンの音楽熱はこの母親から受け継ぎました。 シューマンは早くから芸術とくに音楽への関心を示し、7歳（1817年）から教会オルガニスト、ヨハン・ゴットフリート・クンチュに ピアノを師事するようになりました。8歳（1818年）のとき、母と保養地のカールスバートに5週間滞在し、同地でモシェレスの演奏を聴きました。 当時、高い評価を得ていたこのボヘミア出身の作曲家で名ピアニストの演奏との出会いはシューマンのその後の音楽的資質の開花に影響しました。 10歳（1820年）にギムナジウム（9年制の学校）に入学し、ふたたびカールスバートでモシェレスの演奏を聴きました。 すでにこの頃から作曲の試みを始め、シューマンは14歳のときに完成した「詩篇150番」は、1821年、シューマン11歳の頃に最初の構想を抱いて 作曲を進めていて、1822年にその一部を学生仲間と初演しています。 この作品はシューマンの創作の現存するもっとも初期の作品ですが、ソプラノとアルト、それに2Fl.2Ob,Fg,2Trp,ティンパニ、2Vl,Vla,ピアノという 大規模な編成の作品です。少年時代のシューマンは作曲とともに特にピアノの演奏に親しみ、とくにピアノ練習曲で用いていたフンメルや ベートーヴェンのほかに、シューベルトの作品を演奏していました。このシューベルト体験は強い印象を与え、シューベルトの音楽は長くその後の 彼の創作に影響を及ぼすことになりました。 1826年に父親が没し、姉のエミーリエは自殺しました。感情の起伏の激しい姉の性格はシューマンにも受け継がれており、それはさらに シューマンの息子のルートヴィヒにも継承されています。シューマンは裕福な商人カールス家に出入りするようになり、同家で催される演奏会で ベートーヴェンやモーツァルトなどの作品に接しました。1827年7月、この家の主人の甥で医師のエルンスト・カールスの妻アグネス・カールスに会い、 アグネスを通してシューベルトの歌曲の魅力を知りました。ジャン・パウルの小説に夢中になるようになるのもこの頃からです。 1829年5月、シューマンは、ハイデルベルクに向かう旅で南ドイツを回りました。マイン川およびライン川沿いを馬車で下り、フランクフルト、 マインツ、コブレンツなどを経由して5月21日にハイデルベルクに到着しました。このとき初めてライン川を見たシューマンは感銘を受け、 母親に宛てて次のように書き送っています。 「老いて堂々とした父なるラインの初めて見せる光景を、冷静な心全体で受け止めることができるように、ぼくは目を閉じました。 それから目を開いてみますと、ライン川はぼくの前に古いドイツの神のようにゆったりと、音も立てず、厳粛に、誇らしげに横たわり、 それとともに、山や、谷のすべてがぶどうの楽園である、花が咲き緑なすラインガウのすばらしい全景が広がっていたのです」 ??1829年5月、母ヨハンナに宛てたシューマンの手紙 彼は1834年ごろから精神障害の症状に悩まされるようになりました。1844年にライプツィヒからドレスデンへ、1850年にデュッセルドルフへと移住して 指揮者としても活動しました。この間、子供向けのピアノ曲を作曲するなど教育分野での貢献も残しました。 1853年にヨハネス・ブラームス（1833年 - 1897年）と出会い、「新しい道」と題する論文で若き天才として紹介しましたが、翌1854年に ライン川に投身自殺を図りました。救助されたシューマンはボン近郊のエンデニヒの療養所に収容され、2年後の1856年に46歳でこの世を去りました。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

クラリネット五重奏 エスコレガンド（滑るように）楽譜

クラリネット五重奏 エスコレガンド（滑るように） タンゴ・ブラジレイロ Escorregando, Tango brasileiro エルネスト・ナザレ 編成はCl.4本、Bs,Cl.です。 木管五重奏、サックス五重奏版、金管五重奏、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/o8RR4Ltl7hE Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html Escorregando, Tango brasileiro　　エスコレガンド（滑るように）、タンゴ・ブラジレイロ 　ナザレの作品の中でも人気の一曲です。ハ長調、A-B-C-A形式になっています。延々と続く16分音符の旋律（特にBの部分の連打音の所など）は、 題名通り縦横無尽に流れていく何とも楽しい曲です。Cはヘ長調に転調して、左手の跳躍の広いリズムと右手のオクターブの旋律がとても華やかで、 盛り上がりも最高に達します。テンポを落とさずに上手に演奏するのは技巧的に結構難しい曲です。 「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を知らずしてブラジル音楽は語れません。 南国ののどかな風光と、アフリカの野性的なエネルギーと、ロマンティシズムが渾然と混じり、甘美で、ちょっぴり切ない独特の音楽が聞こえてきます。 ミニョーネはこう述べています。「私は1917年頃にEduardo Soutoの楽譜店でナザレに会ったことがある。ナザレは自作曲を決して急がず、 カンタービレで弾いていた。彼はこう言っていたよ、『私の作品はあちこちでメチャメチャに弾かれている。みんな速く弾きすぎだ。 特に "Apanhei-te, Cavaquinho" は酷いことになっている。あの曲はゆっくりと、左手はカヴァキーニョを思い浮かべてアルペジオで弾くもんだ』と。」 エルネスト・ジュリオ・ナザレー （Ernesto Julio Nazareth （またはNazare とも）, 1863年3月20日 - 1934年2月4日）は、ブラジルのピアニスト・作曲家です。 一生をリオ・デ・ジャネイロで過ごしました。「ブラジル風タンゴ」やショーロなど、国内の民族音楽に影響されたピアノ曲を量産しました。 そのような作曲姿勢から、しばしば「ブラジルのショパン」と呼ばれています。ピアノ以外の音楽教育は学ばなかったため、 残された作品はサロン小品と声楽曲ばかりであり、管弦楽曲や室内楽・カンタータやオラトリオのような分野の大作はなく、作曲技法も必ずしも洗練されていません。 しかしながら、民衆音楽の影響のもとに切り開いた独自の素朴な詩境は、のちにヴィラ＝ロボスから、「ブラジルの魂」と称賛されました。 中産階級ながらもあまり豊かでない下級官吏の家庭に生まれ、ショパンを愛する母親からピアノの手ほどきを受けました。 早い年齢でたぐい稀な音楽的才能が認められ、家族ぐるみで付き合いのあったアフロ＝アメリカンの作曲家、 リュシアン・ランベールにも音楽の手ほどきを受けました。 1873年に母親が亡くなってからもピアノを学び、間もなく作曲も手がけるようになりました。 最初の出版作品のポルカ『ボセ・ベン・サービ"Voce Bem Sabe"』 （あなたはよく御存知）は、14歳になるまでに作曲・出版されました。 その後は、ショーロの楽士たちとたむろして、敏感で独特なリズム感を身につけました。マシシェ maxixe やルンドゥ lundu 、ショーロ choro 、 アフリカ系住民のダンスなど、さまざまな民族舞曲に影響されました。 長年ナザレーは、映画館オデオン座の待合室でピアニストとして働き、ここで最も有名な作品の一つ『オデオン』を作曲しました。 外国から数少ない音楽家がブラジルを訪問した際、オデオン座のナザレーの演奏を見学したといわれています。 1920年代初頭には、音楽ショップにピアニストとして雇われました。顧客が購入する際に持ち寄ってきた楽譜を見ながら、演奏し、 客の要望に沿うかどうかを確認して見せるのが任務でした。客の中に、ナザレー作品の楽譜を手ずから弾こうとする者がいると、止めさせて、 解釈が誤っていると苦情を言うのが常だったそうです。 ナザレーは、心底からのブラジル人音楽家であり、音楽は楽しまれるべきであるとして、それ以上を望みはしませんでした。 ほとんど独学であり、音楽活動のほとんどは、劇場や映画館の伴奏ピアニストとして、あるいは小劇場のアンサンブルでのピアニストとして、 演奏するのに振り当てられました。 そのような劇場アンサンブルの楽団員の知り合いには、後の大作曲家ヴィラ＝ロボスがいて、当時はチェリストとして活動していました。 ナザレーはショーロの発展のおおもとであり、ヴィラ＝ロボスは、これに基づき、後に自らの創作活動を繰り広げていったのです。 ナザレーは、ブラジルの民族音楽以外にも明らかに影響されていて、子供時代にむさぼるようにして学んだショパンの影響が中でも顕著です。 また、1869年にきら星のようにリオ・デ・ジャネイロにデビューして、瞬く間にブラジル楽壇を席巻したゴットシャルクの作風もナザレーにはお馴染みでした。 作品には、19世紀ヨーロッパのクラシック音楽の豊かな和声法がこだましながら、ナザレーの生地ブラジルの、シンコペーションをともなう 民族舞曲のリズム法に織り込まれてゆくのが認められます。そのうえ、アメリカ合衆国のラグタイムや初期のジャズの、小気味よいリズム感も健在です。 これらの要素を統合して一つの有機体へとまとめ上げたことがナザレー独自の能力で、結果的には、ピアノ曲のレパートリーだけでなく、20世紀の音楽にも重要な貢献を果たしています。 ナザレーはショパンやその他のヨーロッパの作曲家から霊感を受けたように、逆に自らも、間接的とはいえ、ヨーロッパの作曲家に何かしらの影響を与えています。 フランス人作曲家のダリユス・ミヨーは、自伝の中で、ブラジル滞在中にリオ・デ・ジャネイロの映画館でナザレーがピアノを演奏する風景を回想しています。 ミヨーはその音楽のリズムにたちどころに虜となって、ブラジル音楽をきわめてやろうと決心したというのです。 その最終的な成果こそが、ミヨーのピアノ曲『ブラジルの想い出 Saudades do Brasil』でした。 ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ばれていますが、作品に副題を好んでつけた点で、ショパンとは違っています。 ショパンやフォーレよりもヨーロッパのサロン音楽の伝統に忠実だったといえます。 しかしながら19世紀から20世紀初頭まで、ヨーロッパではサロン小品にフランス語の題名をつける慣習がまだ根強く残っていたのに対して、 ナザレーは母語のポルトガル語に固執しました。 また題名によって、ドビュッシーやラヴェルのように、美術や文学からのインスピレーションをほのめかしたり、 リストのように詩的な連想を暗示することもありませんでした。 ナザレーの曲名には、しばしば第三者にとって謎めいた響きをもつものもありますが、それらは実在するスポーツチームやダンスクラブ、雑誌名など、 ナザレーの日常生活の周辺から切り取られたものばかりです。このような意味で、ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ぶよりは、むしろ 「ブラジルのクープラン」と呼んでこそふさわしいかも知れません。 およそ300曲のピアノ小品において、ナザレーはみごとに、大衆的なブラジル舞曲のエッセンスを捕まえています。 ナザレーは、厳密には都会の聴衆のために作曲したのですが、その作品には、（ブラジルで奴隷制が廃止された1888年以降の作品でも、） アフリカ系民族音楽の豊かな影響が息づいています。ほとんどの曲に、スコット・ジョプリンが発想したようなシンコペーションが使われています。 ナザレーのピアノ曲には、ブラジルのありとあらゆるダンスが盛り込まれています。マシシ（英語版）、バトゥーキ（英語版）、 サンバ、 そして中でも重要なのがタンゴです。後に世界中を熱狂させ、席巻したタンゴが、ブラジル生まれだったというだけでなく、 実際にはナザレー自身の創り出したジャンルだったという証拠になるからです。 もしそれが間違いだったとしても、「ブラジル風タンゴ」の発展のほとんどにナザレーがかかわっていて、このジャンルに優に100曲を残しています。 最も有名な作品に、『ブレジェイロ（ろくでなし）"Brejeiro"』『アメノ・ヘゼダ"Ameno Reseda"』『バンビーノ（赤ん坊）"Bambino"』 『トラベッス（腕白坊主）"Travesso"』『フォン・フォン"Fon-Fon"』『テネブローズ（暗闇）"Tenebroso"』があります。 ナザレーが初めて「ショーロ」と呼んだ作品のうち、『アパニェイチ・カヴァキーニョ（頑張れカバキーニョ）"Apanhei-te Cavaquinho"』は、 さまざまな楽器アンサンブルによって演奏できる、古典的名作です。 晩年になって完全に聴覚を失うと、創作活動にも支障をきたしましたが、それでもブラジル国内ではなかなかナザレー人気は衰えませんでした。 ゴットシャルクやジョプリンを評価する人たちなら、ナザレーの残した魅力的な宝石たちをきっとたちまち気に入るに違いありません。 作曲者の死後から半世紀を経た近年になって、ナザレー作品を集めたアルバム制作が世界的にも相次いでいて、最近では伝記や、 作曲者に関するCD-ROMも発表されています。ナザレーは、クラシックとポピュラー音楽にまたがって活動したことから、ナザレーのピアノ曲は、 クラシックの学び手にも、ポピュラー音楽の学び手にも、有用な教材とされつつあります。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

木管四重奏「G線上のアリア」楽譜

木管四重奏「G線上のアリア」 Air On The G String J.S.Bach 編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。 金管四重奏版、サックス四重奏版、クラリネット四重奏版は発売中です。 中編成吹奏楽譜も発売中です。 優雅で美しいバッハの魅力をぜひ味わってください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/Cy8_v97LU6M Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 穏やかで優雅で荘厳な美しさに溢れているメロディーでみんなに”G線上のアリア”で親しまれているこの曲は ヨハン・セバスティアン・バッハ(1685年から1750年)がおそらくケーテン時代の36才から37才の頃、 管弦樂組曲第３番二長調.BWV1068の第２曲(=エア（アリア）)として 書かれたものが原曲となった曲です。 バッハが生きていた時には評判にもならず、バッハが亡くなって100年のちに発掘され 曲を演奏されることによって、ようやくこの曲にスポットライトが当てられました。 まだこの時はほぼ原曲のままだったと思われます。 バッハがヴァイオリニストの地位も確立して来た頃、G線だけで演奏するという事が話題に上っていたようです。 流行にのって1871年にドイツのヴァイオリニストのアウグスト・ヴイルヘルミ(1845年から1908年)が バッハのアリアを原曲にバイオリンのG線(＝テーマメロディがバイオリンの四本の弦の一番低い音のG弦） だけで弾けるように編曲することで、世の中に広く”G線上のアリア”として知られ親しまれる曲となりました。 現在では広くヴァイオリンや他の楽器が他の線で弾く時にも”G線上のアリア”として紹介されるようになり、 ”G線上のアリア”と言う名が世に浸透しました。 バッハ一族は音楽家の家系で、数多くの音楽家を輩出しましたが、 中でも、ヨハン・ゼバスティアン・バッハはその功績の大きさから、大バッハとも呼ばれています。 一般的にはJ・S・バッハとも略記されています。 ヨハン・ゼバスティアン・バッハ（Johann Sebastian Bach, 1685年3月31日 - 1750年7月28日） は、18世紀のドイツで活躍した作曲家・音楽家です。 バロック音楽の重要な作曲家の一人で、鍵盤楽器の演奏家としても高名であり、 当時から即興演奏の大家として知られていました。バッハ研究者の見解では、 バッハはバロック音楽の最後尾に位置する作曲家としてそれまでの音楽を集大成したとも評価されていますが、 後世には、西洋音楽の基礎を構築した作曲家であり音楽の源流であるとも捉えられ、 日本の音楽教育では「音楽の父」と称されました。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

サックス五重奏と打楽器のための「クリサンシマム（菊）」楽譜

サックス五重奏と打楽器のための「クリサンシマム（菊）」 The Chrysanthemum An Afro-American Intermezzo Scott Joplin 編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンに加えてDrumsです。 打楽器（ドラムセット）を含めて総勢6名になります。 金管八重奏版、木管八重奏版、金管五重奏版、クラリネット五重奏版、木管五重奏版は発売中です。 スコット・ジョプリンのラグタイムをコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/RXy9V3kOVJY アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html 「クリサンシマム」（The Chrysanthemum）は、1904年にスコット・ジョプリンが作曲したピアノ曲です。 ジョプリンが「2度目の妻 Freddie Alexander に捧げた」とも言われている落ち着いた雰囲気のラグタイム作品です。 クリサンシマムは菊の花の意味です。ラテン語の属名を英語読みにして「クリサンセマム」または略して「マム」と呼ぶこともありますが、 これは種としてのキクを指す場合と、キク属を指す場合とがあります。 属名はギリシア語の "chryso-"「黄金の」と "‐anthemon"「花」に由来し、菊に黄色い花が多いことによっています。 ラグタイム王スコット・ジョプリン スコット・ジョプリンはアメリカ黒人が作り上げた音楽スタイル「ラグタイム ragtime」の中で、 最も良く知られている作曲家／ピアニストです。 明治維新の年にテキサス州テキサカーナで生まれ、1917年、ニューヨークで亡くなりました。 1885年から1893年にかけてはセントルイスのナイト・クラブで演奏し、90年代にはミズーリ州のセダリアの ザ・クイーン・シティ・ニグロ・バンドでコルネットを吹いていました。 93年には、シカゴ万博にも出演しています。 当時のアメリカでは、楽曲はシート・ミュージック（楽譜）の売り買いによって世間に広まりましたが、 ジョプリンも例外ではなく「Please Say You Will」「Picture of Your Face」など自作曲の権利を売っていました。 彼にとって初めてのラグタイム曲となる「Original Rags」（1899年）も同様でした。 しかし、彼の代表作「メイプル・リーフ・ラグ Maple Leaf Rag」は印税契約という、当時の黒人としては異例の方法が取られました。 そして、この契約を申し出たジョン・スターク（白人）と共同歩調を取ることによってスコット・ジョプリンは、 ラグタイムの象徴となりました。 ちなみに「メイプル・リーフ・ラグ」（1899年）のシート・ミュージックは、発売されたその年だけで７万５千部も売れました。 ジョプリンはその後、たくさんのラグタイム曲を出版しましたが、彼の望みはバレーやオペラなど「格の高いジャンル」で 認められることでした。このような彼の意識背景には、アメリカの黒人差別がありました。 ジョプリンはバレー曲「The Ragtime Dance」（1902年）、オペラ「The Guest of Honor」（03年）を作曲しましたが、 ことごとくが失敗に終わりました（「The Guest of Honor」は出版されなかった）。 そうこうしているうちに、ラグタイムに影響され、より黒人色の強いジャズが台頭しきました。 ラグタイムがアメリカ最初の「自国の音楽」として欧米で持て囃されたのは19世紀末から1920年あたりだと言われていますが、 ジョプリンはまさにその短い時代に世に出て、そして亡くなったミュージシャンでした。 1910年頃には彼は梅毒におかされ、17年に亡くなりました。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/

金管四重奏 モテット より「キリストは我らのために」楽譜

金管四重奏 モテット より「キリストは我らのために」 （アントン・ブルックナー） Christus Factus Est 編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.2本です。 木管四重奏、サックス四重奏版、クラリネット四重奏版は発売中です。 ブルックナーの敬虔さを感じる実直で奥深い音楽を、ぜひお楽しみください。 お求めの際はこちらからお願いします。 アトリエ・アニマート・ショップ https://animato.official.ec/ 参考音源 https://youtu.be/TLtVmxcYGpo Youtubeチャンネル https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3 https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html ブルックナーは、1884年5月25日に聖木曜日の段階を使用してこのモテットを作曲しました。この作品は、6か月後の11月9日に ウィーナーホフムシッカペルで上演されました。ブルックナーはその作品を彼の生徒の一人であるオッド・ロイドルに捧げました。 元の原稿は個人のコレクション（Dr Wilhelm、Bottmingen ）にありますが、その写本はクレムスミュンスター修道院とオーストリア国立図書館の アーカイブにあります。この作品は、1886年にウィーンのTheodorRattigによって他の3つの 漸進的作品（Locus iste、WAB 23、Os justi、WAB 30、Virga Jesse、WAB 52）と一緒に公開されました。 Christis factus est の歌詞はラテン語です。 Christus factus est pro nobis obediens usque ad mortem autem crucis. propter quod et deus exaltavit illum et dedit illi nomen, quod est super omne nomen. キリストは、わたしたちのために、従順になられた、 死に至るまで、しかも十字架に至るまで。 そのゆえに神は彼を高く挙げ、 彼にすべての名にまさる名をお与えになった。 　 出典は新約聖書・フィリピの信徒への手紙2章8～9節（パウロの書簡）です。 　この手紙は、パウロがＡＤ50年代にマケドニア（ギリシアの北）のフィリピの教会に当てて書いたものです。獄中から書いたものと伝えられています。 　これは「キリスト賛歌」と呼ばれる箇所でパウロ以前にさかのぼる古い祈りの言葉です。 「キリストは、神の身分でありながら、神と等しい者であることに固執しようとは思わず、かえって自分を無にして、僕の身分になり、 人間と同じ者になられました。人間の姿で現れ、へりくだって、死に至るまで、それも十字架の死に至るまで従順でした。 このため、神はキリストを高く上げ、あらゆる名にまさる名をお与えになりました。 こうして、天上のもの、地上のもの、地下のものがすべて、イエスの御名にひざまずき、すべての舌が、『イエス・キリストは主である』と 公に宣(の)べて、父である神をたたえるのです。」2：6‐11 　日本聖公会祈祷書では、復活前主日（しゅろの主日）の聖餐式（ミサ）の「感謝聖別」の中、「特別序唱」としてこの言葉が用いられます。 「ことに、主イエス・キリストは人となり、己(おのれ)を低くして死に至るまで、十字架の死に至るまで従われました。 これは地から挙げられ、すべての人をみもとに引き寄せてくださるためです」 ヨーゼフ・アントン・ブルックナー（Joseph Anton Bruckner, 1824年9月4日 - 1896年10月11日） は、オーストリアの作曲家、オルガニストです。 交響曲と宗教音楽の大家として知られています。 彼はリンツ近くのアンスフェルデンに学校教師の長男として生まれ、村の教会のオルガン奏者を兼ねる父のもとで早くから音楽に親しみました。 13歳で父を失ったのち近くのザンクト・フロリアン修道院の寄宿舎に入り、少年聖歌隊員としてオルガンやピアノ、バイオリンを学びました。 師範学校を経て1841年に助教師となりましたが作曲にも手を染め、ザンクト・フロリアン修道院のオルガン奏者、1856年にはリンツ大聖堂の オルガン奏者に就任しました。以後作曲の勉強に本格的にとりくみ，R.ワーグナーの音楽に傾倒しました。 1864年?1868年、《ミサ曲第１番ニ短調》にはじまる〈三大ミサ曲〉を完成しました。1868年ウィーン音楽院教授に就任し、 1873年からはワーグナーと親交を深めました。また1875年にはウィーン大学講師となり、学生だったマーラーと交流しました。 《交響曲第４番ロマンティック》（1881年初演）以来ようやく高まり始めた作曲家としての名声は60歳の年、 1884年のニキシュによる《交響曲第７番》初演の大成功で頂点を迎え、生涯初の栄光をブルックナーにもたらしました。 1891年ウィーン大学名誉博士の称号を得ました。《交響曲第９番》を未完のまま72歳で永眠。その音楽の基盤には敬虔(けいけん)なカトリック信仰が あり、教会オルガン奏者として精通した多声音楽の伝統とベートーベン以来のドイツ、オーストリア音楽の諸様式とが融合し、 独自の書法を形づくっています。第０番と習作１曲を含む11曲の交響曲（1863年―1896年）のほか、《テ・デウム》（1884年）、 《詩篇第150番》（1892年）など多くの教会音楽、《弦楽五重奏曲》（1879年）などがあります。 ブルックナーには独自の技法や表現があり、それらはブルックナーの名前を付けて呼ばれています。 有名なものでは「ブルックナー開始」があげられますが、これは第1楽章の始まりを弦楽器のトレモロという音を小刻みに演奏する技法で始めるものです。 他には「ブルックナー休止」「ブルックナー・ゼクエンツ」「ブルックナー・ユニゾン」「ブルックナー・リズム」などがあります。 ●ブルックナー開始 第1楽章が弦楽器のトレモロで始まる手法であり、交響曲第2、4、7、8、9番に見られます。ベートーヴェンの『交響曲第9番』に影響を受けています。 ●ブルックナー休止 楽想が変化するときに、管弦楽全体を休止（ゲネラル・パウゼ）させる手法です。 ●ブルックナー・ユニゾン オーケストラ全体によるユニゾン。ゼクエンツと共に用いられて効果を上げます。 ●ブルックナー・リズム (2+3) によるリズム。第4、6番で特徴的である。(3+2) になることもあります。初期の稿では5連符として書かれていたものが、改訂稿では ブルックナー・リズムに替えられている例も見られます。 ●ブルックナー・ゼクエンツ ひとつの音型を繰り返しながら、音楽を盛り上げていく手法。いたるところに見られます。 ●コーダと終止 コーダの前は管弦楽が休止、主要部から独立し、新たに主要動機などを徹底的に展開して頂点まで盛り上げます。 ●和声 ブルックナーの和声法で、響きが濁るので従来多くの作曲家が避けた技法。例えば根音Gとした場合、根音Gに対して、 属9の和音以上に現れる9の音のA♭が半音違いで鳴ること、属11の和音においてBとCが半音違いで鳴ることや、13の和音においてDとE♭が半音違いで鳴ること。 もう一つは対位法の場面で現れ、対旋律や模倣が半音違いで鳴ること。従って和声学上の対斜とは意味が異なりますが、バルトークの ブルーノート風の半音のぶつかりも「対斜」とされているので、ここでは「ブルックナー対斜」と読んでも差し支えありません。 またワーグナーのトリスタン和音がそのまま使われていることがあります。和音の音色を明確にするため同一楽器に当てている例が多く見られます。 和音の機能をはっきりさせるために同楽器の密集配置がほとんどで、これが後期ロマン派の香りを引き立たせる大きな要因となっています。 幼い頃から音楽の才能を発揮していたブルックナーは、10歳くらいの年齢になった際に、オルガン奏者だった父親の代わりに オルガンの演奏を教会で行うことがあったそうです。そして11歳の年には、名付け親でありオルガニストだった人物の元で音楽の教育を 受けることとなりますが、その後父親が亡くなると、すぐに修道院の聖歌隊に入ることになりました。 その後16歳で小学校の補助教員免許を取ると、翌年には補助教員として働き始めますが、そこでは授業以外の雑用や畑仕事なども行う必要がありました。 しばらくして別の場所へと転勤になりますが、移った先はブルックナーにとって良い環境だったらしく、初期の合唱曲が生み出されることとなります。 1855年には、リンツ大聖堂のオルガニストの試験でその席を勝ち取ることとなり、大きな収入を得ていくようになったようです。 しかし同年、ブルックナーは再び作曲の勉強をしたいと考え、6年間に渡ってジーモン・ゼヒターに師事しました。 1868年には、師事していたゼヒターの後にウィーン国立音楽院教授となると、しばらくの間はリンツ大聖堂の仕事と掛け持ちしている状態だったそうです。 作曲を行いながらオルガニストの仕事も継続していたブルックナーは、この時期オルガニストとしてとても高く評価されていました。 ちなみにこのころに作曲されたのが、初期の交響曲である「第1番」「第2番」、そして「第0番」と呼ばれる作品です。 1873年、バイロイトでワーグナーとの交流の機会を得たブルックナーは、自身の「交響曲第3番」を献呈しました。このことは、ワーグナーには 良い印象を与えましたが、当時の反ワーグナー派からは批判を受けることとなったようです。 そして1876年、バイロイト音楽祭を訪れたブルックナーは、作曲してきた交響曲を大幅に改訂することにしました。この時に大幅改訂されたのが、 「交響曲第1番」から「第5番」だったようです。 その後1877年に行われた「第3番」の初演は失敗に終わりますが、次の「第4番」が好評となったためブルックナーは交響曲の作曲家としても 知られるようになります。そして、宗教曲の中の代表作である「テ・デウム」や、「交響曲第7番」などが作曲され、さらに有名になっていきました。 1884年ころから「交響曲第8番」に取り掛かると1887年には初稿が完成しましたが、大幅な改訂を必要としたため現在よく知られている 第2稿が完成したのは1890年でした。 この作品は、ブルックナーの作品の中でも代表作と言える交響曲で、当時のオーストリア皇帝フランツ・ヨーゼフ1世に献呈されています。 また、この「第8番」の改訂の際には、他のいくつかの交響曲も改訂が行われました。 数階建ての建物に住んでいたブルックナーでしたが、体を悪くすると、階段の往復が辛くなっていきました。 それを知ったフランツ・ヨーゼフ1世は、ブルックナーを宮殿敷地内の建物に住まわせることにしたようです。 また、ブルックナーは亡くなる当日まで「交響曲第9番」の作曲を行っていましたが、完成には至らないままとなってしまいました。 当時の音楽界は、ブルックナーが「交響曲第3番」を献呈したワーグナー派と、ドイツ三大Bの内の1人であるブラームス派に分かれていました。 そのためワーグナー派とされていたブルックナーと、ブラームスの仲は良いものではなかったようです。 しかし、「交響曲第8番」に関してはブラームスも評価をしていました。そして、ブルックナーの葬儀の際は遠くから見ていたり、 泣いていたりといった様子が確認されたと言われています。 アトリエ・アニマート https://animato-jp.net/